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Humboldt-Universität zu Berlin - Zeitschrift für Germanistik

Humboldt-Universität zu Berlin | Projekte | Zeitschrift für Germanistik | "Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik" (1999–2018)

"Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik" (1999–2018)

"Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik" (1999–2018)


 

   
   
   
   

 

In loser Folge erscheinen seit 1999 die

 

PUBLIKATIONEN   ZUR  
ZEITSCHRIFT   FÜR   GERMANISTIK

im Verlag Peter Lang. Internationaler Verlag der Wissenschaften, Bern

 

 

 

 

 
     
 

Bd. 31 (2017):

Bernhard Jahn, Alexander Košenina (Hrsg.):
Friedrich Ludwig Schröders Hamburgische Dramaturgie

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 30 (2016):

Annika Hildebrandt, Charlotte Kurbjuhn, Steffen Martus (Hrsg.):
Topographien der Antike in der literarischen Aufklärung

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 29 (2015):
Hans Jürgen Scheuer, Ulrike Vedder (Hrsg.):
Tier im Text. Exemplarität und Allegorizität literarischer Lebewesen

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 28 (2014):
Tanja van Hoorn, Alexander Košenina (Hrsg.):
Naturkunde im Wochentakt. Zeitschriftenwissen der Aufklärung

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 27 (2013):
Elisabeth Strowick, Ulrike Vedder (Hrsg.):
Wirklichkeit und Wahrnehmung. Neue Perspektiven auf Theodor Storm

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 26 (2012):
Peter Uwe Hohendahl, Erhard Schütz (Hrsg.):
Perspektiven konservativen Denkens. Deutschland und die Vereinigten Staaten nach 1945

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 25 (2012):
Alexander Nebrig, Carlos Spoerhase (Hrsg.):
Die Poesie der Zeichensetzung: Studien zur Stilistik der Interpunktion

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 24 (2011):
Nordverbund Germanistik (Hrsg.):
Frühe Neuzeit – Späte Neuzeit. Phänomene der Wiederkehr in Literaturen und Künsten ab 1970

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 23 (2011):
Brigitte Peters, Erhard Schütz (Hrsg.):
200 Jahre Berliner Universität. 200 Jahre Berliner Germanistik. 18102010 (Teil III)

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 22 (2010):
Mark-Georg Dehrmann, Alexander Nebrig (Hrsg.):
Poeta philologus. Eine Schwellenfigur im 19. Jahrhundert

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 21 (2011):
Marina Münkler (Hrsg.):
Aspekte einer Sprache der Liebe. Formen des Dialogischen im Minnesang

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 20 (2009):
Katja Gvozdeva, Werner Röcke (Hrsg.):
risus sacer – sacrum risibile“. Interaktionsfelder von Sakralität und Gelächter im kulturellen und historischen Wandel

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 19 (2007):
Ralf Klausnitzer, Carlos Spoerhase (Hrsg.):
Kontroversen in der Literaturtheorie / Literaturtheorie in der Kontroverse

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 18 (2008):
Christina Lechtermann, Haiko Wandhoff (Hrsg.):
Licht, Glanz, Blendung. Beiträge zu einer Kulturgeschichte des Leuchtenden

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 17 (2008):
Carsten Würmann, Ansgar Warner (Hrsg.):
Im Pausenraum des Dritten Reiches. Zur Populärkultur im nationalsozialistischen Deutschland

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 16 (2007):
Joachim Rickes, Volker Ladenthin, Michael Baum (Hrsg.):
1955–2005: Emil Staiger und Die Kunst der Interpretation heute

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 15 (1. Aufl. 2007, 2. überarb. Aufl. 2008):
Manuel Köppen, Erhard Schütz (Hrsg.):
Kunst der Propaganda. Der Film im Dritten Reich

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Bd. 14 (2006):
Inge Stephan, Hans-Gerd Winter (Hrsg.):
Zwischen Kunst und Wissenschaft. Jakob Michael Reinhold Lenz

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 13 (2006):
Steffen Martus, Andrea Polaschegg (Hrsg.):
Das Buch der Bücher – gelesen. Lesarten der Bibel in den Wissenschaften und Künsten

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Bd. 12 (2005):
Thomas Wegmann (Hrsg.):
MARKT. Literarisch

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Bd. 11 (2005):
Steffen Martus, Stefan Scherer, Claudia Stockinger (Hrsg.):
Lyrik im 19. Jahrhundert. Gattungspoetik als Reflexionsmedium der Kultur

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 10 (2005):
Barbara Becker-Cantarino, Inge Stephan (Hrsg.):
„Von der Unzerstörbarkeit des Menschen“. Ingeborg Drewitz im literarischen und politischen Feld der 50er bis 80er Jahre

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 9 (2004):
Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin (Hrsg.):
„lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn! –“. Ludwig Tieck (1773–1853)

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 8 (2004):
Christina Lechtermann, Carsten Morsch (Hrsg.):
Kunst der Bewegung. Kinästhetische Wahrnehmung und Probehandeln in virtuellen Welten.

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 7 (2003):
Inge Stephan, Hans-Gerd Winter (Hrsg.):
„Die Wunde Lenz“. J. M. R. Lenz. Leben, Werk und Rezeption

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 6 (2002):
Erhard Schütz, Gregor Streim (Hrsg.):
Reflexe und Reflexionen von Modernität. 1933–1945

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 5 (2002):
Ernst Osterkamp (Hrsg.):
Wechselwirkungen. Kunst und Wissenschaft in Berlin und Weimar im Zeichen Goethes

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 4 (2002):
Kai Kauffmann (Hrsg.):
Dichterische Politik. Studien zu Rudolf Borchardt

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 3 (1. Aufl. 2001; 2. Aufl. 2004):
Werner Röcke (Hrsg.):
Thomas Mann. „Doktor Faustus“. 1947–1997

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 2 (1. Aufl. 2000; 2. Aufl. 2003):
Klaus R. Scherpe, Alexander Honold (Hrsg.):
Das Fremde. Reiseerfahrungen, Schreibformen und kulturelles Wissen

Inhaltsverzeichnis
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Bd. 1 (1999):
Walter Delabar, Horst Denkler, Erhard Schütz (Hrsg.):
Banalität mit Stil. Zur Widersprüchlichkeit der Literaturproduktion im Nationalsozialismus

Inhaltsverzeichnis
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Band 29


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik 

 

Band 29

 

HANS JÜRGEN SCHEUER,
ULRIKE VEDDER (Hrsg.):


Tier im Text.
Exemplarität und Allegorizität literarischer Lebewesen

 

ISBN 978-3-0343-1652-1 pb. ISBN 978-3-0351-0875-0 eBook

ISSN 1660-0088 pb
ISSN 2235-5898 eBook


Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

 


Inhaltsverzeichnis

HANS JÜRGEN SCHEUER, ULRIKE VEDDER (Hrsg.)
Tier im Text.
Exemplarität und Allegorizität literarischer Lebewesen.
Vorwort
 

 

I. Anthropomorphe Tiere, theriomorphe Menschen:
Literarische Lebewesen in sprachlicher und moralischer Hinsicht

 

JULIA WEITBRECHT
Lupus in fabula.
Mensch-Wolf-Relationen und die mittelalterliche Tierfabel Lupus in fabula

 

HANS JÜRGEN SCHEUER
Aspekte einer vormodernen Poetik der animalia.
Tierkataloge und Minnebestiare in mittelhochdeutscher Dichtung

 

ASTRID LEMBKE
Drachen.
Gewaltsame Begegnungen im Mittelalter und in der Moderne

 

ANDREAS KRASS
Die Spur der Zentauren.
Pferde- und Eselsmänner in der deutschen Literatur des Mittelalters

 

BURKHARDT WOLF
Livyatan melvillei.
„Moby Dick“ und das überhistorische Wissen vom Wal

 

ROGER WILLEMSEN
Es werde Tier!
Über das Animalische zwischen Mensch und Monster

 

 

II. Schwärme, Herden, Staaten, Zoos:
Literarische Lebewesen in politischer,  gesellschaftlicher und ökonomischer Hinsicht

 

SABINE KALFF
Sind Kraniche Demokraten?
Zur politischen Ornithologie der Frühen Neuzeit

 

RALF KLAUSNITZER
Von Bienen fabeln.
Zur literarischen Beobachtungs- und Faszinationsgeschichte der Apis mellifera

 

ERHARD SCHÜTZ
„... ein Vorbild für jedes Menschenvolk“.
Mit Ameisen (und Termiten) durch die erste Hälfte des 20. Jahrhunderts

 

ULRIKE VEDDER
Im Zoologischen Garten der Moderne

 

 

III. Künstler(innen)-Bestiare:
Literarische Lebewesen in poetologischer Hinsicht

 

ALEXANDER KOŠENINA
Löwen in Bild und Text.
Johann Heinrich Ramberg bevölkert literarische Almanache der Goethezeit mit wilden Tieren

 

ULRIKE STAMM
Fremde Tiere.
Begegnungen mit dem animalischen Gegenüber im Reisebericht

 

ROLAND BERBIG
Untergraben und Abfedern.
Günter Eichs poetische Tierwelt

 

DOROTHEE WIESER
„Der Mensch als Augentier“:
Zur Zoopoetik Marcel Beyers in den Romanen „Flughunde“ und „Kaltenburg“

 

 

IV. Anhang


Siglen
Auswahlbibliographie: Tier im Text
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext 

Ob Tiere als Begleiter des Menschen oder als seine Gegenspieler die Literatur bevölkern, ob sie als Exempel, Symbole oder Allegorien eingesetzt werden, ob sie sprachlos oder sprechend leiden und agieren, ob sie gänzlich unabhängig in eigenen Lebens- und Zeichenwelten situiert werden oder als monströse und phantastische Kompositwesen selbst solche verkörpern – in literarischen Texten sind Tiere stets mehr und anderes als nur stumme Elemente einer realen oder fiktiven Welt.

Die Vielfalt der Funktionen des „Topos Tier“ steht im Zentrum dieses Bandes, dessen Textcorpus von mittelalterlicher und frühneuzeitlicher Literatur bis ins 21. Jahrhundert reicht und dessen Beiträge der Faszination literarischer Lebewesen aus verschiedenen Blickwinkeln – gattungs- und wissensgeschichtlich, psycho- und diskurshistorisch, gendertheoretisch und poetologisch – nachgehen.

 


 

Band 28


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

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Band 28

 

TANJA VAN HOORN, ALEXANDER KOŠENINA (Hrsg.):


Naturkunde im Wochentakt.
Zeitschriftenwissen der Aufklärung

 

ISBN 978-3-0343-1513-5 pb


ISBN 978-3-0351-0753-1 eBook

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

 

TANJA VAN HOORN, ALEXANDER KOŠENINA
Naturkunde im Wochentakt.
Zeitschriftenwissen der Aufklärung
Editorial


TANJA VAN HOORN
Gattungen, Nachbarschaften, Profile:
Textsorten und Platzierungen periodischer Naturaufklärung


MARIE-THERES FEDERHOFER
Dichtes Wissen.
Zu Christian Ludwig Lichtenbergs und Johann Heinrich Voigts „Magazin für das Neueste aus der Physik und Naturgeschichte“


GUNHILD BERG
Jährlich, neulich, künftig:
Zur Synchronisierung von kanonisiertem, aktuellem und zukünftigem Wissen aus der Naturkunde in Kalendarik und Prognostik des „Göttinger Taschen-Calenders“


MARTIN GIERL
Naturkunde in Rezensionszeitschriften.
Der mediale Fächer und das Wissen vom Fach


SIMONA NOREIK
Naturwissen und Poesie in Christlob Mylius’ physikalischer Wochenschrift „Der Naturforscher“


ALEXANDER KOŠENINA
„Erkenntniß von der Größe des Schöpfers“.
Populäre Naturkunde in den „Physikalischen Belustigungen“ (1751–1757)


MICHAEL BIES
Beobachtungen, Bemerkungen und Anekdoten zur ,Verbesserung‘ der Naturgeschichte.
Johann Ernst Immanuel Walchs „Der Naturforscher“


UTE SCHNEIDER
Für Kenner und Liebhaber.
Zur Idee und Konzeption der Zeitschrift „Der Naturforscher“ (1774–1804)


STEFANIE STOCKHORST
Ars medica für Kenner und Liebhaber.
Das medizinische Rezensionswesen der „Allgemeinen deutschen Bibliothek“ am Beispiel von Johann August Unzer und Philipp Gabriel Hensler


ANDREAS CHRISTOPH
Die „Allgemeinen Geographischen Ephemeriden" (1798–1831) im Kontext der Zeitschriftenliteratur des 18. und 19. Jahrhunderts


MISIA SOPHIA DOMS, PETER KLINGEL
Leser am Narrenseil.
Vom rhetorischen Einsatz naturwissenschaftlicher Methoden im „Reich der Natur und der Sitten“

 

SUSANNE DÜWELL
Erziehung „durch Vorzeigung der Dinge in der Natur“.
Aufklärungspädagogik und Naturgeschichte

 

GIULIA CANTARUTTI
Naturforschung in Aufklärungszeitschriften unter dem Blickwinkel des deutsch-italienischen Kulturtransfers

 

Anhang
Siglen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

In der Aufklärung wird umfassende Bildung über den Menschen, die Welt und die Kultur gefordert. Wissen über Astronomie, Physik, Chemie, Biologie, Medizin, Geologie oder Meteorologie vermitteln – vor der rasanten fachlichen Spezialisierung zu Beginn des 19. Jahrhunderts – insbesondere Zeitschriften.

Seit etwa 1750 konkurrieren auf dem Buchmarkt unterschiedlichste Periodika – vermischte Magazine, Rezensionsjournale, Moralische Wochenschriften –, die in Fachstudien, populären Essays, Lehrgedichten oder fiktionalen Erzählungen naturkundliche Inhalte an eine nicht minder vielfältige Leserschaft vermitteln. So entsteht eine populäre, öffentliche Akademie der Natur für das interessierte Bürgertum.

Der vorliegende Band sondiert dieses noch weitgehend unerschlossene Feld naturkundlichen Zeitschriftenwissens des 18. Jahrhunderts.

 


 

Band 27


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

 

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Band 27

 

ELISABETH STROWICK, ULRIKE VEDDER (Hrsg.):


Wirklichkeit und Wahrnehmung.
Neue Perspektiven auf Theodor Storm

 

ISBN 978-3-0343-1404-6 pb


ISBN 978-3-0351-0644-2 eBook

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt


Inhaltsverzeichnis

ELISABETH STROWICK, ULRIKE VEDDER
Wirklichkeit und Wahrnehmung.
Neue Perspektiven auf Theodor Storm.
Einleitung

 

CHRISTIAN BEGEMANN
Figuren der Wiederkehr.
Erinnerung, Vererbung und andere Gespenster der Vergangenheit bei Theodor Storm

 

ERNST OSTERKAMP
Dämonisierender Realismus.
Bemerkungen zu Theodor Storms Erzählkunst

 

ELISABETH STROWICK
„Eine andere Zeit“.
Storms Rahmentechnik des Zeitsprungs

 

ULRIKE VEDDER
Dinge als Zeitkapseln.
Realismus und Unverfügbarkeit der Dinge in Theodor Storms Novellen

 

ANNNE-KATHRIN REULECKE
Dynamiken des Unaussprechlichen in Theodor Storms Novelle "Schweigen"

 

ETHEL MATALA DE MAZZA
Spuk als Gerücht.
Theodor Storms Volkskunde

 

GERHARD NEUMANN
Theodor Storms „Psyche“.
Ein Wahrnehmungsmodell des ‚Realismus‘

 

ANDREA KRAUSS
Linienführung.
Ästhetisches Kalkül in Storms „Schimmelreiter“

 

LILIANE WEISSBERG
Bild und Tod in Theodor Storms „Aquis submersus“

 

PAUL FLEMING
Vom Kasus zum Fall:
Heyses „Auf Tod und Leben“ und Storms „Ein Bekenntnis“

 

ANETTE SCHWARZ
„Bis hierher; niemals weiter“.
Krankheit als Grenze literarischer Darstellung in Theodor Storms Novelle „Schweigen“

 

Anhang

Siglen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Das Verhältnis von Wahrnehmung und Wirklichkeit ist im 19. Jahrhundert einer Reihe von Umbrüchen unterworfen, die sich im diskursiven Wechselspiel zwischen Ästhetik, Medientechniken, Wahrnehmungsphysiologie und Literatur vollziehen. Wahrnehmung avanciert dabei zum Experimentierfeld vor allem der realistischen Literatur, die verschiedene Konzeptionen des Wirklichen erprobt und spezifische Formen der Beobachtung von Wahrnehmung anhand moderner literarischer Darstellungsweisen entwickelt.

Der vorliegende Band untersucht Theodor Storms ‚unheimlichen Realismus ‘ im Kontext solcher Formationen der Moderne. Die für Storms Werk so signifikanten Inszenierungen von Visualität, Formen von Bildlichkeit sowie Figurationen von Nachträglichkeit und Gespenstischem gewinnen vor diesem Hintergrund Kontur und werden in poetologischer, kulturtheoretischer sowie epistemologischer Hinsicht analysiert.

 


 

Band 26


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

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Band 26

 

PETER UWE HOHENDAHL, ERHARD SCHÜTZ (Hrsg.):


Perspektiven konservativen Denkens.
Deutschland und die Vereinigten Staaten nach 1945.

 

ISBN 978-3-0343-1139-7 br. (Softcover)


ISBN 978-3-0351-0372-4 (eBook)


Zur Abbildung auf dem Titelblatt


Inhaltsverzeichnis

PETER UWE HOHENDAHL, ERHARD SCHÜTZ
Vorbemerkung

 

PETER UWE HOHENDAHL, ERHARD SCHÜTZ
Perspektiven konservativen Denkens
Deutschland und die Vereinigten Staaten nach 1945
Einleitung

 

I.

HERFRIED MÜNKLER
Konservatismus und Krieg

 

MANUEL KÖPPEN
„…wie das Gesetz es befahl.“
Von den Erinnerungen deutscher Wehrmachtsgenerale zu Carl Schmitts „Theorie des Partisanen“

 

ERHARD SCHÜTZ
Erwachsene Deutsche, „Faust“ in der Tasche
Konservative Journalisten und die US-Kultur nach 1945

 

ISABEL HULL
Zwischen Konservatismus und Revolution:
Carl Schmitts völkerrechtliche Schriften

 

RÜDIGER STEINLEIN
Bewältigen – verhindern – bewahren
Pädagogik als konservatives Projekt nach 1945:
Eduard Spranger

 

STEFFEN MARTUS
„Das mag dann auch zu einer Grenzwanderung führen“:
Der Briefwechsel zwischen Ernst Jünger und Theodor Heuss

 

THOMAS WEGMANN
„Ach, vergeblich das Fahren!“
Gottfried Benns Ästhetik des Bleibens und einige konservative Allianzen im literarischen Feld

 

HELMUTH KIESEL
Gottfried Benns Probleme mit dem „Herrn [Sedlmayr] von der Mitte“

 

STEPHEN BROCKMANN
James Burnham und der deutsche Nachkriegskonservatismus

 

MAX PENSKY
Anti-Dialectics: Arnold Gehlen and the Fate of Conservative
Philosophical Anthropology in Germany


II.

JASON FRANK
Is there a Straussian Constitutionalism?

 

PETER UWE HOHENDAHL
Auf den Spuren Machiavellis:
Exekutive Gewalt und Staatsräson bei Leo Strauss und seinen Schülern

 

PETER GILGEN
Eros und Hermeneutik:
Allan Blooms Bildungsphilosophie

 

RICHARD FABER
Erik Voegelin – ein Politotheologe autoritär-liberaler Couleur

 

DAVYDD J. GREENWOOD
From Conservatism and Liberalism to Neo-liberalism and Neo-conservatism in American Higher Education since 1945:
The Unnoticed Coup

 

III. Anhang

Siglen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister


Klappentext


Die Beiträge des vorliegenden Bandes widmen sich vergleichend der Entwicklung des Konservatismus in der Bundesrepublik Deutschland und den USA von 1945 bis heute. Sie gehen dabei auf die unterschiedlichen Rahmenbedingungen und wechselseitigen Beziehungen ebenso ein wie auf die wesentlichen Akteure zwischen Politik und Kultur, Theorie und Praxis. Damit liefert der Band erstmals einen Überblick über diese kulturpolitisch höchst einflussreiche Strömung der jüngsten Gegenwart.

Neben historischen Überblicken bietet der Band vor allem Einzelstudien zu einflussreichen Personen und Positionen – u. a. zu Gottfried Benn, Allan Bloom, James Burnham, Carl Schmitt, Arnold Gehlen, Ernst Jünger, Eduard Spranger, Leo Strauss oder Eric Voegelin, aber auch Analysen zu kulturpolitischen Feldern wie Erziehungswesen, Medien und Militär.

 


 

Band 25


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

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Band 25

 

ALEXANDER NEBRIG, CARLOS SPOERHASE (Hrsg.)


Die Poesie der Zeichensetzung.
Studien zur Stilistik der Interpunktion

 

ISBN 978-3-0343-1000-0 br.

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt


Inhaltsverzeichnis

 

ALEXANDER NEBRIG, CARLOS SPOERHASE
Für eine Stilistik der Interpunktion

 

JÖRG TREMPLER
Richard Galpin
Literarische Satzzeichen auf Leinwand

 

ALEXANDER NEBRIG, CARLOS SPOERHASE
Über den Aufbau und die Beiträge dieses Bandes

 

I. Grundlagen

THEODOR W. ADORNO
Satzzeichen (1956)

 

HANS-GEORG GADAMER
Poesie und Interpunktion (1961)

 

JÜRGEN STENZEL
Versuch einer Hermeneutik der Satzzeichen (1966)

 

II. Studien

LUTZ DANNEBERG
Das perforierte Gewand:
Geschichte und hermeneutische Funktion von distinctiones, partitiones und divisiones

 

HANS JÜRGEN SCHEUER
Die Zeichensetzung ist eine Frau namens Eleonore
Aus dem Imaginarium der vormodernen Interpunktion

 

ANDREA POLASCHEGG
Ausdruckskunst!
Satzzeichen als Indizien des Affekts in Ode und Briefroman des 18. Jahrhunderts

 

ETHEL MATALA DE MAZZA
Asteriske und Oberbeistrichlein
Über Fehlanzeigen in Herders und Goethes Volkspoesie

 

RALF KLAUSNITZER
„(die Schriftgelehrten mögen ihn erklären)“
Zum Kommagebrauch des Heinrich von Kleist

 

ERNST OSTERKAMP
Drei Punkte
Capriccio über ein Ärgernis

 

JOACHIM RICKES
(Anstands-)Striche in Heinrich Heines Gedicht
„Beine hat uns zwei gegeben / Gott der Herr“

 

JOSEPH VOGL
Der Gedankenstrich bei Adalbert Stifter

 

STEFFEN MARTUS
Stefan Georges Punkte

 

MICHAEL KÄMPER-VAN DEN BOOGAART
Nachgelesen!!!
Adorno ausgeBECHERt:
Zur Lektüre expressionistischer Ausrufungszeichen

 

ULRIKE VEDDER
„Verhoffen“:
Gedankenstriche in der Lyrik von Ingeborg Bachmann, Nelly Sachs und Paul Celan

 

ERHARD SCHÜTZ
Der Einzige und die Typenwirtschaft
Satz- und andere Zeichen bei Arno Schmidt

 

ROLAND BERBIG
„und sie, das Kind das ich war“
Satzzeichen und Zeichensetzung bei Uwe Johnson. Stichproben

 

NORBERT FRIES
Spatien oder Die Bedeutung des Nichts

 

III. Anhang

Siglen
Satzzeichen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Werkregister
Personenregister


Klappentext

Satzzeichen sind für Literatur konstitutiv, moderne Schriftlichkeit ohne sie undenkbar. Dennoch spielen die Zeichen, die zwischen den Wörtern stehen, in der literaturwissenschaftlichen Praxis nahezu keine Rolle. Von berühmten Beispielen wie Heinrich von Kleists Gedankenstrich in der „Marquise von O...“ abgesehen, hat der virtuose Gebrauch von Satzzeichen, der sich bei großen Autoren der deutschen Literatur beobachten lässt, bisher keine angemessene stilistische Aufmerksamkeit gefunden.

Dem vorliegenden Band geht es um eine literatur- und kulturhistorische, aber auch stilistische Rekonstruktion der vielfältigen Formen und Funktionen der Satzzeichenverwendung und -wahrnehmung. Die Beiträge entwerfen eine differentielle Beschreibung der Verwendung von Satzzeichen in Bezugstexten unterschiedlicher literarischer Epochen, Strömungen und Autoren. Ergänzt werden die 16 Originalbeiträge durch drei klassische Studien der Interpunktionsstilistik von Theodor W. Adorno, Hans-Georg Gadamer und Jürgen Stenzel.

 


 

Band 24


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

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Band 24

NORDVERBUND GERMANISTIK (Hrsg.)

 

Frühe Neuzeit – Späte Neuzeit.
Phänomene der Wiederkehr in Literaturen und Künsten ab 1970

 

ISBN 978-3-0343-0469-6 br.

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt


Inhaltsverzeichnis

 

NORDVERBUND GERMANISTIK
Frühe Neuzeit – Späte Neuzeit
Phänomene der Wiederkehr in Literaturen und Künsten ab 1970
Einleitung

 

MARKUS FAUSER
„Wirkliche Gegenwärtigkeit“
Präsenzerfahrungen der Frühen Neuzeit in der Lyrik von Enzensberger, Grünbein und Wagner

 

ALEXANDER KOŠENINA
Uhr, Astrolabium, Teleskop, Traum:
Frühneuzeitliche Erkenntniswerkzeuge in Gedichten von Enzensberger, Schrott und Grünbein

 

STEFFEN MARTUS
Musa iocosa
Die ,Wiederkehr der Frühen Neuzeit‘ in der ,scherzhaften‘ Dichtung von Steffen Jacobs

 

JAVIER GÓMEZ-MONTERO
Funktionswandel des carpe diem-Motivs am Beispiel der spanischen Gegenwartslyrik

 

CLAUDIA BENTHIEN
Vanitas mundi
Der barocke Vergänglichkeits-Topos in bildender Kunst, zeitbasierten Medien und Literatur der Gegenwart

 

MATTHIAS BAUER
Grotte, Park und Wunderkammer
Zur ,Wiederkehr‘ barocker Szenographien

 

NIKOLAUS MÜLLER-SCHÖLL
Entdeckung des Mediums im Zeitalter der Medien
Zur neobarocken Performance „House. Lights“ der Wooster Group

 

NORBERT SCHAFFELD
Zwischen biographischer Rekonstruktion und Gender-Debatte:
Shakespeare als Bühnenfigur im zeitgenössischen kanadischen Theater

 

ANDRÉ SCHALLENBERG
„… der roman macht ahn die ewigkeit gedencken, denn er nimbt kein endt“
Zur ,Dauer‘ als ästhetischer Kategorie in Barock und Postmoderne, am Beispiel von Anton Ulrich von Braunschweig-Wolfenbüttel und Forced Entertainment

 

VERENA OLEJNICZAK LOBSIEN
Nekroprosa
Fragen nach den letzten Dingen in später und früher Neuzeit: W. G. Sebald und Sir Thomas Browne

 

THOMAS ALTHAUS
Rollenverhalten
Über Martin Kessels Roman „Lydia Faude“, Symbolischen Interaktionismus und eine Welt neuerlich als Schaubühne

 

NIKLAUS LARGIER
Die Falte
Barocke Figuration bei Gilles Deleuze und Walter Benjamin


Anhang
Siglen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Die ,Frühe Neuzeit‘ ist eine Reflexionsepoche der Moderne. Zumal in den letzten Jahrzehnten variieren Zeitdiagnosen das Konzept der ,Wiederkehr‘ von historischen Phasen der Vormoderne, um die Gegenwart im Licht der Vergangenheit zu erkennen, um etablierte Selbstbilder zu hinterfragen und alternative Entwürfe zum ,Projekt der Moderne‘ zu ermöglichen.

Die vorliegenden Beiträge fragen danach, ob und inwiefern diese Rückgriffe über vage Anspielungen hinausgehen, auf welche Epochenmerkmale sie rekurrieren und welche kulturelle Funktion die historische ,Wiederkehr‘ im Intervall von ,Früher‘ und ,Später Neuzeit‘ übernimmt. Sie legen den Akzent auf die Analyse von Literatur und Kunst, beziehen aber vielfach philosophische, politische, soziale u. a. Kontexte ein.

Die Aufsätze gehen auf eine internationale und interdisziplinäre Tagung zurück, die 2010 im Aby-Warburg-Haus Hamburg stattfand und vom Nordverbund Germanistik veranstaltet wurde, einer Kooperation der Universitäten HU-Berlin, Bremen, Flensburg, Greifswald, Hamburg, Hannover, Rostock und Vechta.

 


 

Band 23


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

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Band 23

 

BRIGITTE PETERS,
ERHARD SCHÜTZ (Hrsg.)


200 Jahre Berliner Universität.
200 Jahre Berliner Germanistik. 1810–2010

(Teil III)

 

ISBN 978-3-0343-0622-5 br.

 


Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

 

BRIGITTE PETERS, ERHARD SCHÜTZ
200 Jahre Berliner Universität. 200 Jahre Berliner Germanistik (III)
Vorwort

 

I.

RALF KLAUISNITZER
Lebensform und Wissensorganisation.
Die Berliner Universität im und als Spiegel moderner Literatur

 

ANNE BAILLOT
Dekanat, Rektorat, Promotionen.
Die Gründerjahre der Philosophischen Fakultät am Beispiel von Karl Wilhelm Ferdinand Solger (1780–1819)

 

TONI BERNHART, JUTTA WEBER
„ Denn im Sammeln ist nichts übereilt“.
Alexander von Humboldt (1769–1859) und seine Korrespondenzpartner.
Eine Projektstudie

 

ANDREA ALBRECHT
„Stockphilologen einerseits“ und „blos beobachtende Naturforscher andrerseits“


Zu Wilhelm Diltheys (1833–1911) Vorstellung von der universitas litterarum und seinem Ideal disziplinärer Konzilianz


MIRKO NOTTSCHEID, HANS-HARALD MÜLLER
„Ordnung“ und „Geselligkeit“ – Seminar und Kneipe.
Neue Dokumente zur Topographie der Berliner Germanistik

 

ALEXANDER NEBRIG
Der Dichter Julius Petersen (1878–1941) und die poetische Reflexion germanistischer Autorschaft.
Mit einem Anhang:
„Das schwere Geschütz“ (1902) und „Schauspieler! Novelle“ (1895)

 

MYRIAM RICHTER
Das extraordinäre Haus eines außerordentlichen Professors.
Die Meyer'sche Chronik up-to-date

 

LUTZ DANNEBERG
Wissenschaftsbegriff und epistemischer Relativismus nach 1933:
Nicolai Hartmanns (1882–1950) Preisfrage
„Die inneren Gründe des philosophischen Relativismus und die Möglichkeit seiner Überwindung“
von 1936 für die Preußische Akademie der Wissenschaften

 

BERND SÖSEMANN
Emil Dovifat (1890–1969).
Die Begründung einer universitären Zeitungswissenschaft und ihre Erweiterung zur Publizistikwissenschaft in Berlin

 

RAINER ROSENBERG
Literaturwissenschaftliche Germanistik in der DDR.
Zum intellektuellen Habitus ihrer Vertreter

 

II.

NILS FIEBIG
Richard M. Meyer, die Wilhelm Scherer-Stiftung und der Scherer-Preis

 

MAXIMILIAN ELSNER VON DER MALSBURG
Das Bankhaus E. J. Meyer (gegr. 1816).
Geschichte und Fortführung der Tradition durch das Bankhaus Wölbern

 

Scherer-Preis-Preisverleihung am 31. Mai 2010
mit Auszügen aus den Vorträgen von
JOSEPH VOGL, JUTTA MÜLLER-TAMM und NILS FIEBIG

 

MYRIAM RICHTER
Richard M. Meyer und der Scherer-Preis

 

PETER-ANDRÉ ALT
Philologie als historische Grundlagenwissenschaft

 

ERHARD SCHÜTZ
Laudatio auf Thomas Wegmanns Habilitationsschrift „Dichtung und Warenzeichen"

 

THOMAS WEGMANN
Kurze Danksagung anlässlich der Verleihung des Scherer-Preises

 

III. Anhang

Siglen
Rektoren und Präsident(inn)en an der Berliner Universität seit 1810
Auswahlbibliographie zur Berliner Wissenschaftsgeschichte
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Die Erinnerung an den Oktober 1810, als die universitären Geschäfte an der Alma Mater Berolinensis aufgenommen wurden, hat 2010 eine Reihe aufwändiger Projekte zur Säkularfeier gezeitigt. Auch die Zeitschrift für Germanistik widmete zwei Hefte ausschließlich der Berliner Universitätsgeschichte. Einmal thematisch angestoßen, weiteten sich Themen und Problemfelder aus, so dass den Heften 1–2/2010 noch dieser dritte Band, der andere Akzente setzt, folgt.

Ausgeprägter als in den beiden vorangegangenen Heften wird die spannungsreiche Wirklichkeit der universitären Lebensformen untersucht, werden regional geprägte universitäre Binnenstrukturen aufgezeigt und stärker interdisziplinäre Zusammenhänge – Publizistik, Philosophie und Naturwissenschaften – herausgearbeitet sowie umfangreiche neue Materialien erstmals abgedruckt.  

Ein weiterer – stattlicher und für unsere Disziplin eher singulärer – Anlass für diesen Band ist die Neuausschreibung und Wiederbelebung des Wilhelm Scherer-Preises durch die Bankhaus Wölbern Stiftung, genau 100 Jahre nach der Erstverleihung im Jahre 1910. Diese Preisverleihung am 31. Mai 2010 wird im zweiten Abschnitt ausführlich dokumentiert.

 

 


 

Band 22


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

 

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Band 22

 

MARK-GEORG DEHRMANN, ALEXANDER NEBRIG (Hrsg.)

 

Poeta philologus.
Eine Schwellenfigur im 19. Jahrhundert

 

ISBN 978-3-0343-0009-4 br.

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

 

ALEXANDER NEBRIG, MARK-GEORG DEHRMANN
Einleitung

 

EVI ZEMANEK
Fingierte Philologie und philologische Fiktion im Werk Ugo Foscolos

 

MASSIMO PIZZINGRILLI
Der unendliche Horizont hinter der Dichtung
Kreative Philologie bei Leopardi

 

HARTMUT BOBZIN
Friedrich Rückert
Der ,orientalische' Dichter und Philologe

 

MARK-GEORG DEHRMANN
Des Sängers Fluch
Philologie und Dichtung bei Uhland

 

MICHAEL SCHMIDT
Spur der Aura
Esaias Tegnérs Versepos „Frithiof“

 

BIRGIT KREHL
Adam Mickiewiczs künstlerisches Schaffen im Kontext seines Vorwortes „Über die romantische Dichtung“ („O poezji romantycznej“)

 

DOROTHEA SCHOLL
Zwischen Historiographie und Poesie:
Jules Michelet

 

SEBASTIAN DONAT
Übersetzung als Brücke zwischen poeta und philologus
Das Phänomen Friedrich Bodenstedt

 

MAXIMILIAN GRÖNE
Von der Philologie zur Fiktion
Paul Heyses Strategien der Literarisierung am Beispiel von Adam de la Halle und Raimon de Miraval

 

BRIGITTE RATH
„Our knowledge petrifies our rhymes“
Edmund Gosse im Kontext der Institutionalisierung von English Literature

 

ALEXANDER NEBRIG
Nietzsches Dichterbild und die Wiederbelebung des Dithyrambus durch die Philologie

 

VLADIMIR SABOURIN
Penco Slavejkov als (Anti-)Philologe
Das nietzscheanische Epos

 

BERNHARD TEUBER
Poeta doctus an philologus?
Gelehrsamkeit, Philologie und Antiphilologie bei Arthur Rimbaud

 

Anhang
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Die Geschichte der Philologien kann nicht von der Geschichte derLiteraturen getrennt werden: Dichtung bezieht sich immer auf Traditionen. Diese existieren aufgrund ihrer Konstitution, ihrer Bewahrung, ihrer Kritik, ihrer Interpretation – aufgrund der klassischen Tätigkeiten von Philologie bzw. Literaturwissenschaft. Der poeta philologus ist ein aufschlussreicher Sonderfall für diesen Befund, der aber auch darüber hinaus Geltung beanspruchen kann.


Der Band widmet sich der Lage des Dichterphilologen im 19. Jahrhundert. Seine Situation ist ambivalent. Innerhalb von Kulturen und Gesellschaften, die ihre ästhetischen, didaktischen und politischen Ambitionen durch einen Rückgang auf die Geschichte legitimieren, gewinnt der poeta philologus eine herausragende Bedeutung: Er verfügt als Philologe über das Vergangene, um es als Dichter wirkungsmächtig in die Öffentlichkeit zu geben. Gleichzeitig aber ist seine Doppelrolle seit den ästhetisch-poetischen Entwicklungen vom späten 18. Jahrhundert an gefährdet: Droht nicht die Gelehrsamkeit die Fähigkeit zur Dichtung abzutöten? Der Dichterphilologe ist eine Schwellenfi gur zur Moderne: Er versucht noch einmal, die Sehnsucht nach dem Vergangenen in gegenwärtiges Leben umzuwandeln, das sich multiplizierende historische Wissen in die Präsenz gegenwärtiger Dichtung zu bannen.


Die Beiträge beschränken sich nicht auf eine Nationalphilologie. In exemplarischen Studien zu Dichterphilologen unterschiedlicher Länder und Literaturen wird deutlich, dass der poeta philologus ein europäisches Phänomen ist.

 

 


 

Band 21


 

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Band 21

 

MARINA MÜNKLER (Hrsg.)

 

Aspekte einer Sprache der Liebe.
Formen des Dialogischen im Minnesang

 

ISBN 978-3-03911-783-3 br.

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

 

MARINA MÜNKLER
Aspekte einer Sprache der Liebe.
Formen des Dialogischen im Minnesang
Vorwort


I. Zur Poetik dialogischer Lieder

MANUEL BRAUN
Die Künstlichkeit des dialogischen Liedes

 

GERT HÜBNER
Vorgetragene Liebesdialoge
Die Poetik des Dialoglieds im Minnesang und im Korpus ,Mönch von Salzburg‘

 

KATHARINA BOLL
„Vrowe, nû verredent iuch niht“
Die Inszenierung von Frau und Mann als Dialogpartner im frühen und hohen Minnesang

 

MARINA MÜNKLER
Aspekte einer Sprache der Liebe
Minne als Kommunikationsmedium in den Dialogliedern des Minnesangs

 

II. Typen dialogischer Lieder

MARGRETH EGIDI
Der schwierige Dritte:
Zur Logik der Botenlieder vom frühen Minnesang bis Reinmar

 

SEBASTIAN MÖCKEL
„Der süeze wehsel under zwein“
Intime Dialoge im mittelhochdeutschen Tagelied um 1200

 

ANTJE SABLOTNY
Frau Minne im Dialog
Zum poetologischen Potenzial einer sprechenden Allegorie

 

JUTTA EMING
Gattungsmischung und Selbstbezüglichkeit
Die Dialoglieder in Ulrichs von Liechtenstein „Frauendienst“

 

VOLKER MERTENS
Lehre – Werbung – Spiel
Dialogische Dimensionen von Walthers Lied L. 43,9 (Ton 20)

 

CHRISTINA LECHTERMANN
Über die Un-/Möglichkeit, nicht zu antworten
Zwei Dialoglieder Ulrichs von Singenberg


III. Dialogizität

ANJA BECKER
Lyrische und epische Stichomythien:
Eilhart von Oberg – Heinrich von Veldeke – Albrecht von Johansdorf

 

MATTHIAS MEYER
Dialoge – innere Dialogisierung des Wortes – Dissoziierung
Überlegungen zum Dialogischen des Wortes in
Frauenlobs Minneliedern

 

KAY MALCHER
Wo der „ungevüege munt“ klagt
Dialogische Potentiale beim Übergang von Neidhart „WL 17“ zu ‚SNE I: R 32‘

 

Anhang

Siglen
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Titelregister (Liedanfänge)
Personenregister

 

Klappentext

Dieses Buch widmet sich einer bisher in der Minnesangforschung nur wenig behandelten Gattung: dem dialogischen Lied. Während die Minnekanzone die Stimme des Sängers als Minnendem privilegiert und die besungene Dame darin zum Schweigen verdammt, präsentiert das dialogische Lied den kommunikativen Austausch zwischen dem Minnenden und seiner Dame. Zudem ermöglicht es andere kommunikative Grundsituationen.

Die Beiträge des Bandes zeigen die thematische und kommunikative Vielfalt dieser Situationen auf. Diese kommunikative Vielfalt ist nicht von der Dialogizität der eingesetzten Semantiken und von Intertextualitätsaspekten im Hinblick auf andere Gattungen, wie etwa dem höfischen Roman, sowie von den Aspekten mündlicher und schriftlicher Performanz zu trennen. Der Band leistet deshalb auch einen Beitrag zur Intertextualitäts- und Performativitätsdiskussion, die in der Mediävistik einen gewichtigen Raum einnehmen.

 


 

Band 20


 

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Band 20

 

KATJA GVOZDEVA,
WERNER RÖCKE (Hrsg.)

 

„risus sacer – sacrum risibile“.
Interaktionsfelder von Sakralität und Gelächter im kulturellen und historischen Wandel

 

ISBN 978-3-03911-520-4 br.

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt


Inhaltsverzeichnis

KATJA GVOZDEVA, WERNER RÖCKE
Einführung


I. Christliches Lachen? (Spätantike, Mittelalter und Frühe Neuzeit)

WERNER RÖCKE
Heiliger Spott
Lachende Überlegenheit und Glaubensgewissheit in der Literatur der Spätantike und des Mittelalters

 

CHRISTOPH WINTERER
David, ein frühmittelalterlicher Karikaturist?
Zu den Initialen des "Sakramentars von Gellone"

 

MAX HARRIS
A Rough and Holy Liturgy: A Reassessment of the Feast of Fools

 

JACQUES E. MERCERON
The Sacred and the Laughing Body in French Hagiographic and Didactic Literature of the Middle Ages

 

HANS RUDOLF VELTEN
Sakralisierung und Komisierung im „Frauendienst“ Ulrichs von Liechtenstein

 

THOMAS CRAMER
Gottes-Scherz

 

CHRISTEL MEIER
Sakralität und Komik im lateinischen Drama der Frühen Neuzeit

 

II. Transformationen des Heiligen im Lachen um 1800

GUNTER GEBAUER
Lachen auf Leben und Tod
Bemerkungen zur Figur des Don Giovanni

 

DANIEL WEIDNER
Erbauung, Satire und höhere Wahrheit
Komische Predigten bei Karl Philipp Moritz und Jean Paul


III. Sakrales Lachen nach dem „Tod Gottes“

MARIO BÜHRMANN
Zarathustras Lachen

 

KATJA GVOZDEVA
Das ABC des heiligen Lachens
Atheologie im theoretischen und literarischen Werk („Abbé C.“) Georges Batailles


IV. Lachen in außereuropäischen rituellen und mythischen Kontexten

KLAUS PETER KÖPPING
Visceral Laughter and Cosmic Regeneration:
The Notion of the Belly in Japanese Myths and Ritual Performances

 

PATRICK LAUDE
Laughter and the Religious Gap

 

DON HANDELMAN
Clowns in Ritual: Are Ritual Boundaries Lineal? Moebius-like?

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Heiligkeit und Heiterkeit sind, so scheint es, strikt voneinander getrennt: Gehört das Heilige ganz dem Bereich des Statisch-Ernsthaften und Bedeutungsvollen an, so erscheint das Lachen als Ausdruck lauter Spontaneität und lustbetonter Subversion. Während die theoretischen Disziplinen – sowohl die Religionswissenschaft als auch die Lachtheorien – von der Möglichkeit des Zusammentreffens des Lachens mit dem religiösen Bewusstsein und kultischen Handlungen weitgehend absehen, liefern demgegenüber kulturelle Praktiken unzählige Beispiele ihrer Verzahnung.


Die Beiträge dieses Bandes untersuchen im kulturhistorischen Vergleich die vielfältigen Funktionsweisen des Lachens im Rahmen der performativen Prozesse, die das Heilige hervorbringen, erneuern und verändern. Die Einzelanalysen aus den Bereichen der Soziologie und Ethnologie, Religionswissenschaft und Philosophie, Geschichts-, Kunst- und Literaturwissenschaft, der Kunstgeschichte und Philosophie betrachten die Zusammenhänge zwischen Kultund Lachpraktiken in einer großen Bandbreite von religiösen und ‚religioiden‘ Phänomenen unterschiedlicher kultureller und historischer Provenienz. Sie machen deutlich, dass das Lachen in unterschiedlichen religiösen Kontexten – Mythen, Ritualen und mystischen Übungen – nicht als Eindringen des Profanen in den sakralen Rahmen, sondern als integraler Bestandteil sakraler Prozesse und kultischer Handlungen begriffen werden kann.

 

 


Band 19


 

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Band 19

 

RALF KLAUSNITZER,
CARLOS SPOERHASE (Hrsg.)

 

Kontroversen in der Literaturtheorie/ Literaturtheorie in der Kontroverse

 

ISBN 978-3-03911-247-0 br.


Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Zur Forschungsstelle Historische Epistemologie und Hermeneutik

 

Inhaltsverzeichnis

 

RALF KLAUSNITZER, CARLOS SPOERHASE
Vorwort

RALF KLAUSNITZER
Koexistenz und Konkurrenz
Theoretische Umgangsformen mit Literatur im Widerstreit

CARLOS SPOERHASE
Kontroversen:
Zur Formenlehre eines epistemischen Genres


LUTZ DANNEBERG
Dissens, ad-personam-Invektiven und wissenschaftliches Ethos in der Philologie des 19. Jahrhunderts:
Wilamowitz-Moellendorff contra Nietzsche
 

DORIT MÜLLER
Lufthiebe streitbarer Privatdocenten
Kontroversen um die theoretische Grundlegung der Literaturwissenschaft (1890–1910)
 

HANS-HARALD MÜLLER
Die Lebendigen und die Untoten
Lassen sich Auseinandersetzungen zwischen wissenschaftskonzeptionen als „Kontroversen“ rekonstruieren?
Am Beispiel von Positivismus und Geistesgeschichte
 

WOLFGANG HÖPPNER
Zur Kontroverse um Friedrich Gundolfs „Goethe“
 

MARKUS WILD
„Schon unser Briefwechsel hat das Gedicht allzu schwer belastet.“
Staiger und Heidegger über Mörikes „Auf eine Lampe“
 

ANDREAS DITTRICH
Jargon der Eigentlichkeit?
Die Kontroverse zwischen Heidegger und Adorno über die philosophische Lesbarkeit ästhetischer Texte
 

JULIA MANSOUR
„Fehdehandschuh des kritischen Freundesgeistes“
Die Kontroversen um Käte Hamburgers „Die Logik der Dichtung“
 

OLIVER MÜLLER
Subtile Stiche
Hans Blumenberg und die Forschungsgruppe „Poetik und Hermeneutik“
 

GIDEON STIENING
Editionsphilologie und ,Politik‘
Die Kontroverse um die Frankfurter Hölderlin-Ausgabe
 

TILMANN KÖPPE
E. D. Hirsch versus M. C. Beardsley und W. K. Wimsatt
Zu einem Konzept des Fortschritts in der Debatte um den ,intentionalen Fehlschluss‘
 

MARCEL LEPPER
Die strukturalistische Kontroverse, die keine war
Die Konferenz von Baltimore 1966 und die Folgen
 

DIRK WERLE
Die Kontroverse zwischen John Searle und Jacques Derrida über eine adäquate Theorie der Sprache
 

JUDITH FRÖMMER
Streitbare Lektüren/Lektüren der Streitbarkeit
Derrida liest Rousseau, de Man liest Derrida, Derrida liest de Man, de Man liest Rousseau …
 

TOM KINDT
Denn sie wissen nicht, was sie tun
Stanley Fish versus Wolfgang Iser
 

RALF KLAUSNITZER, GUIDO NASCHERT
Gattungstheoretische Kontroversen?
Konstellationen der Diskussion von Textordnungen im 20. Jahrhundert
 

MATTHIAS AUMÜLLER
Die Kontroverse um Strukturalismus und Kognitivismus in der Narratologie
 

CHRISTINA WALD
Martha C. Nussbaum versus Judith Butler oder ,Old-style‘-Feminismus versus poststrukturalistische Gender-Theorie
 

CHRISTOPHER MÖLLMANN
Am Ende die Literatur
Eine kulturtheoretische Kontroverse zwischen Stefan Collini und Francis Mulhern in der „New Left Review“
 

MARKUS JOCH
System ,versus‘ Feld
Skizze eines schwelenden Konflikts
 

KATRIN FISCHER
Die Haug-Graevenitz-Debatte in der DVjs als Kontroverse um Literaturwissenschaft, Kulturwissenschaft(en) und wissenschaftliches Argumentieren

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Literaturtheoretische Überlegungen sind immer wieder Auslöser von polemisch ausgetragenen Kontroversen gewesen. Fragen nach der spezifischen Qualität literarischer Texte, nach der Geltung von Bedeutungszuweisungen oder nach Kriterien für überzeugende Interpretationen führten ebenso zu scharfen Auseinandersetzungen wie die Konzeptualisierung literaturgeschichtlicher Verlaufsformen und ihre Verknüpfung mit inner- und außerliterarischen Kontexten.


Systematische Überlegungen und historische Fallstudien verknüpfend, werden im vorliegenden Band zentrale literaturtheoretische Debatten vorgestellt, Voraussetzungen wie Verlaufsformen von Dissensbildungen analysiert und so die Potentiale einer konfl ikthistorisch ausgerichteten Wissenschaftsforschung erprobt.


Ausgangspunkt der rekonstruktiven Einsätze sind Fragen nach den kognitiven Leistungen und sozialen Funktionen von konfrontativ ausgetragenen Auseinandersetzungen bei der Erzeugung und Verbreitung von Wissensansprüchen. Um über diese Sachverhalte Aufschluss zu erlangen, rekonstruieren die Beiträge die epistemischen und institutionellen Konstellationen exemplarischer Kontroversen. Sie beschreiben Verfahren der Artikulation von Konsens und Dissens und analysieren die argumentative Struktur polemischer Auseinandersetzungen. Schließlich markieren sie den ‚Ausgang‘ der Debatten und erläutern ihre Bedeutung für die Entwicklung der relevanten literaturtheoretischen Forschungsfelder. Ergebnis sind detaillierte Einsichten in die Leistungen und Funktionen der Kontroverse als epistemisches Genre, das auch in der Literaturtheorie die Grundstrukturen adversativer Wissenskommunikation prägt.

 

 

Der Band wurde in folgenden Publikationsorganen besprochen:

 

Florian Kessler, Süddeutsche Zeitung, 20.12.2007, S. 16.

Sandra Richter, Zeitschrift für Germanistik 1/2008, S. 229–233.

Robert Weninger, Comparative Critical Studies 5 (2008), H. 2/3, S. 339–344.

Christian Schlösser, Deutsche Bücher: Forum für Literatur 3/2008, S. 243–246.

Jürgen Weber, literaturkritik.de 6/2008.

Rainer Rosenberg, Weimarer Beiträge 3/2009, S. 463–467.

Stephan Jaeger, Monatshefte für deutschsprachige Literatur und Kultur, 101 (2009), H. 4, S. 567–569.

 


 

Band 18


 

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Band 18

 

CHRISTINA LECHTERMANN,
HAIKO WANDHOFF (Hrsg.)
unter Mitarbeit v. Christof L. Diedrichs, Kathrin Kiesele, Carsten Morsch, Jörn Münkner, Julia Plappert, Moritz Wedell

 

Licht, Glanz, Blendung.
Beiträge zu einer Kulturgeschichte des Leuchtenden

 

ISBN 978-3-03911-309-5 br.


Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

 

CHRISTINA LECHTERMANN
Einleitung

 

I. Einführungen

HAIKO WANDHOFF
Von der kosmischen Strahlung zur inneren Erleuchtung:
Mikrokosmische Perspektiven einer Kulturgeschichte des Lichts

 

KLAUS THIEME
Worte des Lichts - Licht der Worte
Anmerkungen zu einer Geschichte des Lichts

 

THOMAS MACHO
Licht und Fest
Konflikte zwischen Sonne und Feuer in der europäischen Kulturgeschichte

 

WOLFGANG COY
Licht als Botschaft und Information

 

II. Fallstudien

ULRICH ERNST
Leuchtschriften
Vom Himmelsbuch zur Lichtinstallation

 

CLAUDIA BRINKER-VON DER HEYDE
Lieht, schîn, glast und glanz in Wolframs von Eschenbach „Parzival“

 

KARL BRUNNER, CHRISTINA LUTTER
Der Glanz der Heiligen und das Licht ihrer Töchter

 

CHRISTOF L. DIEDRICHS
Glänzende Geschichte
Zum so genannten Reliquienkasten Heinrichs I. im Schatz der Stiftskirche zu Quedlinburg

 

JÖRN MÜNKNER
Himmlische Lichtspiele in frühneuzeitlichen Einblattdrucken

 

DANIELA HAMMER-TUGENDHAT
Gott im Schatten?
Zur Bedeutung des Lichtes bei Caravaggio und Rembrandt

 

MORITZ WEDELL
Licht, Sicht und Liebe zwischen literarischer Tradition und technischer Innovation in Giovan Battista Andreinis Komödie „Amor nello Specchio“ (1622)

 

ANA OFAK
Lichte Wellen
Optische Medien, experimentelles Wissen und Lichtspiele um 1670

 

ERIKA FISCHER-LICHTE
Beleuchtung, Erleuchtung, Verklärung
Über praktische, symbolische und performative Funktionen des Lichts im Theater

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Licht ist ein ebenso universelles wie vielgestaltiges Phänomen. Als Sonnenschein begründet es das irdische Leben, als kosmische Hintergrundstrahlung lässt es uns das Alter des Weltalls ermessen, und in seinen technischen Zurichtungen hat es uns eine rasante Entwicklung von der Industriegesellschaft zur Computermoderne erlaubt. Das Licht war daher stets ein prominenter Untersuchungsgegenstand der Wissenschaften. In seinen je spezifischen Ausformungen, Strahlungen und Spiegelungen beschäftigt es Astrophysiker und Kosmologen, Philosophen und Religionswissenschaftler, Informatiker und Ingenieure, Kunsthistoriker und Kulturwissenschaftler – um nur einige Fächer zu nennen. Und tatsächlich sind die möglichen Perspektiven für eine Erforschung des Leuchtenden nahezu unerschöpflich. Sie reichen von der absoluten Geschwindigkeit des Lichts über die lichthafte Erscheinung des Göttlichen in den Religionen, das Licht als Metapher in der abendländischen Philosophie, das Auge als lichtempfindliches Wahrnehmungsorgan, das innere Licht in Mystik und Erkenntnistheorie, die Präsentationen und Reflexionen des Lichts in der Kunst bis hin zu den Laserstrahlen der Compact Discs oder zukünftigen Licht-Computer.


Der vorliegende Band fragt aus kulturwissenschaftlicher Perspektive nach den Semantiken, Botschaften und Technologien des Lichts. Er bringt Kunst- und Literaturwissenschaftler, Historiker und Mediävisten, Informatiker und  Medienwissenschaftler in ein anregendes Gespräch über das Leuchtende,
Glänzende und bisweilen auch Blendende.
 

 

 


 

Band 17


 

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Band 17

CARSTEN WÜRMANN,
ANSGAR WARNER (Hrsg.)

 

Im Pausenraum des Dritten Reiches.
Zur Populärkultur im nationalsozialistischen Deutschland

 

ISBN 978-3-03911-443-6 br.
 

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

CARSTEN WÜRMANN, ANSGAR WARNER
Im Pausenraum des Dritten Reiches.
Zur Populärkultur im nationalsozialistischen Deutschland
Einleitung

 

I. Zum medialen Spektrum der Populärkultur im Nationalsozialismus

DORIT MÜLLER
Populärwissenschaftliche Zeitschriften im ‚Dritten Reich‘

 

RAMÓN REICHERT
Tierfilme im ‚Dritten Reich‘

 

MARTIN MAURACH
"Der zerbrochne Krug“ auf der Autobahn
Die Reichsautobahnbühne 1936/37 zwischen Hochkultur und ,Volksgemeinschaft‘, Traditionalismus und Modernität

 

ANSGAR WARNER
„Elf Kameraden und ein Gedanke: Glauben an den Sieg“
Unterhaltung und Kriegspropaganda im Fußballfilm des ‚Dritten Reiches‘ („Das große Spiel“, 1942)

 

CHRISTIANE CAEMMERER
„Gentlemen prefer Blondes“
Amerika-Stereotype in deutschen Feindflugblättern des Zweiten Weltkrieges und eine ihrer Vorlagen

 

II. Zu populären Genres der NS-Literatur

INE VAN LINTHOUT
„Dichter, schreibt Unterhaltungsromane!“
Der Stellenwert der Unterhaltungsliteratur im ‚Dritten Reich‘

 

DINA BRANDT
„Und die Welt sah, was deutscher Geist geschaffen.“
Der deutsche Zukunftsroman im ,Dritten Reich‘

 

DOROTA CYGAN
Braune Weißkittel
Autopsien populärer Arztromane im Nationalsozialismus

 

WALTER DELABAR
NS-Literatur ohne Nationalsozialismus?
Thesen zu einem Ausstattungsphänomen in der Unterhaltungsliteratur des ,Dritten Reiches‘

 

III. Biographische Fallstudien

CHRISTIAN HÄRTEL
„Vom Schraubstock zum Schreibtisch“
Populärliteratur für die Volksgemeinschaft am Beispiel Hans Dominiks

 

ANJA SUSAN HÜBNER
„Erfolgsautor mit allem Drum und Dran“
Der Fall Fallada oder Sollbruchstellen einer prekären Künstlerbiographie im ‚Dritten Reich‘

 

MARKUS WALLENBORN
Schreibtisch im Freigehege
Der Schriftsteller Erich Kästner im ‚Dritten Reich‘

 

STEPHAN RAUER
„BUTKU“
Zu Ernst Kreuders Kurzgeschichten im Nationalsozialismus

 

ANNE D. PEITER
„Auto, Auto über alles!“ oder „Die natürliche Ordnung des Unnormalen“
Alltag und NS-Terror in Victor Klemperers Tagebüchern

 

IV. Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Erholungsangebote für den harten Alltag im Nationalsozialismus? Fluchtfahrzeuge für Eskapisten? Oder doch erfolgreiche Instrumente der Integration und Propaganda? Produkte einer modernen Populärkultur waren bis 1945 zentraler Bestandteil des Alltags im ‚Dritten Reich‘. Auch wenn die Nationalsozialisten diese Kultur zumindest in Teilen von ideologischer Warte aus scharf kritisierten, forcierten sie den Ausbau einer auf Massenkonsum orientierten Kulturindustrie; zugleich versuchten sie freilich, deren Produkte zu beeinfl ussen und zu bestimmen.


Literatur- und Medienwissenschaftler sowie Historiker verorten in diesem Band u.a. Tierfilme, Science-Fiction, Arztromane und populärwissenschaftliche Zeitschriften im Kultur- und Propagandabetrieb des ‚Dritten Reiches‘. Sie analysieren die Versuche zur Formierung der Unterhaltungsliteratur, beleuchten Phänomene wie die Inszenierung von Volksgemeinschaft im Fußballfi lm, Theatertourneen für die Arbeiter der Reichsautobahn sowie die Präsenz von Blondinen und anderen Populärmythen in Propagandafl ugblättern. Biographische Fallstudien beschäftigen sich mit der Stellung von Autoren wie Hans Dominik, Ernst Kreuder, Hans Fallada und Erich Kästner in der NSKulturindustrie. Die Beiträge zeigen, wie weit sich Nationalsozialismus und gute Unterhaltung miteinander kombinieren lassen. Sie zeigen aber auch, wo diese Verbindung an die Grenzen der Logik einer kapitalistisch organisierten Kulturproduktion stößt bzw. mit den ideologischen Ansprüchen einer Diktatur kollidiert.

 

 


 

Band 16


 

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Band 16

 

JOACHIM RICKES,
VOLKER LADENTHIN, MICHAEL BAUM (Hrsg.):


1955–2005:
Emil Staiger und Die Kunst der Interpretation heute

 

ISBN 978-3-03911-171-8 br. 

 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite

 

Inhaltsverzeichnis

 

Joachim Rickes, Volker Ladenthin, Michael Baum
1955–2005: Emil Staiger und Die Kunst der Interpretation heute.
Vorwort


I.

Karl Pestalozzi
Einzelinterpretation und literaturwissenschaftliche Synthese bei Emil Staiger

 

Bernhard Böschenstein
Zwischen Hingabe und Zurechtweisung.
Der Interpret Emil Staiger im Gespräch mit vier Dichtern

 

Jost Hermand
Allmähliche Entzauberung.
Emil Staiger und die Marburger Junggermanisten der frühen Adenauer-Ära


II.

Claudia Stockinger
Lektüre‘? ‚Stil‘?
Zur Aktualität der Werkimmanenz

 

Andrea Polaschegg
Tigersprünge in den hermeneutischen Zirkel oder Gedichte nicht verstehen.
Gattungspoetische Überlegungen (lange) nach Emil Staiger

 

Steffen Martus
Emil Staiger und die Emotionsgeschichte der Philologie

 

Volker Ladenthin
Legitimation von Wissenschaft.
Emil Staigers Aufsatz „Die Kunst der Interpretation“ als Paradigma

 

Peter Rusterholz
Die Kunst der Interpretation und die Künste der Dekonstruktion

 

Andreas Isenschmid
Emil Staiger und Peter Szondi

 

Wolfgang Baßler
„Verstehen und Interpretieren“ oder "Verstehen als Grundlage der Interpretation“.
Ideen über Diltheys Begriff des Verstehens

 

III.

Joachim Rickes
Von Emil Staiger zu Günter Grass.
Zur Aktualität der „Kunst der Interpretation“: „Das Treffen in Telgte“

 

Michael Kämper-van den Boogaart
„So weht es uns an aus dem siebzehnten Satz“.
Staigers didaktische Lektüre von Kleists „Das Bettelweib von Locarno“

 

Michael Baum
Wahrnehmung be/schreiben.
Storms „Meeresstrand“ und die Grenzen der Interpretation

 

Kaspar H. Spinner
„Begreifen, was uns ergreift“.
Eine sinnvolle Maxime für den Literaturunterricht?

 

Anhang
Auswahl-Bio/-Bibliografie zu Emil Staiger
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Es gibt nicht viele Fachtexte, die über Generationen hinweg fast jeder Germanist kennt – und kaum einen, der bis heute solch gegensätzliche Reaktionen hervorruft wie Emil Staigers Die Kunst der Interpretation (1955). Dieses Buch hat die Wahrnehmung einer ganzen Epoche der Literaturwissenschaft geprägt. Keine Publikation zur Geschichte des Faches, kein Methodenseminar, in dem Staigers Studie nicht als wichtigstes Beispiel für die sog. werkimmanente Interpretation genannt würde. Die Kunst der Interpretation ist ein Schlagwort, das in den Feuilletons bis heute jedoch gerne verwendet wird, in der Regel mit ironischem Unterton. Berühmt und umstritten zugleich – die Wirkungsgeschichte des Buches könnte widersprüchlicher kaum sein.


Das 50-jährige Publikationsjubiläum ist Anlass, der Frage nachzugehen, welche Bedeutung Staigers Ansatz noch oder wieder zukommt. Dabei geht es ebenso wenig um einen einseitigen Wiederaufwertungsversuch wie um die Fortführung der ritualisierten Staiger-Schelte. Literaturwissenschaftler und Literaturdidaktiker treten in den lange vernachlässigten Dialog; literaturtheoretische und fachgeschichtliche Perspektiven werden ergänzt durch detaillierte Textinterpretationen. Zugleich lässt das Buch die Sichtweisen mehrerer Generationen deutlich werden – von Literaturwissenschaftlern, die noch bei Staiger studiert bzw. promoviert haben bis hin zu Vertreter(inne)n der jüngeren Germanistengeneration.

 


 

Band 15



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Band 15

 

MANUEL KÖPPEN,
ERHARD SCHÜTZ (Hrsg.)

 

Kunst der Propaganda.
Der Film im Dritten Reich

 

ISBN 978-3-03911-727-7 br.
 

 

Zur Abbildung auf dem Titelblatt

 

Inhaltsverzeichnis

Manuel Köppen, Erhard Schütz
Vorwort

 

Marian Kaiser
Rundfunk und Film im Dienste nationaler Kultur.
Zur Film-und Medientheorie im ,Dritten Reich‘

 

Simon Roloff
Im Körper des Feindes.
Mehrfachkodierung und Inversion des Anderen in Filmen der NS-Zeit

 

Manuel Köppen
Der Künstlerfilm in Zeiten des Krieges

 

Erhard Schütz
Flieger-Helden und Trümmer-Kultur.
Luftwaffe und Bombenkrieg im nationalsozialistischen Spiel- und Dokumentar-Film

 

Wolfgang Kabatek
Berlin – Ein Widerstreit (UA 1933)

 

Geesa Tuch
Den Volkskörper zu Tränen rühren:
Melodramatisches im ,Dritten Reich‘

 

Rebekka Hufendiek
„Ein doppelter Wall aus Herzen und Stahl“.
Krieg und Emotionen im Heimat-Frontfilm

 

Astrid Pohl
Männer am Ende.
„Große Freiheit Nr. 7“ und die deutschen Filmmelodramen der letzten Kriegsjahre

 

Rüdiger Steinlein
Der nationalsozialistische Jugendspielfilm.
Der Autor und Regisseur Alfred Weidenmann als Hoffnungsträger der nationalsozialistischen Kulturpolitik

 

Manuel Köppen
Mit dem ,Dritten Reich‘ um die Welt.
Kodierungen der Fremde im fiktionalen Film

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Filmregister
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Kunst und Propaganda wurden unter der gleichen Perspektive gesehen: Menschen zu formen. Es blieb jedoch eine entscheidende Differenz: Das Politische nutzte die Propaganda als Funktion bzw. Mittel, die Kunst aber war u. a. ihr Ziel. Propaganda und Kunst gerieten in Wechselverhältnisse: Kunst konnte Mittel der Propaganda werden, die selbst eine Kunst sein sollte. Die hohe Kunst blieb jedoch Leitbild, selbst wenn dadurch eine Modernisierung des Films nach internationalen Maßstäben verhindert wurde. Was dabei jedoch entstand, war ein sehr eigener, eben als spezifi
sch kunsthaft deutsch verstandener Stil der Dramatisierung von Historie und Zeitgenössischem. Die Kunst der Propaganda erschien so als modern und rückwärtsgewandt zugleich; sie entwickelte raffi nierte Muster und verfi el plattester Rhetorik; sie kalkulierte Freiräume der Affekte ein, die sie doch zugleich kontrollieren wollte.


Dieser Kunst der Propaganda, mit ihren Eindeutigkeiten, Widersprüchen und Ambivalenzen sind die Aufsätze dieses Bandes auf der Spur. Die Beiträge, die sich aus einem gemeinsamen Seminar zum „Film im Dritten Reich“ an der Humboldt-Universität entwickelt haben, zentrieren sich um Themen wie: Filmkunst als Gesetz, Inversion der Feindbilder, Künstler als Genies, Flieger und Trümmerlandschaften, Bilder der Großstadt, das Melodram, den Jugendfi lm oder die Imaginationen von Fremde und Heimat.

 


 

Band 14


 

Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik

  

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Band 14

 

INGE STEPHAN,
HANS-GERD WINTER (Hrsg.):


Zwischen Kunst und Wissenschaft.
Jakob Michael Reinhold Lenz

 

ISBN 978-3-03910-885-5 br.
 


Zur Abbildung von Susanne Theumer auf der ersten Umschlagseite


Inhaltsverzeichnis

 

Inge Stephan, Hans-Gerd Winter
Einleitung


I.

Inge Stephan
„An das Herz“. Zu den Lenz-Arbeiten von Susanne Theumer

 

Hans-Gerd Winter
Lenz' Brunnensturz.
Eine Installation von Joachim Hamster Damm

 

Peter Petersen
Das Lenz-Gedicht „Gemählde eines Erschlagenen“ in der Vertonung durch Adriana Hölszky (1993)

 

II.

Hans-Gerd Winter
„Recht beschwerliche Gedächtnisarbeit“.
Über die Widersprüche zwischen den Lenz-Bildern in der Wissenschaft der letzten dreißig Jahre

 

Marianne Vogel
Der „neue Lenz“.
Heutige literatur- und kulturwissenschaftliche Sichtweisen auf Jakob Michael Reinhold Lenz am Beispiel der Geschlechterforschung

 

Inga Achilles
Biografie postmodern. Die Notwendigkeit einer  literaturwissenschaftlichen Lenz-Biografie

 

Gesa Weinert
„Verheyrathung“, „F. Haus“, Grabstätte und andere biografische Bruchstücke zu J. M. R. Lenz

 

III.

Arnd Beise
Lyrische Lenz-Porträts im 20. Jahrhundert.
Zu Texten von Huchel, Messow, Bobrowski und Körner

 

Ulrich Wergin
„Gespräch im Gebirg“.
Celan gibt „Lenz" mit Nietzsche zu lesen

 

Arnd Beise
„Bilderfolge einer ausweglosen Selbstzerfleischung“.
Alfred Hrdlickas Lenz-Illustrationen

 

Ulrich Kaufmann
„So leben wir hin“.
Harald Gerlachs Annäherungen an Jakob Michael Reinhold Lenz

 

Hans-Ulrich Wagner
„Du bist das Genie“.
Gesellschaft, Poesie und Liebe im „Lenz“-Film von Egon Günther

 

Ariane Martin
Auf der Spur eines Verbrechens.
Das Genre Lenz-Krimi in den Romanen „Goethes Mord“ (1999) von Hugo Schultz und „Der rote Domino“ (2002) von Marc Buhl

 

Götz Zuber-Goos
Erinnerung an eine „Hofmeister“-Inszenierung

 

Ulrich Kaufmann
„Ich aber werde dunkel seyn“.
Die Jenaer Lenz-Ausstellung. Eine Rückschau

 

Anhang
Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Biografie und Werk des Sturm und Drang-Autors Jakob Michael Reinhold Lenz (1751–1792) üben eine anhaltende Faszination auf Schriftsteller und Künstler unserer Zeit aus. Seine Person und sein unglückliches Schicksal, das in Ausgrenzung und Krankheit endete, bilden immer noch ein Identifikationsmuster, an dem Künstler der Gegenwart Ängste und Wünsche abarbeiten können, die ihre eigene Rolle betreffen. Dass Lenz zu Lebzeiten in den Spielen um Macht und Geltung im literarischen Feld unterlag, bringt ihm heute eher Sympathie ein.


Dieser Band, der auf eine Konferenz an der Humboldt-Universität zu Berlin (2005) zurückgeht, behandelt die Frage, wie Lenz in unserer Gegenwart in Literatur und Literaturwissenschaft, aber auch in Theater, Musik und Kunst und in einer Ausstellung präsent ist; er untersucht, welches Bild von Autor und Werk sich ergibt, in welchen ästhetischen und/oder thematischen Zusammenhängen auf Lenz rekurriert wird und wie sich die Auseinandersetzung mit der Lebens- und Werkgeschichte dieses Autors auf der Basis unseres heutigen Bewusstseinsstandes gestaltet.

 


 

Band 13


 

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Band 13

 

STEFFEN MARTUS,
ANDREA POLASCHAGG (Hrsg.)

 

Das Buch der Bücher — gelesen.
Lesarten der Bibel in den Wissenschaften und Künsten

 

ISBN 978-3-03910-839-8 br.
 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite

 

Inhaltsverzeichnis

 

STEFFEN MARTUS, ANDREA POLASCHEGG
Das Buch der Bücher — gelesen.
Einleitung

 

Hermann Danuser
Mischmasch oder Synthese?
Der „Schöpfung“ psychagogische Form

 

Horst Wenzel
Noah und seine Söhne oder Die Neueinteilung der Welt nach der Sintflut

 

Gustav Seibt
Jaakobs Gott

 

Rudolf Preimesberger
„Und in meinem Fleisch werde ich meinen Gott schauen“.
Biblische Regenerationsgedanken in Michelangelos „Bartholomäus“ der Cappella Sistina (Hiob)

 

Angelika Neuwirth
Hebräische Bibel und Arabische Dichtung.
Mahmud Darwishs palästinensische Lektüre der biblischen Bücher Genesis, Exodus und Hohelied

 

Matthias Köckert
Abraham: Ahnvater, Fremdling, Weiser.
Lesarten der Bibel in Gen 12, Gen 20 und Qumran

 

Ernst Osterkamp
Judith.
Schicksale einer starken Frau vom Barock zur Biedermeierzeit

 

Werner Röcke
Die Danielprophetie als Reflexionsmodus revolutionärer.
Phantasien im Spätmittelalter

 

Lutz Danneberg
Von der Heiligen Schrift als Quelle des Wissens zur Ästhetik der Literatur ( Jes 6,3; Jos 10,12–13)

 

Verena Olejniczak Lobsien
Biblische Gerechtigkeit auf dem Theater?
Shakespeare und Matthäus 7,1–5

 

Georg Witte
Majakovskij – Jesus.
Aneignungen des Erlösers in der russischen Avantgarde

 

Helmut Pfeiffer
Salome im Fin de Siècle.
Ästhetisierung des Sakralen, Sakralisierung des Ästhetischen

 

Hans Jürgen Scheuer
Hermeneutik der Intransparenz.
Die Parabel vom Sämann und den viererlei Äckern (Mt 13,1–23) als Folie höfischen Erzählens bei Hartmann von Aue

 

Hartmut Böhme — Apostelgeschichte 19,23–20,1. Artemis Ephesia, christliche Idolen-Kritik und Wiederkehr der Göttin

 

Alexander Honold
Beispielgebend.
Die Bibel und ihre Erzählformen

 

Richard Schröder
Zum Gleichnis vom Unkraut unter dem Weizen (Mt 13,24–30)

 

Daniel Weidner
Geist, Wort, Liebe.
Das Johannesevangelium um 1800

 

Anhang

Siglen
Auswahlbibliografie
Zu den Autorinnen und Autoren
Register der biblischen Namen
Personenregister

 

Klappentext

Die Spuren, welche die Bibel in den Künsten, Wissenschaften, Bild- und Sinnwelten des Abendlandes hinterlassen hat, sind ohne Zahl. Das Wissen um diese Wirkmächtigkeit aber beginnt ebenso zu verblassen wie die Kenntnis der biblischen Texte selbst. Einige Spuren der Bibel sind längst verwischt, andere werden allmählich unkenntlich. Einige weisen noch unübersehbar auf das Buch der Bücher, andere haben ihre Herkunft vergessen machen, und dritte schließlich haben unmittelbar auf
die Bibelinterpretationen zurückgewirkt und sind ununterscheidbar vom Ausgangstext geworden. Dabei sind die medialen Träger der Bibelrezeption nicht weniger vielgestaltig als ihre konfessionellen, weltanschaulichen und denkgeschichtlichen Transformationen.


Die Beiträge dieses Bandes verfolgen unterschiedliche Fährten der Bibel auf ihrem Weg durch Wissenschaften und Künste von der Spätantike bis ins 20. Jahrhundert. Dabei stehen weniger thematische und stoffgeschichtliche Traditionen im Zentrum der Aufmerksamkeit als vielmehr die verschiedenen Arten und Weisen der Bezüge auf das Buch der Bücher. Es sind drei wichtige Eigenschaften der Bibel, an denen sich die einzelnen Studien orientieren: Bibel als Sammelbecken von Themen, Geschichten, Formen und Topoi des kulturellen Gedächtnisses; Bibel als Anstoß für Auseinandersetzungen mit Grenzen und Möglichkeiten der Hermeneutik, mit Techniken des Lesens und der Konstitution von Sinn; Bibel als paradigmatisches Buch samt seiner mediengeschichtlichen Effekte.

 


 

Band 12


 

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Band 12

 

THOMAS WEGMANN (Hrsg.)

MARKT. Literarisch

 

ISBN 978-3-03910-693-6 br. 

 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite

 

THOMAS WEGMANN
Einleitung

 

I. Grundlagen der Ökonomie und Ästhetik

RAINER LESCHKE
Negative Repräsentation.
Zur Funktion des Ökonomischen in der Ästhetik

 

WERNER WUNDERLICH
"Geld in allen Taschen ist eine schöne Profession." Milchmädchenrechnung und Tauschgeschäfte des "homo oeconomicus stultus"

 

II. Fallbeispiele: Markt und Literatur

NORBERT CHRISTIAN WOLF
Gegen den Markt:
Goethes Etablierung der ‚doppelten Ökonomie'

 

HENNING HERRMANN-TRENTEPOHL
"Kein Lissaboner Erdbeben, kein Brand von Moskau, keine Pariser Revolution"* - aber was dann?
Der Markt und die Literatur in Ludwig Tiecks Novelle "Der Jahrmarkt"

 

GERHARD VOWE
Rechner, Spieler, Bürger.
Ein Blick durch "Des Vetters Eckfenster" auf die Marktteilnehmer

 

FRITZ BREITHAUPT
Der reine und der unreine Markt. Pathologien ökonomischer Individualität in Kellers "Der Grüne Heinrich"

 

BERND BLASCHKE
Markt zwischen Tragödie und Komödie.
Hermann Brochs Marketing seiner "Schlafwandler" und Dramen

 

III. Schnittstellen: Reklame und Literatur

THOMAS WEGMANN
"Kanonendonner legt sich um bedeutend weniger als ein Omlett":
Die Reklame-Debatte in den 1920er Jahren

 

JAN BRANDT
Springende Fohlen.
Die junge Generation um 1930 als Marketingkonzept

 

MORITZ BASSLER
Zur Semiotik des Markennamens in literarischen Texten

 

URS MEYER
Einfache Formen in der Werbung.
Überlegungen zum Verhältnis zwischen literarischer Anthropologie und Gattungstheorie

 

IV. Inszenierungen: Marktgängig oder marktwidrig?

NORBERT BOLZ
Literarisches Kultmarketing

 

RETO SORG
Kleine Literatur, großer Markt.
Die ,Schweizer Literatur' zwischen schweizerischem und gesamtdeutschem Markt

 

STEPHAN RUSS-MOHL, ANDREA HÖHNE
Der "Homo oeconomicus" im Feuilleton.
Zur Ökonomik der Kulturberichterstattung

 

Anhang

Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Das Verhältnis von Literatur und Markt gestaltet sich traditionell schwierig: Einerseits werden Autoren über die verkauften Bücher honoriert, andererseits unter Missachtung des Marktes von Literaturkritik und -wissenschaft rezensiert und kanonisiert. Ästhetik und Ökonomie, das geht offenbar nicht zusammen. Dennoch gibt es eine Koevolution von modernen Märkten und Literaturen; als eigene Systeme entwickeln beide voneinander unabhängige Codes: Geld und Poesie. Gleichwohl gibt es auch eine Poetik des Geldes und manchmal auch Geld für Poesie. Genau das wirft Fragen auf: Ist Literatur dann marktgerecht, wenn sie ostentativ gegen den Markt schreibt? Wie werden Markt und Marktgeschehen in literarischen Texten dargestellt, und welche Rolle spielt dabei der homo oeconomicus? Wie steht es um die Entkoppelung von ökonomischem Erfolg und ästhetischer Qualität, mit der das literarische Feld just in dem Moment reagierte, als es sich via Markt nicht nur an Gelehrte und Gönner, sondern potentiell an alle wandte?


Die Beiträge dieses Bandes untersuchen exemplarische Aspekte im vielschichtigen Verhältnis von Literatur und Markt und zeigen damit gleichzeitig Potentiale einer Literaturwissenschaft auf, die den Markt weder glorifiziert noch verteufelt, sondern als das nimmt, was er seit langem (auch) ist: ein Umschlagplatz für Literatur, ein Motiv in literarischen Texten und eine Herausforderung jedweder Kunstautonomie.

 


 

Band 11



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Band 11

 

STEFFEN MARTUS,
CLAUDIA STOCKINGER,
STEFAN SCHERER (Hrsg.):


Lyrik im 19. Jahrhundert.
Gattungspoetik als Reflexionsmedium der Kultur

 

ISBN 978-3-03910-608-0 br

 

Inhaltsverzeichnis

 

STEFFEN MARTUS, CLAUDIA STOCKINGER, STEFAN SCHERER
Vorwort

 

STEFFEN MARTUS, CLAUDIA STOCKINGER, STEFAN SCHERER
Einleitung.
Lyrik im 19. Jahrhundert – Perspektiven der Forschung

 

SANDRA POTT
Poetologische Reflexion.
Lyrik als Gattung in poetologischer Lyrik, Poetik und Ästhetik des 19. Jahrhunderts

 

STEFFEN MARTUS
Zwischen Dichtung und Wahrheit.
Zur Werkfunktion von Lyrik im 19. Jahrhundert

 

CLAUDIA STOCKINGER
Paradigma Goethe?
Die Lyrik des 19. Jahrhunderts und Goethe

 

SIMONE WINKO
Emotionscodes und Lyrikgeschichte.
Zum Verhältnis von Kontinuität und Differenz in der deutschsprachigen Lyrik zwischen 1800 und 1900

 

ULRICH BREUER
"Farbe im Reflex":
Natur/Lyrik im 19. Jahrhundert

 

DIRK NIEFANGER
Lyrik und Geschichtsdiskurs im 19. Jahrhundert

 

GERHARD LAUER
Lyrik im Verein.
Zur Mediengeschichte der Lyrik des 19. Jahrhunderts als Massenkunst

 

STEFAN SCHERER
Anti-Romantik (Tieck, Storm, Liliencron)

 

GUSTAV FRANK
Dichtung in Prosa(ischen Zeiten).
Lyrik zwischen Goethezeit und Vormärz in Erzähltexten Goethes, Heines, Mörikes und Eichendorffs

 

ANDREA POLASCHEGG
Unwesentliche Formen? Die Ghasel-Dichtungen August von Platens und Friedrich Rückerts

 

THOMAS BORGSTEDT
Der Ruf der Gondoliere.
Genretheorie, Formpoetik und die Sonette August von Platens

 

MADLEEN PODEWSKI
Zwischen "Hellenen" und "Barbaren": Artifizielle Repetitionen in Heinrich Heines letztem Gedicht

 

ALBERT MEIER
‚Unerhörte Rücksichtslosigkeit'.
Zur Logik von Theodor Storms Anthologie-Polemik

 

RALF SIMON
Hymne und Erhabenheit im 19. Jahrhundert, ausgehend von Stefan Georges "Hymnen"

 

FABIAN LAMPART
Zeit, Gedächtnis, Erinnerung.
Überlegungen zu einer Denkfigur bei Hölderlin, Leopardi und Keats

 

UWE JAPP
Achim von Arnim und der Surrealismus

 

PETER HÜHN, JÖRG SCHÖNERT
Beobachtete Beobachtungen in Lyrik-Texten und Lyrik-Diskussionen des 19. Jahrhunderts nach dem Ende der ,Kunstperiode'

 

MAX KAISER, WERNER MICHLER
Lyrik und Lyrikbetrieb im literarischen Feld Österreichische Lyrikanthologien zwischen Nachmärz und Moderne

 

Anhang

Auswahlbibliographie zur Lyrik im 19. Jahrhundert
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Dieser Band geht auf eine Tagung zurück, die 2003 an der Humboldt-Universität zu Berlin veranstaltet wurde. „Lyrik“ ist im 19. Jahrhundert das massenhaft verbreitete literarische Kommunikationsmedium. Auf allen Ebenen der Gesellschaft und in allen Segmenten des Alltags dient sie als Ferment einer im Umbruch befindlichen Kultur. Ihr Beitrag zur Modernisierung bewegt sich dabei in einem spannungsvollen Verhältnis zwischen der immer wieder betonten thematischen und formalen Traditionalität und der seit dem späten 18. Jahrhundert behaupteten Autonomisierung von Poesie. Mehr noch als andere Gattungen steht Lyrik unter Epigonalitätsverdacht, aber gerade ihr ungesicherter Status macht die Lyrik des 19. Jahrhunderts vielfach anschlußfähig und kulturhistorisch aufschlußreich.


Die Beiträge dieses Bandes befassen sich mit der „lyrischen“ Konstitution von Gefühlen, von Geselligkeit, von Gesellschaft, Aufmerksamkeitsmustern oder spezifischen Formen des Gruppen- und Traditionsverhaltens; sie untersuchen Verbindungen zwischen dem Literatursystem und seinen Umwelten und beziehen komparatistische Aspekte sowie Wechselwirkungen zwischen den Gattungen ein.


 

Band 10


 

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Band 10

 

BARBARA BECKER-CANTARINO,
INGE STEPHAN (Hrsg.):


„Von der Unzerstörbarkeit des Menschen“.
Ingeborg Drewitz im literarischen und politischen Feld der 50er bis 80er Jahre

 

ISBN 978-3-03910-429-1 br.


Inhaltsverzeichnis

 

BARBARA BECKER-CANTARINO, INGE STEPHAN
Vorwort

 

Vita activa

BARBARA BECKER-CANTARINO
„Welche Leistung, literarisch, menschlich, sozialpolitisch“.
Zum frauenpolitischen Engagement von Ingeborg Drewitz

 

MARIANNE VOGEL
„Ein Stück deutsche Geschichte heran- und nachgeholt“.
Das Engagement von Ingeborg Drewitz für das deutsche Exil der Jahre 1933–1945

 

HELMUT PEITSCH
Ingeborg Drewitz’ Position im PEN-Zentrum der Bundesrepublik Deutschland

 

MARKUS JOCH
Das Desaster von Saarbrücken.
Ingeborg Drewitz, der VS und die männliche Herrschaft

 

GREGOR EPPINGER
Ingeborg Drewitz und die ‚junge Generation‘.
Zur Gruppe 47

 

DOROTHEA DORNHOF
„Ein fremdes ganz vertrautes Land“.
Ingeborg Drewitz als Mittlerin zwischen BRD und DDR

 

MARION BRANDT
„So wichtig, diese Nichtgeducktheit“.
Ingeborg Drewitz’ Beziehungen zu osteuropäischen Intellektuellen am Beispiel Polens

 

NICOLA KESSLER
„Engagiert leben“.
Der Ingeborg Drewitz-Literaturpreis für Gefangene

 

SABINE BOSHAMER
Die Aktivitäten von Ingeborg Drewitz im Kontext der Gefangenenliteratur


Themen und Schreibweisen

HANS-GERD WINTER
Nach dem Stop des Karussells.
Ingeborg Drewitz’ Bild der frühen Nachkriegszeit

 

GABY PAILER
Der Holocaust auf der Bühne der 50er Jahre:
Ingeborg Drewitz’ frühes Drama „Alle Tore waren bewacht“

 

URSULA HEUKENKAMP
Prometheus und die Atombombe.
Ein Thema, das Ingeborg Drewitz begleitet hat

 

MANUELA SCHULZ
„Man redet ja von allem nicht mehr.“
Unbewältigte Vergangenheit in den Hörspielen von Ingeborg Drewitz
 

*
 

INGE STEPHAN
„Sapphos Erbe“.
Ingeborg Drewitz als Rezensentin

 

ROLAND BERBIG
„mein neues, das Ihre Erfahrungen demonstriert“.
Ingeborg Drewitz’ Bekenntnis zu Margret Boveri.
Mit einer unveröffentlichten Besprechung von Boveris „Die Deutschen und der Status quo“

 

RENATE BÜRNER-KOTZAM
„Mein Fragen ist von Mitleid aufgesogen“.
Indien im respektlosen Blick des Mitgefühls.
Ingeborg Drewitz: „Mein indisches Tagebuch“

 

SVEA BRÄUNERT – „Und ich weiß noch immer nicht, wer ich bin“. Weibliche Autorschaft bei Drewitz, Fleißer, Kaschnitz und Bachmann

 

*

MONIKA SHAFI
„Montagdienstagmittwochdonnerstagfreitag...“.
Zur Darstellung des Alltags in Ingeborg Drewitz’ Romanprosa

 

GUDRUN LOSTER-SCHNEIDER
„Du darfst nie wieder so reden!“.
GeNarrations-Risiken in Ingeborg Drewitz’ Roman „Gestern war heute. Hundert Jahre Gegenwart“ (1978)

 

HELGA KRAFT
Frauengenerationen bei Ingeborg Drewitz:
Aufbruch und Rückschritt

 

MAJA RAZBOJNIKOVA-FRATEVA
„Sehr weiblich“, „hysterisch“ und „hexenhaft“:
Von der Schwierigkeit, eine „Heldin“ zu haben.
Ingeborg Drewitz’ Bettine-Buch

 

NEVA ŠLIBAR
„Lesend erkannte ich Dich, lernte Dich lieben.“
Der biographische Diskurs in Ingeborg Drewitz’ „Bettine von Arnim“

 

*

HANNELORE SCHOLZ
Gedächtnis Berlin.
Anmerkungen zum Verhältnis von Individual- und Zeitgeschichte in Texten von Ingeborg Drewitz

 

PATRICIA EBEL
„Ich bin Berlinerin in der vierten Generation“.
Eine autobiographische Collage
Abbildungen zum Beitrag

 

DÖRTE RICHTER
Das Ingeborg-Drewitz-Archiv in der Akademie der Künste


Anhang

Ingeborg Drewitz – Auswahl-Bio-/Bibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Das Motto des Bandes ist einer Rezension entnommen, die Ingeborg Drewitz (1923–1986) zu Alexander Solschenizyns Krebsstation (1968) verfaßt hat. Es ist weniger eine trotzige Behauptung denn eine utopische Formel, mit der sie sich zu einem Zeitpunkt Mut zu machen versuchte, als sie nicht nur feststellen mußte, daß die eigenen Kräfte zu schwinden begannen. Auch das literarisch-politische Feld begann sich so zu verändern, daß viele ihrer der Positionen von einer jüngeren Generation als überholt beiseite geschoben wurden. Als sie starb, war es bereits still um eine Autorin geworden, die wie kaum eine andere in verschiedenen öffentlichen Funktionen das politisch-kulturelle Leben in West-Berlin und der Bundesrepublik geprägt hatte.

 

Die internationale Tagung, die im November 2003 anläßlich des 80jährigen Geburtstages der Autorin als Kooperationsveranstaltung zwischen der Ohio State University und der Humboldt-Universität in Berlin stattfand, hat es sich zur Aufgabe gemacht, Ingeborg Drewitz mit ihrem literarischen Werk und ihren kulturellen, sozialen und politischen Aktivitäten wieder ins öffentliche Bewußtsein der Gegenwart zurückzuholen.


 

Band 9


 

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Band 9

 

Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin (Hrsg.):


„lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn! –“.
Ludwig Tieck (1773-1853)

 

ISBN 978-3-03910-419-2 br.


Inhaltsverzeichnis

INGE STEPHAN
Vorwort

 

ROGER PAULIN
Ludwig Tieck: Leben und Werk


I.

WOLF GERHARD SCHMIDT
„… manche Stellen daraus werd’ ich nie, nie vergessen“.
James Macphersons „Ossian“ und die frühromantische Poetik Ludwig Tiecks

 

ALEXANDER KOŠENINA
„Denkwürdige Geschichtschronik der Schildbürger“ oder Tiecks Abrechnung mit der Berliner Aufklärung

 

BETTINA GRUBER
Schicksal versus Kontingenz.
Subjektpositionen im frühen Werk Ludwig Tiecks

 

RALF KLAUSNITZER
Unsichtbare Kirche, unsichtbare Hand.
Zur Imaginationsgeschichte geheimer Gesellschaften in der Vorromantik und bei Ludwig Tieck


II.

ACHIM HÖLTER
Das produktive Manifest zur Jahrhundertwende?
Ludwig Tiecks „Romantische Dichtungen“ (1799/1800)

 

STEFAN SCHERER
Nach 1800.
Von der Literaturkomödie zum frührealistischen Universalschauspiel

 

WOLFGANG RATH
„Träume sind vielleicht unsre höchste Philosophie“.
Zur Entwicklung der Moderne vor dem Hintergrund Kants

 

KONRAD FEILCHENFELDT
„Franz Sternbalds Wanderungen“ als Roman der Jahrhundertwende 1800

 

SABINA BECKER
Urbanität als romantische Kategorie Stadt-Bilder Ludwig Tiecks

 

STEFFEN MARTUS
Romantische Aufmerksamkeit Sinn und Unsinn der Philologie bei Ludwig Tieck

 

NIELS WERBER
Vom „grauenden Wohlbehagen“.
Selbstbeobachtungen der Literatur bei Ludwig Tieck.
Eine systemtheoretische Relektüre


III.

YORK-GOTHART MIX
Kunstreligion und Geld.
Ludwig Tieck, die Brüder Schlegel und die Konkurrenz auf dem literarischen Markt um 1800

 

DORIS REIMER
„der ich nie mich im Handel und dergleichen zu benehmen wußte“. Ludwig Tiecks Beziehung zu seinem Berliner Verleger Georg Andreas Reimer.
Eine Analyse anhand der Reimerschen Hauptbücher

 

CHRISTINE ROGER
Von „bequemen und wohlfeilen Nebenbuhlern“:
die ,Schlegel-Tiecksche‘ Shakespeare-Übersetzung und die Konkurrenz

 

WALTER SALMEN
Tieck und die Familie Reichardt.
Zur Wirkung „romantischer Dichtung“ auf deren Musik und Musizieren


IV.

JOCHEN STROBEL
Aufschub und Gedächtnis in Ludwig Tiecks Briefen

 

HEIDRUN MARKERT
„Schakspear, W[ackenroder] u[nd] die Natur umher machen mich sehr glücklich“.
Zwei ungedruckte Briefe Ludwig Tiecks aus der Entstehungszeit der Romantik

 

JUTTA HOFFMANN
„Tieck empfing uns mit großer Freundlichkeit“.
Die Beziehungen Ludwig Tiecks zu däni-schen Dichtern

 

V.

GÜNTER DE BRUYN
Worte an Tiecks Grab

 

WOLFGANG RATH
Die Poesie: nur auf Augenblicke ein Labsal.
Heinrich von Kleist im Gespräch mit Ludwig Tieck. Eine Textcollage

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Der hier vorgelegte Tagungsband geht auf ein Symposium anläßlich des 150. Todestags des Dichters zurück und versteht sich als Teil, der sich seit den 60er Jahren in Ost- und Westdeutschland abzeichnenden Bemühungen, Ludwig Tiecks (1773-1853) Werke für die Gegenwart kritisch zu erschließen und für neuere wissenschaftlich Diskurse anschlußfähig zu machen.

Er versammelt Beiträge renommierter Tieck-Forscher(innen) sowie älterer und jüngerer Literaturwissenschaftler(innen) und ist als Bestandsaufnahme gedacht, die den Blick auf eine neue Sicht auf Autor und Werk freigeben soll. Dabei legt der Band, dem als Motto die Aufforderung Tiecks „lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn !–“ vorangestellt ist, ein ausdrückliches Gewicht auf das Erbe der Aufklärung, dem Tieck sich bis in die „realistische“ Prosa seines Spätwerks verpflichtet fühlte.

 


 

Band 8



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Band 8

 

CHRISTINA LECHTERMANN,
CARSTEN MORSCH (Hrsg.)

 

Kunst der Bewegung.
Kinästhetische Wahrnehmung und Probehandeln in virtuellen Welten

 

ISBN 978-3-03910-418-5 br.

 

Das Titelbild Stereotypen (1999-2002, Öl auf Leinwand, 55x120cm) hat uns Walter Strobl großzügig zur Verfügung gestellt.
Weitere Verlockungen, Originale von ihm zu besitzen, finden Sie hier.


Inhaltsverzeichnis

CHRISTINA LECHTERMANN, CARSTEN MORSCH
Einführung

 

PETER MATUSSEK
Bewegte und bewegende Bilder.
Animationstechniken im historischen Vergleich
Abbildungen zum Beitrag

 

JÖRG JOCHEN BERNS
Inneres Theater und Mnemonik in Antike und Früher Neuzeit

 

CARSTEN MORSCH
Bewegte Betrachter.
Kinästhetische Erfahrung im Schauraum mittelalterlicher Texte

 

HAIKO WANDHOFF
Eine Pilgerreise im virtuellen Raum.
Das Palästinalied Walthers von der Vogelweide

 

STEPHAN MÜLLER
Als die Bilder laufen lernten.
Über die Erzählung vom Untergang der Heruler bei Paulus Diaconus und die Möglichkeiten literarischer Rede in der höfischen Kultur des Mittelalters

 

HILDEGARD ELISABETH KELLER
Vom Kampf gegen einen Unsichtbaren.
Freie Wildbahn – höfisches Epos – mittelalterliches Rechtsritual

 

CHRISTINA LECHTERMANN
Schmerz und Imagination

 

NADIA GHATTAS
Polyfokalität des Textes:
Kinästhetische Aspekte im Yvain und Iwein

 

HORST WENZEL
wan die vrumen liute sint/unde suln sin spigel dem chint.
Zum Verhältnis von Zeigen und Wahrnehmen im Welschen Gast des Thomasin von Zerclaere

 

THOMAS RAHN
Der Wandel von der Bewegungssuggestion zur Schauplatzdominanz in druckgraphischen Turnierdarstellungen des 16. Jahrhunderts

 

SARAH ROMEYKE
Bildern folgen und zwischen den Zeilen lesen.
Der Tristanteppich I von Wienhausen
Zum Tristan-Teppich

 

CHRISTOF L. DIEDRICHS
Wahrnehmung des mittelalterlichen Kirchenraums

 

ROBERT FELFE
Blicke in die Vergangenheit – Naturgeschichte zu Fuß.
Kinästhetische Wahrnehmung in musealen Räumen

 

GISELA FEHRMANN, LUDWIG JÄGER
Sprachbewegung und Raumerinnerung.
Zur topographischen Medialität der Gebärdensprachen
Zu den Bildern des Beitrages

 

SYBILLE KRÄMER
Zur Kinästhesie der verkörperten Sprache

 

Anhang

Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Der Band versammelt, im Anschluß an eine Arbeitstagung an der Humboldt-Universität zu Berlin (November 2002), Beiträge aus der Kulturwissenschaft, Medientheorie, Linguistik und Philosophie, Kunst- und Literaturwissenschaft, mit einem Schwerpunkt in der Germanistischen Mediävistik. Sie verbinden sich zu einem Gespräch über den grundsätzlichen Stellenwert, den Bewegung für kulturell je unterschiedliche Kommunikations- und Wahrnehmungsroutinen hat, und darüber, wie jemand durch Medien als Wahrnehmender, das heißt, als Hörender oder Lesender, als Sehender und (sich) Spürender in Bewegung versetzt werden kann. Kinästhetik wird damit als transmediales Phänomen aufgefaßt, als eine grundlegende Bedingung der Fähigkeit von Medien, Dinge wahrnehmbar zu machen, weil Wahrnehmung und Bewegung immer miteinander verbunden sind.

Die Frage nach dem Kinästhetischen bezieht sich daher nicht nur auf Darstellungsinhalte, sondern zugleich auf Erfahrungsangebote für den Benutzer, die seine Mitarbeit verlangen. Um das je spezifische Zusammenspiel zwischen den Einladungen zur Begegnung im Medium und den damit eingeforderten Aktualisierungen beschreibbar zu machen, das der doppelten Bestimmung von Wahrnehmung als Bewegung und Bewegtwerden korrespondiert, haben wir unserem Fragen die Wendung auf die ‚virtuellen Welten‘ eingeschrieben.

 


 

Band 7



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Band 7

 

INGE STEPHAN,
HANS-GERD WINTER (Hrsg.):

 

"Die Wunde Lenz".
J.M.R. Lenz. Leben, Werk und Rezeption

 

ISBN 978-3-03910-050-7 br.

 

Inhaltsverzeichnis

 

INGE STEPHAN, HANS-GERD WINTER
Einleitung

 

I. Editionsprobleme

CHRISTOPH WEISS
Zu den Vorbereitungen einer Lenz-Gesamtausgabe:
Wieder-entdeckte und unbekannte Handschriften

 

GESA WEINERT
„Mässige meine Flammen um sie singen zu können“.
Über die historisch-kritische Edition sämtlicher Werke in Versen von J. M. R. Lenz

 

HERIBERT TOMMEK
Wie geht man mit den Moskauer Schriften von Lenz um?
Skizze eines Editionsprojektes und eines literatursoziologischen Kommentars

 

GERT VONHOFF
Das Profil einer möglichen digitalen historisch-kritischen. Gesamtausgabe der Werke von J. M. R. Lenz

 

II. Leben und Werk

INGE STEPHAN
„Gemählde eines Erschlagenen“ und „Lied eines schiffbrüchigen Europäers“.
Konstruktion und Dekonstruktion des lyrischen Ichs bei J. M. R. Lenz

 

HANS-GERD WINTER
„Andern Leuten Brillen zu schleifen, wodurch sie sehen können“.
„Der Landprediger“, gelesen als ambivalenter Erinnerungstext

 

ROLAND KREBS
„In Marmontels Manier, aber wie ich hoffe nicht mit seinem Pinsel“. „Zerbin“ als „moralische Erzählung“

 

GÜNTER NIGGL
Ständebild und Ständekritik in Lenzens sozialen Dramen „Der Hofmeister“ und „Die Soldaten“

 

ANGELA SITTEL
Schatzfund oder Lotteriegewinn?
Lenz’ „Aussteuer“ und Plautus’ „Aulularia“ im Vergleich

 

DAVID HILL
Lenz und Plautus

 

HANS GRAUBNER
Theologische Anthropologie bei Hamann und Lenz

 

GERHARD BAUER
Verstreute/gezielte Provokationen:
Lenz – Merck – Kaufmann

 

HEINRICH BOSSE
Lenz in Königsberg

 

HANS-ULRICH WAGNER
Genie und Geld. Aspekte eines leidvollen Diskurses im Leben und Werk von J. M. R. Lenz

 

JAMES M. GIBBONS
Der „Einsiedler“ in Berka:
Der Sommer 1776 und die „Lettres à Maurepas“

 

III. Freundschaft, Liebe, Sexualität

JOHANNES F. LEHMAN
Glückseligkeit.
Energie und Literatur bei J. M. R. Lenz

 

GERT SAUTERMEISTER
„Die Freunde machen den Philosophen“ Lenzens Traum vom Glück

 

MARTIN KAGEL
Verzicht und Verrat.
Begriff und Problematik der Freundschaft bei J. M. R. Lenz

 

CHRISTINE KÜNZEL
Dramen hinter den Kulissen:
Anmerkungen zur Repräsentation sexueller Gewalt bei Lenz, Wagner und Lessing

 

CLAUDIA BENTHIEN
Lenz und die ‚eloquentia corporis‘ des Sturm und Drang.
Der „Neue Menoza“ als ,Fallstudie‘

 

BRITA HEMPEL
Lenz’ „Loix des femmes Soldats“:
Erzwungene Sittlichkeit in einer „schraubenförmigen Welt“

 

HELGA MADLAND
Does Lenz Appeal to Women Readers in Particular and Why This Question Bothered Me?

 

IV. Lenz-Rezeption

HEIDRUN MARKERT
Streit um einen großen Livländer Jegór von Sivers und die Anfänge der Lenz-Forschung
 

ARIANE MARTIN
Dissonanz als Prinzip der Moderne.
Zur Etablierung eines affirmativen Lenz-Bildes in der Rezeptionsgeschichte

 

JAN KNOPF
Die Kastration von Lenz’ „Hofmeister“ durch Brecht

 

KEN-ICHI SATO
Lenz-Rezeption in Japan

 

GAD KAYNAR
A Pre-Modernist as Postmodernist:
On the Dramaturgical and Theatrical Reception of „The Soldiers“ at the Theatre Department of Tel-Aviv University

 

V. Anhang

GESA WEINERT
Verzeichnis der Lenziana in Kraków

 

CHRISTOPH WEISS
www.jacoblenz.de

 

MARTIN KAGEL
Internationale Lenz-Gesellschaft

 

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

J.M.R. Lenz’ umfangreiches Werk ist in der Forschung lange vernachlässigt worden. Dies nicht nur wegen der abwertenden Urteile über Autor und Werk, sondern vor allem auch aufgrund der unzulänglichen Edition des Werkes. Es gibt keine historisch-kritische Ausgabe; wichtige Teile des Werkes sind nicht oder unzulänglich in Leseausgaben ediert; nicht bei allen Texten ist Lenz’ Autorschrift sicher. Inzwischen hat sich die Forschung enorm verbreitert. Mit zum Teil unterschiedlichen Begründungen ist in Lenz’ Texten eine Modernität erkannt worden, die ihn aus seinem Umfeld heraushebt, wenngleich die historische Intertextualität und die Einbindung in zeitgenössische Diskurse ein wichtiger Forschungsgegenstand bleiben.

Der vorliegende Band versammelt die Beiträge zu einer Tagung, die vom 23. bis 25. Mai 2002 aus Anlaß des 210. Todestages Lenz’ in Berlin stattgefunden hat.

 


 

Band 6


 

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Band 6

 

ERHARD SCHÜTZ,
GREGOR STREIM (Hrsg.):


Reflexe und Reflexionen von Modernität
1933 – 1945

 

ISBN 978-3-906770-14-7 br.

 

Inhaltsverzeichnis

 

Erhard Schütz, Gregor Streim
Vorwort

 

Helmuth Kiesel
Nationalsozialismus, Modernisierung, Literatur.
Ein Problemaufriß

 

Carl Wege
Die Moderne – eine Zwischenbilanz.
Reflexionen aus den Jahren der NS-Herrschaft

 

Gregor Streim
,Tempo – Zeit – Dauer‘.
Zum phänomenologischen Technikdiskurs im ,Dritten Reich‘

 

Uwe Day
Das ,Dritte Reich‘ dreht auf.
Rennsport in den NS-Medien und die Modernisierung der Sinne

 

Erhard Schütz
Flieger – Helden der Neotenie.
Jugendlichkeit und Regeneration in Literatur, Massenmedien und Anthropo-Biologie.
Eine Studie zur unspezifischen Modernität des ,Dritten Reiches‘

 

Stephan Porombka
„Bewundernswert war die Ordnung“.
Der Ameisenstaat und die biologische Modernisierung

 

Ralf Klausnitzer
„Überstaatliche Mächte“.
Verschwörungsphantasien und -theorien in Publizistik, Literatur und Film des ,Dritten Reiches‘

 

Walter Delabar
Goebbels’ Moderne.
Versuch über die Modernität der Literatur des ‚Dritten Reiches‘ und ihres ersten Repräsentanten

 

Stephen Lowry
Das Star-System im Kino des ,Dritten Reiches‘.
Überlegungen zur Modernität des NS-Kinos am Beispiel von Heinrich George und Heinz Rühmann

 

Jörg Döring
„Was bleibt der Autor dem deutschen Film schuldig?“
Drehbuchschreiben im ,Dritten Reich‘

 

Irmbert Schenk
Weimarer Filmavantgarde und NS-Modernisierung:
Walter Ruttmann zum Beispiel

 

Karl Prümm
Verhinderte Modernisierung.
Fernsehdiskurs und Fernsehpolitik im ,Dritten Reich‘

 

Meret Forster
„Radikalismus der Mitte“.
Kulturkritik zwischen Blubo und Asphalt. Ernst Krenek unterwegs in den österreichischen Alpen

 

Julia Bertschik
Zopf mit Bubikopf.
Modejournalismus im ‚Dritten Reich‘ am Beispiel der Zeitschrift „Die Mode“ (1941–1943)

 

Hubert Orlowski
Raumgebundene Zwecksetzung als Richtlinie im Feuilleton der „Krakauer Zeitung“

 

Ralf Schnell
Ernst Barlach und das ,Dritte Reich‘.
Konfigurationen der Inneren Emigration

 

Jost Hermand
Gedanken zum Widerspruch zwischen archaisierender Bauernverkultung und technischer Modernisierung im deutschen Faschismus

 

Anhang

Auswahlbibliographie
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Nach der lange und kontrovers geführten Diskussion um die vermeintliche oder tatsächliche Modernität des ‚Dritten Reiches‘ scheint der Begriff der Modernität in Anwendung auf die NS-Zeit heute viel von seinem Erklärungswert und auch von seinem Provokationspotential verloren zu haben. Gleichwohl hat er der Forschung wichtige Impulse gegeben und insbesondere der Literatur- und Kulturwissenschaft ein neues Forschungsfeld eröffnet.

Die – auf eine interdisziplinäre Tagung im November 2001 zurückgehenden – Beiträge dieses Bandes präsentieren verschiedene Facetten dieses Feldes. Anders als in den Geschichts- und Sozialwissenschaften, anders aber auch als in der bislang üblichen germanistischen Behandlung des ‚Dritten Reiches‘ wird Modernität hier primär als kulturelles Phänomen gefaßt – als Gegenstand diskursiver und ästhetischer Konstruktionen, in denen unterschiedliche ästhetische, wissenschaftliche und ideologische Konzepte in oft widersprüchlicher Weise verbunden sind.

 


 

Band 5


 

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Band 5

 

ERNST OSTERKAMP (Hrsg.):


Wechselwirkungen.
Kunst und Wissenschaft in Berlin und Weimar im Zeichen Goethes

 

ISBN 978-3-906770-13-0 br.

 

Inhaltsverzeichnis

Ernst Osterkamp
Vorwort

 

Nicholas Boyle
Goethe, Weimar, Berlin:
der soziopolitische Kontext

 

Frank Schneider
Goethe und Reichardt

 

Norbert Miller
Musikalische Erfahrung bei Goethe.
Das Bündnis mit Zelter und die Freundschaft zu Felix Mendelssohn Bartholdy, aus dem Briefwechsel erläutert

 

Rudolf Elvers
Die Goethes und die Mendelssohns

 

Barbara Hahn
Streit um Goethe.
Kontroverse Lektüren in den Berliner Salons

 

Ernst Osterkamp
Gesamtbildung und freier Genuß.
Wechselwirkungen zwischen Goethe und Wilhelm von Humboldt

 

Friedrich Kittler
Goethes Gabe

 

Hartmut Böhme
Goethe und Alexander von Humboldt.
Exoterik und Esoterik einer Beziehung

 

Jutta Müller-Tamm
Farbe bekennen. Goethes Farbenlehre und die Berliner Wissenschaftspolitik um 1820

 

Bernhard Siegert
Leichenschau zwischen Kunst und Medizin. Goethe und Hufeland

 

Werner Frick
Klassische Präsenzen:
Die Weimarer Dramatik und das Berliner Nationaltheater unter Iffland und Graf Brühl

 

Andreas Beyer
Prosa versus Poesie – Schadow und Goethe

 

Helmut Börsch-Supan
Goethes Dichtungen als Inspirationsquelle für Berliner Maler

 

Anhang

Literaturverzeichnis
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Goethe entwickelte am Ausgang des 18. Jahrhunderts zu keiner anderen europäischen Stadt – sieht man einmal vom Sonderfall Rom ab – eine derart kreative Beziehung wie zu Berlin. Schon im August 1775, drei Jahre bevor er die Stadt kennenlernte, bezeichnete er Berlin in einem Brief an Anna Luisa Karsch als «Sodom». Der Austausch zwischen Weimar und diesem Sodom entpuppte sich als spannungsvolles Ineinander von Anziehung und Abstoßung und war Gegenstand eines Symposiums anläßlich der 250. Wiederkehr von Goethes Geburtstag.

Die Beiträge des Symposiums, welches vom 9. bis 12. Juni 1999 an der Humboldt-Universität zu Berlin stattfand, sind in diesem Band vereinigt.

 

 


 

Band 4


 

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Band 4

 

KAI KAUFFMANN (Hrsg.):


Dichterische Politik.
Studien zu Rudolf Borchardt

 

ISBN 978-3-906768-85-4 br.

 

Inhaltsverzeichnis

KAI KAUFFMANN
Vorbemerkung

 

WOLFGANG SCHULLER
Nation und Nationen bei Rudolf Borchardt

 

KAI KAUFFMANN
Rudolf Borchardts Rhetorik der ,Politischen Geographie‘

 

BERTHOLD PETZINNA
Wilhelminische Intellektuelle.
Rudolf Borchardt und die Anliegen des ,Ring‘-Kreises

 

RICHARD HERZINGER
Kulturautoritarismus.
Von Novalis über Borchardt bis Botho Strauß:
Zyklische Wiederkehr des deutschen Antimodernismus?

 

GREGOR STREIM
Evolution, Kosmogonie und Eschatologie in Rudolf Borchardts ‚Theorie des Konservatismus‘, mit besonderer Berücksichtigung „Der Fürst“

 

MARKUS BERNAUER
Rudolf Borchardt und Ezra Pound im faschistischen Italien

 

ULRICH OTT
Die „Jamben“ als politische Dichtung

 

ALEXANDER KISSLER
„Alles, was nicht unrein ist, ist Garten.“
Politische Hygiene, politisierte Liebe und botanische Politik bei Rudolf Borchardt

 

FRANCK HOFMANN
Literarische Annexion?
Borchardts Übersetzung zwischen Politik und Phantasma

 

Anhang

Siglenverzeichnis
Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Rudolf Borchardt (1877-1945), der bedeutende Lyriker, Essayist und Übersetzer, sah in der Politik das «Centrum meiner Natur». Der Begriff der «dichterischen Politik» erhellt die Eigenart, daß bei ihm die Politik immer auf der dichterischen Imagination beruhte, so wie umgekehrt die Dichtung stets einem politischen Programm folgte. Der Dichter-Politiker, der auf seinen deutschen Konservatismus, Nationalismus und Monarchismus stolz war, blieb durch die Zeiten des Wilhelminismus, der Weimarer Republik und des Dritten Reiches ein ‘outsider’, der sich keiner Ideologie oder Partei anschloß. Er war so konservativ, daß er alles Bestehende umstürzen wollte, so nationalistisch, daß er Deutschland in Europa aufzuheben suchte, und so legitimistisch, daß er im ‘Interregnum’ der Weimarer Republik nicht davor zurückschreckte, die Staufer durch die Welfen und Preußen durch Bayern zu ersetzen.

 

 

 


 

Band 3


 

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Band 3

 

WERNER RÖCKE (Hrsg.):


Thomas Mann. „Doktor Faustus“.
1947–1997

2. unv. Aufl. 2004

 

ISBN 978-3-03910-471-0 br.

 

Inhaltsverzeichnis

Werner Röcke
Vorbemerkung

 

Hans Rudolf Vaget
Fünfzig Jahre Leiden an Deutschland:
Thomas Manns „Doktor Faustus“ im Lichte unserer Erfahrung

 

I. Literarischer Text und politischer Kontext

Georg Bollenbeck
„Doktor Faustus“:
Das Deutungsmuster des Autors und die Probleme des Erzählers

 

Stefan Breuer
Wie teuflisch ist die „konservative Revolution“?
Zur politischen Semantik Thomas Manns

 

Eberhard Lämmert
„Doktor Faustus“ – eine Allegorie der deutschen Geschichte

 

Herfried Münkler
Wo der Teufel seine Hand im Spiel hat.
Thomas Manns Deutung der deutschen Geschichte des 20. Jahrhunderts

 

II. Figurationen des Diabolischen

Hartmut Böhme
Der Affe und die Magie in der „Historia von D. Johann Fausten“

 

Maria E. Müller
Die Gnadenwahl Satans.
Der Rückgriff auf vormoderne Pakttraditionen bei Thomas Mann, Alfred Döblin und Elisabeth Langgässer

 

Jan-Dirk Müller
Faust - ein Mißverständnis wird zur Symbolfigur

 

Werner Röcke
Teufelsgelächter.
Inszenierungen des Bösen und des Lachens in der „Historia von D. Fausten“ (1587) und in Thomas Manns „Doktor Faustus“

 

Tobias Plebuch
Vom Musikalisch-Bösen.
Eine musikgeschichtliche Annäherung an das Diabolische in Thomas Manns „Doktor Faustus“

 

III. Poetik und Komposition in Literatur und Musik

Dieter Borchmeyer
Bescheidenheit contra Absolutheit der Kunst.
Ein alternatives ästhetisches Modell im „Doktor Faustus“

 

Irmela von der Lühe
„Es wird mein ‚Parsival?“:
Thomas Manns „Doktor Faustus“ zwischen mythischem Erzählen und intellektueller Biographie

 

Hermann Danuser
Erzählte Musik.
Fiktive Poetik in Thomas Manns „Doktor Faustus“

 

Ernst Osterkamp
„Apocalipsis cum figuris“.
Komposition als Erzählung

 

Klaus Kropfinger
„Montage“ und „Composition“ im „Faustus“ –
Literarische Zwölftontechnik oder Leitmotivik?

 

Anhang

Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Es gibt wohl nur wenige Bücher des 20. Jahrhunderts, in denen die Wunschbilder und Aporien deutscher Geistes- und Kulturgeschichte, ästhetischer Fundamentalismus und die Überzeugung von der «Endzeit der Kunst», deutsche Innerlichkeit und faschistische Gewalt so präzise, aber auch so schonungslos reflektiert wurden wie in Thomas Manns Doktor Faustus-Roman von 1947. Faszination und Provokation der Biographie des deutschen Tonsetzers Adrian Leverkühn resultieren auch nach fünfzig Jahren aus einem ironisch-distanzierten und sympathetischen Blick auf den Antimodernismus und die «Konservative Revolution» deutscher Intellektueller und Künstler, aber auch auf die Höchstleistungen moderner Musik und Musiktheorie im 20. Jahrhundert (Schönberg, Adorno u.a.), die im Rückgriff auf die spätmittelalterliche Faust-Sage zusammengeführt werden.


In vorliegender Publikation stehen diese Schnittpunkte zwischen dem alten Stoff und seiner noch höchst aktuellen Deutung im Mittelpunkt.

 


 

Band 2


 

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Band 2

 

ALEXANDER HONOLD,
KLAUS R. SCHERPE (Hrsg.),
unter Mitarbeit von STEPHAN BESSER, MARKUS JOCH, OLIVER SIMONS

 

Das Fremde
Reiseerfahrungen, Schreibformen und kulturelles Wissen


ISBN 978-3-906770-49-9 br.

Inhaltsverzeichnis

ALEXANDER HONOLD, KLAUS R. SCHERPE
Einleitung

 

KLAUS R. SCHERPE
Die Ordnung der Dinge als Exzeß.
Überlegungen zu einer Poetik der Beschreibung in ethnographischen Texten

 

ANETTE UND PETER HORN
Die Fremden spielen mit:
Schlaglichter auf einige Schauplätze kolonialer Gewalt

 

BIRGIT TAUTZ
Texturen und Farben.
China und Afrika im Blick des deutschen Idealismus

 

MARKUS JOCH
Deutsche Anti-Evolutionisten?
Konzeptionen der Kulturkreislehre um 1900

 

SIBYLLE BENNINGHOFF-LÜHL
Die Jagd nach dem Missing Link in den Verhandlungen der Gesellschaft für Anthropologie, Ethnologie und Urgeschichte

 

ERIC AMES
Wilde Tiere.
Carl Hagenbecks Inszenierung des Fremden

 

ALEXANDER HONOLD
Flüsse, Berge, Eisenbahnen:
Szenarien geographischer Bemächtigung

 

STEPHAN BESSER
Tropische Infektionsphantasmen.
Zur kulturellen Typologie der Malaria um die Jahrhundertwende

 

OLIVER SIMONS
Phonographie der Fremde.
Erich Moritz von Hornbostels Musikethnologie

 

NANA BADENBERG
Art nègre.
Picasso, Einstein und der Primitivismus

 

WEIJIAN LIU
Geistige Entkolonialisierung in der literariscen Qingdao (Tsingtau)-Darstellung

 

REKHA KAMATH
Indien mit der Seele suchend.
Deutsche Indienreisende der frühen Moderne

 

ROLF J. GOEBEL
Orientalismus, Homoerotik und ethnographische Parodie:
Kafkas Beschreibung eines Kampfes

 

MICHAELA HOLDENRIED
Der technisierte Barbar.
Magie und Mimesis in Robert Müllers Tropen

 

GERNOT KAMECKE
Was ist ein kreolischer Autor?
Strategien postkolonialer Identität bei Patrick Chamoiseau

 

Anhang

Zu den Autorinnen und Autoren
Personenregister

 

Klappentext

Das Fremde gehört seit jeher zu den großen Themen der Literatur, zu den menschlichen Grunderfahrungen wie Liebe oder Gewalt und Tod; das Fremde ist aber auch eine selbst schon ästhetisch verfaßte Kategorie. Das in wissenschaftlichen und literarästhetischen Darstellungen der Moderne vermittelte Bild fremder Kulturen entwirft einen Faszinationsbereich von großer kultureller Ausstrahlungskraft.


Der Diskurs über das Fremde hat Konjunktur. Für die Germanistik impliziert das die Aufforderung, das Thema historisch anzugehen und in einem kulturwissenschaftlich erweiterten Blickwinkel zu behandeln. Die hier versammelten Studien fragen nach den Inszenierungen und Auftrittsbedingungen von Alterität in den Diskursen und symbolischen Praktiken, die seit Mitte des 18. Jahrhunderts das Wissen von fremden Kulturen hervorbrachten. Damit macht dieser Band die engen Verschränkungen von kulturellem Wissen und ästhetischer Imagination sichtbar. Literarische Quellen wie Reisebeschreibungen, Tagebücher, journalistische Berichte und fiktionale Werke werden in ihrem diskursiven Zusammenhang mit Ereignissen und Dispositionen der zeitgenössischen Politik und Wissenschaft rekonstruiert, namentlich mit den im Zuge des Kolonialismus im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts entstandenen Disziplinen und Institutionen.


Der Band richtet sich an Literatur- und Kulturwissenschaftler ebenso wie an alle mit interkulturellen Fragen und Begegnungen Befaßten, er gibt Anregungen und Material für die im Ausland lebenden und lehrenden Kulturvermittler und bietet auch den an Reiseberichten und ethnographischen Forschungen Interessierten eine reiche Fundgrube.


 

Band 1


 

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Band 1

 

WALTER DELABAR,
HORST DENKLER,
ERHARD SCHÜTZ (Hrsg.):

 

Banalität mit Stil.
Zur Widersprüchlichkeit der Literaturproduktion im Nationalsozialismus

 

ISBN 3-906762-18-1

 

Inhaltsverzeichnis

 

WALTER DELABAR, HORST DENKLER, ERHARD SCHÜTZ
Einleitung

 

HORST DENKLER
Hellas als Spiegel deutscher Gegenwart in der Literatur des ,Dritten Reiches‘

 

GUIDO GRAF
Die Gewalt der Geschwindigkeit.
Rhetorische Strategien bei Benjamin, Benn, Döblin und Jünger

 

RALF KLAUSNITZER
Opposition zur „Stählernen Romantik“?
Der Klages-Kreis im ,Dritten Reich‘

 

JOHANNA BOHLEY
Erinnerte Kindheit aus dem „Zwischenreich“.
Zu Kindheitserinnerungen der jungen Generation im ,Dritten Reich‘

 

GREGOR STREIM
Geschichtsverzicht und zeitlose Anthropologie in Romanen von Stefan Andres und Wolfgang Koeppen.
Die unsichtbare Mauer und Die Mauer schwankt

 

SABINE KURPIERS
„Wellenschlag des Daseins“ und „Strudel der Angst“.
Wassermetaphern in Moderne und Antimoderne

 

DOROTA CYGAN
Die Krankheit als Metapher bei Autoren der „jungen Generation“ im ,Dritten Reich‘

 

CHRISTIAN KLEIN
Künstler, Knaben, Kameraden.
Publikationsmöglichkeiten homoerotischer Literatur unter dem Nationalsozialismus

 

LYDIA MARHOFF
Von der „Kameradschaftsehe“ zur „gesunden“ Sexualität.
Frauenliteratur der dreißiger und vierziger Jahre zwischen Frauenbewegung und Nationalsozialismus

 

UTA BEIKÜFNER
Naturauffassung und Geschichtlichkeit im Kontext der Zeitschrift „Das Gedicht. Blätter für die Dichtung" (1934 bis 1944)

 

CARSTEN WÜRMANN
Deutsche Kommissare ermitteln.
Der Kriminalroman im ,Dritten Reich‘

 

CHRISTIAN HÄRTEL
„Grenzen über uns“.
Populärwissenschaftliche Mobilisierung, Eskapismus und Synthesephantasien in Zukunftsromanen des ,Dritten Reiches‘

 

ANDREA DECH
Felix Hartlaub.
Zwischen Magischem Realismus und Neuer Sachlichkeit

 

Anhang

Personenregister

 

Klappentext

Die Geschichte des 'Dritten Reiches', insbesondere die der Künste und Kultur, ist bisher fast durchweg aus der Doppelperspektive von einerseits teleologischer Gewißheit ex post - Kriegskatastrophe und Völkermord -, andererseits politischer Korrektheit des Status quo ante geschrieben worden.

Das vorliegende Beiheft 1 (1999) der Zeitschrift für Germanistik versucht, die Diskussion um Modernisierung und Modernität, Antimoderne, Reaktionäre Moderne, Paramoderne, autochthone Moderne etc. in den Kontext der Kulturgeschichte des 'Dritten Reiches' zu stellen statt zu 'historisieren'.

 


 

Band 20 Vorwort


 

Band 20: „risus sacer – sacrum risibile“. Interaktionsfelder von Sakralität und Gelächter im kulturellen und historischen Wandel

 

KATJA GVOZDEVA, WERNER RÖCKE

Einführung

Performative Kommunikationsfelder von Sakralität und Gelächter Heiligkeit und Heiterkeit sind, so scheint es, strikt voneinander getrennt: Gehört das Heilige ganz dem Bereich des Statisch-Ernsthaften und Bedeutungsvollen an, erscheint das Lachen als Ausdruck lauter Geselligkeit, Spontaneität und Vergänglichkeit, lustbetonter Subversion und Unbestimmtheit. Keiner der anerkannten Theoretiker des Lachens und des Komischen (Bergson, Freud, Bachtin, Plessner, Ritter) betrachtet diese Phänomene aus der Perspektive des Heiligen. Aber auch keiner der anerkannten Religionstheoretiker (Durkheim, Otto, Mauss, Caillois, Eliade, Luhmann) erstellt die Verbindung zwischen zwei prägenden Signaturen des Menschlichen: der Lachfähigkeit und der Religiosität. Während die theoretischen Disziplinen also von der Möglichkeit des Zusammentreffens des Lachens mit dem religiösen Bewusstsein und mit kultischen Handlungen weitgehend absehen, liefern demgegenüber kulturelle Praktiken unzählige Beispiele ihrer Verzahnung.

Im antiken Mythenrepertoire begegnet uns sowohl das „unauslöschliche“ Lachen der olympischen Göttergemeinschaft als auch das dionysische und apollinische Lachen oder das obszön-regenerative Lachen der Demeter. Der Gott des Alten Testaments ist nicht nur ein lachender, sondern auch ein aggressiv-spöttischer Gott. Er lacht über seine Gegner, lachend tut er seine Wunder, lachend setzt er seine Allmacht gegenüber der zweifelnden Menschheit. Während die christliche Theologie einerseits das Lachen in die Hölle verbannte, lauerte die Komik, das Possenhafte, das Groteske auf den Teilnehmer und Betrachter in unterschiedlichen Momenten des liturgischen Ablaufs des Kirchenjahres (Narrenfest, risus paschalis in der Osterpredigt und Wortwitz, Obszönitäten und Parodien des Osterspiels, komische Diablerien der Mysterienspielen), an unterschiedlichen Stellen innerhalb des Kirchenraums und in sakralen Texten (Miserikordien gotischer Chorstühle, Drôlerien der Handschriftenilluminationen). Lachenerregende Handlungen der stulti in Christo in der byzantinischen Tradition und lustige Wunderdarstellungen in westeuropäischen hagiographischen Texten ergänzen dieses komische Repertoire des Heiligen.

Außereuropäische Beispiele zeigen diesen Sachverhalt noch deutlicher. Das buddhistische und hinduistische Lachen, die schockierende Komik der ritualisierten Selbstinszenierungen der islamischen Mystiker, die tölpelhafte und obszöne Figur des Tricksters, der im kosmogonischen Kontext der Mythen amerikanischer Indianer agiert, sowie die ihm im Bereich der Riten entsprechende Figur des sakralen Clowns geben unterschiedliche Hinweise auf enge wechselseitige Beziehungen zwischen Heiligem und Gelächter. Zwar scheinen die komischen Figuren und Lachpraktiken das Heilige zu parodieren und zu profanieren, doch treten sie ausgerechnet in denjenigen Situationen und Kontexten auf, in denen das Heilige konstituiert, erneuert und affirmiert wird.

Natürlich wäre die Behauptung unzutreffend, dass sozial- und geisteswissenschaftliche Disziplinen diese und andere kulturelle Phänomene, die deutlich machen, wie problematisch es ist, von der Unvereinbarkeit zwischen Heiligem und Gelächter auszugehen, bisher ignoriert hätten. Im Gegenteil. Seit Ende der 1960er Jahre erschien eine ganze Reihe von Arbeiten, die aus verschiedenen Fachperspektiven Versuche unternommen haben, sich dem Lachen und der Komik in sakralen Kontexten anzunähern: Holy Laughter (1969) (1), Le rire et le sacré (1991) (2), Rire des dieux (3) , Peter L. Bergers Kapitel Auf dem Wege zu einer Theologie des Komischen (4) und schließlich der vor kurzem erschienene Tagungsband Komik und Sakralität (2005) (5). Diese und andere Untersuchungen enthalten wichtige Phänomenbeschreibungen und liefern notwendige Einsichten in einzelne Bereiche und Aspekte. (6) Gelächter und Komik werden dabei nicht nur aus der Perspektive der Infragestellung, Gefährdung oder gar Zerstörung des Heiligen betrachtet, sondern auch auf ihre konstruktiven Leistungen gegenüber dem Heiligen untersucht. Dennoch bleibt dabei – mit Ausnahme von ganz wenigen Arbeiten, die das Lachen als einen „genuinen Modus der Heilsvermittlung“, also als integralen Bestandteil des Kultischen betrachten (7) – die Relation zwischen Lachen und Religiosität in der Opposition Profan – Sakral verhaftet. Die „Mischung von Scherz und Ernst“ im Rahmen des Kultes wird als Eindringen des Profanen in den Bereich des Sakralen gedeutet, (8) was kaum der Erklärung des Zusammentreffens des Hohen und des Niedrigen, des Reinen und des Schmutzigen in religiösen Kontexten dient. Diese Sichtweise beruht darauf, dass – während dem Lachen Dynamik und Ambivalenz zugesprochen wird – das Heilige dabei als eindeutig definierbar vorausgesetzt und als monolithisch, statisch und normativ betrachtet wird. Demgegenüber gehen wir davon aus, dass die Bezüge von Kult- und Lachpraktiken sowie die problematische kulturelle Stellung des Gelächters in seiner Spannung und Oszillation zwischen Sakrileg und Sakrament nur dann genügend erklärt und systematisch erfasst werden können, wenn beide Glieder dieses Verhältnisses – Lachen und Sakralität – gleichermaßen problematisiert und auf ihre inhärenten Dynamiken untersucht werden.

Dieses Forschungsdesiderat bildete den Anlass für ein internationales Symposium, das im Mai 2007 an der Humboldt-Universität zu Berlin stattfand und vom Teilprojekt Lachkulturen des Sonderforschungsbereichs 447 (SFB) veranstaltet wurde. Das Symposium setzte sich zum Ziel, im interdisziplinären Dialog und im kulturhistorischen Vergleich die vielfältigen Funktionsweisen des Lachens im Rahmen der performativen Prozesse zu untersuchen, die das Heilige hervorbringen, erneuern und verändern. Um die Opposition zwischen Lachen und Sakralem heuristisch zu überwinden, wurden die Koordinaten des Themas durch das Begriffspaar risus sacer – sacrum risibile angegeben, mit dem die Paradoxie des Lachens als Ausdruck des Sakralen und zugleich als Ausdruck seiner Transgression untersucht werden sollte. Die Einzelanalysen, die dabei im Rahmen der Soziologie und Ethnologie, Religionswissenschaft und Philosophie, Geschichts-, Kunst- und Literaturwissenschaft und der Kunstgeschichte erfolgten und in diesem Band publiziert vorliegen, betrachteten die Zusammenhänge zwischen Kult- und Lachpraktiken in einer großen Bandbreite von religiösen und ‚religioiden‘ Phänomenen unterschiedlicher kultureller und historischer Provenienz: frühchristliche Häresien, katholische und protestantische konfessionelle Kontexte, fernöstliche traditionelle hinduistische und buddhistische Religionen sowie die neuen religiösen Strömungen, islamische Mystik, Mythen und rituelle Praktiken der amerikanischen Indianer, Kunstreligion sowie die moderne Theologie des „Todes Gottes“ . Sie haben eine Reihe fächerübergreifender Fragestellungen deutlich gemacht und sind zu den Ergebnissen gelangt, die im Folgenden aufeinander bezogen und theoretisch reflektiert werden sollen, bevor die einzelnen Beiträge kurz vorgestellt werden.

I. Allgemeine Fragestellung

Die verschiedenen „Gründe des Vergnügens am komischen Helden“ sind schon häufig erörtert worden (9) Für die Erforschung des Lachens im Rahmen der Erfahrung, Erzeugung, Erneuerung und Transformation des Heiligen sind – so unsere These – die semiotischen und typologischen Ansätze weniger relevant als die Perspektive des Performativen, die besonders produktiv ist, weil sie es erlaubt, das Augenmerk von den semiotischen Aspekten auf die Ereignishaftigkeit sowie die Prozessualität des Zusammentreffens von Sakralität und Gelächter umzulenken und sich auf diese Weise dem Paradox des heiligen Lachens anzunähern.

Das Lachen ist nur da, solange man lacht; aber nachdem man gelacht hat, ist man nicht mehr derselbe. Lachen verbindet und trennt, schließt ein und aus, erhöht und erniedrigt, erleichtert und erbittert, heilt und verletzt, verdeckt und stellt bloß. Wie der Wind kann es seine Richtung ändern, so dass seine Bedeutung und Wirkung nie endgültig festgelegt werden können; wie eine Welle kann es sich unserer plötzlich bemächtigen und uns aus dem Gleichgewicht bringen; wie eine ansteckende Krankheit kann es sich verbreiten. Lachen ist kontingent, aber gleichzeitig psychologisch und kulturell zwanghaft. Lachen ist eine Antwort, die aber in Worten nicht zu fassen ist, sondern häufig an den Stellen beginnt, wo Denken und Sprechen aufhören.

Inwiefern können diese Eigenschaften – Emergenz, proteischer Charakter sowie die transformative Kraft –, die das Lachen zum Paradigma des Performativen erheben, seine unterschiedlichen Bezugnahmen auf das Heilige ermöglichen? Um diese Frage zu beantworten, sollen im Folgenden einige Positionen der Lachtheorie mit einer Reihe von religionstheoretischen Positionen konfrontiert werden. Damit wird erprobt, ob und inwieweit eine kultur- und epochenübergreifende theoretische Grund lage für die wechselseitige Verflechtung von Kult- und Lachpraktiken gefunden werden kann. Zu diesem Zweck werden wir jene religionstheoretischen Ansätze in den Mittelpunkt stellen, die das Heilige/Sakrale nicht aus essentialistischer, sondern aus performativer Perspektive des sacer facere erforschen. Nicht die bereits vorhandenen, als sakral geltenden Ideen, Personen, Gegenstände und Handlungen geraten dabei ins Zentrum der Betrachtung, sondern unterschiedliche Prozesse und Dynamiken, die im Rahmen der individuellen und kollektiven Handlungs- und Wahrnehmungsprozesse auftreten und die Konstitution und Transformation des Heiligen kennzeichnen. Darüber hinaus sind für uns diejenigen Ansätze besonders relevant, die den Begriff des Heiligen/Sakralen von seinen theologisch-dogmatischen und theologisch-moralischen Implikationen lösen, sich also nicht nur auf die Religionen im engeren Sinne beschränken, sondern auch auf unterschiedliche Bildungen des sozialen Lebens erweitern und in seiner kulturellen Variabilität und historischen Transformationen erforschen – und dies in verschiedenen Epochen bis hin zur als ‚postsakral‘ geltenden Moderne. (10)

I.1. Ort des heiligen Lachens: die Grenze zwischen dem Profanen und Sakralen

Helmut Plessners grenztheoretischer Annäherungsversuch an das Lachen verweist auf eine erste mögliche Verbindung, die zwischen Lach- und Religionstheorien gezogen werden kann, denn Plessners phänomenologisch-kognitive Überlegungen zum Lachen folgen derselben Grundkategorie seiner philosophischen Anthropologie – „exzentrische Positionalität“ –, die auch seine Bestimmung der Religiosität als einer Kennzeichnung des Menschlichen prägt (11) und „sich als Ausgangspunkt für eine Theorie des Heiligen auf der Höhe des modern-kritischen Bewusstseins eignet". (12)

Auf der Grundlage dieser Strukturformel zur Kennzeichnung des Menschlichen betrachtet Plessner das Lachen nicht im Zusammenhang mit Freude und Komik, sondern – vergleichbar dem Weinen – als Grenzreaktion der „exzentrischen Positionalität“ in der Situation einer plötzlichen Sinnkrise:

Für den Lachenden […] steht die jeweilige Lage im Lichte effektiver Unmöglichkeit, auf sie eine andere passende Antwort zu geben. […] Fertigsein, Nichts-mehr-anfangen-können besagt hier […]: an eine Grenze gekommen sein, die nicht nur faktisch, sondern prinzipiell jede Möglichkeit der Auseinandersetzung unterbindet . (Hervorh. K. G., W. R.) (13)

Die im Lachen aktualisierte kognitive „Grenze zwischen Sinn und Nicht-Sinn“ (14) definiert Plessner auch als Grenze zwischen dem „Normalen“ und dem Außeralltäglichen, die „den Bereich der Vertrautheit von dem der Fremdheit scheidet“. (15) Zwar kommt dabei das Heilige nicht in den Blick, doch bringt Plessner jene Grenze zur Sprache, auf der konzeptionell ganz unterschiedliche Religionstheorien ihr jeweiliges Verständnis des Heiligen/Sakralen aufbauen. Das Heilige in seiner Minimaldefinition wird als Bereich des unverfügbaren ‚ganz Anderen‘ bestimmt, der vom Bereich des Normalen, Alltäglichen, Vertrauten getrennt ist und sich deshalb vom Profanen nicht graduell, sondern prinzipiell unterscheidet. (16)

Für die Frage, ob und inwieweit Heiligkeit und Gelächter aufeinander bezogen werden können, ist diese Grenze, die Sakrales und Profanes konstituiert und somit diese Bereiche voneinander trennt, aber gleichzeitig auch ihr wechselseitiges Verhältnis bedingt, von größter Bedeutung. Der Anstoß zum Gelächter wird – so zeigen einige Beiträge des vorliegenden Bandes – in vielen kulturellen Kontexten und Epochen gerade an der Grenze zwischen dem Profanen und dem Sakralen dokumentiert. So lacht zum Beispiel der Christus der Gnosis an der Grenze zwischen seiner menschlichen und seiner pneumatischen Existenz (Röcke), auch christliche und buddhistische Heilige lachen in dem Moment, wo sie an die Grenze zwischen dem irdischen und dem ewigen Leben geraten (Merceron, Laude), unschuldige tote Kinder lachen beim Auferstehen (Merceron), japanische Ritualteilnehmer lachen im Augenblick des Erscheinens der Götter (Köpping), amerikanische Indianer auch in dem Augenblick, wenn die Götter sich von Ihnen verabschieden (Handelman). Der mittelalterliche Autor lacht literarisch an der Grenze zwischen Minnedienst und Gottesdienst (Velten), der Ästhetiker um 1800 lacht an der Grenze zwischen Kunst und Religion (Weidner), ein Jahrhundert später lacht ein Philosoph an der Grenze zwischen dem Tod Gottes und dem Gottwerden des Menschen (Bührmann, Gvozdeva). Stellt man also fest, dass das Lachen in ganz unterschiedlichen kulturellen Kontexten die Erfahrung der Grenze zwischen Profanem und Sakralem begleitet und dabei im Unterschied zu Plessners Sicht nicht „jede Möglichkeit der Auseinandersetzung unterbindet“, sondern anscheinend im Gegenteil zum Medium der Auseinandersetzung mit der ausgegrenzten Sphäre des Heiligen wird, muss im nächsten Schritt gefragt werden, welche Eigenschaften dieser Grenze das Lachen auslösen, welche Dynamiken das Lachen dabei in Gang setzt und welche Effekte es erzielt.

I.2. Objekt und Performanz des heiligen Lachens: Ausgrenzung und Hereinnahme des Ausgegrenzten

Erscheint die Grenze zwischen Heiligem und Profanem in ihrer diskursiven Form, zum Beispiel bei Durkheim, als eine eindeutige Linie, die das Sakrale vom Profanen scheidet, so wird diese Grenze in performativen Praktiken – in rituellen Handlungen, imaginativen Prozessen des Mythos oder mystischen Übungen, die alle der Kommunikation zwischen getrennten Bereichen dienen – in einer paradoxen Gestalt zugleich als Trennungs- und Verbindungsglied zwischen den von ihr geschaffenen Gegensätzen in Erfahrung gebracht. Die religiöse Erfahrung, die als eine Form des Grenzhandelns in einem ausgedehnten Schwellenraum der Uneindeutigkeit stattfindet, (17) hat zum Objekt das Heilige als Einheit und Differenz zugleich, also als „Erscheinungsform eines Paradoxes“. (18)

„Paradoxien […] sind […] keine Kommunikationshindernisse“. (19) Mit Niklas Luhman, der vorschlägt, Religion und Religiosität nicht über ihren theologischen Sinn, sondern systemtheoretisch als Kommunikationsform zu begreifen, lässt sich die Dynamik der religiösen Kommunikation als Code des Einschließens des ausgeschlossenen Anderen (re-entry) begreifen. (20) Im Anschluss an Luhmann formuliert Peter Strohschneider folgende dynamische Auffassung der Heiligkeit zugleich als Distanz- und Relationskatergorie: (21)

[Heiligkeit] ist das Unvertraute, das Inkommensurable und Maßlose, das Unverfügbare, doch in eigentümlich paradoxer Gestalt. Denn als Distanzkategorie ist Heiligkeit zugleich eine Relationskategorie. Das Inkommensurable und Unverfügbare des Heiligen lässt sich nur denken in Relation zu jenem Vertrauten und Profanen – und von ihm her – von welchem es Abstand nimmt.

Der performative Aspekt der Dynamik des Ausschließens und die Hereinnahme des Ausgeschlossenen, d. h. der Umstand, dass das Heilige als rational unzugängliches Paradoxon gleichwohl in kultischen Praktiken, meditativen Übungen u. ä. vergegenwärtigt und erfahren, also zugäng lich gemacht werden kann, scheint ausgerechnet komiktheoretisch äußerst interessant zu sein.

Komik und Gelächter werden seit den Anfängen komiktheoretischer Ansätze in der Poetik des Aristoteles von einer Gegensatzlogik her definiert. Dabei ist Kants berühmte Definition des Lachens als eines „Affekt[s] aus der plötzlichen Verwandlung einer gespannten Erwartung in nichts“, (22) Bergsons Überlagerung von Mechanischem und Lebendigem (23) oder Freuds „Komik der Aufwanddifferenz“ (24) ebenso mitzudenken wie Bachtins karnevaleskes Gelächter, das zwischen Tod und Geburt, Hohem und Niedrigen vermittelt und die „Einheit der Gegensätze“ in „konkret sinnlicher Form“ schafft. (25) Und auch Ritter begreift das Lachen als Ausspielen des paradoxen Verhältnisses zwischen der ausgrenzenden Ordnung und dem ausgegrenzten Anderen, dessen „geheime Zugehörigkeit […] zum Dasein […] in der es ausgrenzenden Ordnung selbst gleichsam zu ihr zugehörig sichtbar und lautbar wird“. (26)

Gemeinsam ist allen diesen (und anderen) theoretischen Bestimmungen des Komischen, dass sie trotz aller Unterschiede im Einzelnen Grundformen der Komik auf ein „Oppositionsverhältnis“ oder sogar auf ein Paradoxon zurückführen und im Lachen ein Mittel des Ausdrucks und zugleich der Auflösung der Paradoxie ersehen:

Zwischen den vielen Theorien des Lachens und des Lächerlichen gibt es immerhin einen gewissen Konsens: das Lachen ist, als ein dem Willen weitgehend entzogener, spontaner Vorgang, eine Ausdrucksbewegung, die einen Krisenzustand oder ein Oppositionsverhältnis anzeigt […] und zugleich deren als glückhaft empfundene Überwindung oder Lösung […] ausdrückt. (27)

Diese im Medium des Lachens ausgespielte Gegensatzlogik des Komischen zeigt nun verschiedene Berührungspunkte mit dem Heiligen. Das Lachen an der Grenze zwischen Profanem und Sakralem erweist sich als ein Lachen, das dem Heiligen in seiner inhärenten Paradoxie strukturell weitgehend entspricht. Die strukturelle Analogie, die zwischen der Dynamik des „Ausspielen[s] des paradoxen Verhältnisses zwischen der ausgrenzenden Ordnung und dem ausgegrenzten Anderen“ im Lachen und der Dynamik des Einschließens des ausgeschlossenen Anderen in den Prozessen religiöser Kommunikation festgestellt werden kann, erlaubt zu verstehen, warum das Komische und das Lachen in religiösen Kontexten auftreten können. Denn im Lachen kann etwas Unvertrautes, Fremdes, Ausgegrenztes, ohne diese Qualitäten zu verlieren, zugleich als etwas Vertrautes erscheinen und in die menschliche Sphäre performativ hereingenommen werden. Daher lässt sich das Lachen in kultischen Kontexten nicht als Eindringen des Profanen in den sakralen Rahmen, sondern selbst als kultische Handlung begreifen, die in ihrer Dynamik der Ausgrenzung und Hereinnahme vielleicht sogar den prozessualen Eigenschaften des Kerygmas und Mythos entspricht. (28) In diesem Zusammenhang stellt Peter Berger die Frage, ob nicht sogar alle Lachtheorien auf einen „Zentralwiderspruch“ hinauslaufen würden, von dem ausgehend man das Komische als „Signal der Transzendenz“ und das Lachen als „Manifestation des sakramentalen Universums“ interpretieren könnte. (29) Im Gegensatz zu diesem essentialistischen Versuch, das Lachen selbst zu „einer anderen Realität“ zu erklären, die „in die Welt eindringt“ oder gar als „geschlossenen Sinnbereich“ zu verstehen, geht es uns darum, es als ein performatives Instrument zu begreifen, das die Erfahrung und Verhandlung der Paradoxie und Ambivalenz, die der profanen Welt fremd ist, ermöglicht. Während das Lachen mit dem Heiligen aus einer normativtheologischen Perspektive unvereinbar ist, erscheint es aus einer performativen Perspektive der Erzeugung und Erfahrung des Heiligen in Ritual, Mythos oder mystischer Erfahrung geradezu als privilegiertes Medium des sakralen Prozesses. Doch wie gestalten sich jeweils unter spezifischen sozialen, historischen und medialen Bedingungen die performativen Prozesse des heiligen Lachens? Und wie nähern sich die Beiträge des vorliegenden Bandes diesem Problem?

II. Zum Aufbau des Bandes

Angesichts der historischen und kulturellen Variationsbreite des Heiligen wie des Komischen wird der Band in vier Abschnitte unterteilt. Die ersten drei Abschnitte sind auf den europäischen Kontext bezogen und chronologisch geordnet. Im ersten Teil werden die Lachpraktiken in der „longue durée“ vom frühen Christentum der ersten nachchristlichen Jahrhunderte bis ins 17. Jahrhundert verfolgt; der zweite Teil beschäftigt sich mit der Rolle, die dem Lachen im Zusammenhang von Aufklärung und Säkularisierung zukommt; der dritte Teil betrifft die Sakralisierungen des Lachens in der Moderne. Demgegenüber stehen im vierten Abschnitt nichtchristliche Glaubenssysteme und Lachpraktiken im Mittelpunkt.

II.1. Christliches Lachen? (Spätantike, Mittelalter und Frühe Neuzeit)

Seit ihren Anfängen unterscheidet die kirchliche Lehre zwischen einem gaudium spirituale , das sich in einem gemäßigten heiteren Lachen äußert und bei dem der Körper unter der Kontrolle des Geistes bleibt, und dem risus , einem ausgelassenen lauten Lachen, Verlachen und Auslachen, das den Körper stark involviert und bis zu unanständigen Späßen, närrischen Reden und Gebärden führt. Während die erste Art von Lachen durchaus positiv bewertet und legitimiert ist, wird die zweite seit der frühchristlichen Periode verurteilt. Die Beiträge dieser Sektion machen allerdings deutlich, dass allerdings der Rigorismus eines Johannes Chrysostomus, Christus habe nie gelacht und deshalb sei jedes Gelächter des Teufels, keinesfalls die allgemeine kirchliche Überzeugung repräsentiert. In der christlichen Verhaltenspraxis dürfte die Grenze zwischen unzulässiger und zulässiger Komik schwer zu ziehen gewesen sein.

Werner Röcke (Heiliger Spott. Lachende Überlegenheit und Glaubensgewissheit in der Literatur der Spätantike und des Mittelalters) setzt sich mit der aggressivsten Lachform auseinander – dem spöttischen Auslachen. Dabei wird deutlich, dass der fortschreitenden Dämonisierung und Exklusion des Spottes aus dem Bereich des Heiligen im frühchristlichen Kontext eine enge Verbindung von Sakralität und Spott, Gottesbild und aggressivem Hohn vorausging. Vor allem an gnostischen Belegen wird gezeigt, dass Spott im Rahmen der Kreuzigung nicht nur von den Folterknechten ausgehen kann, sondern auch vom Erlöser selbst, der sich über seine Hinrichtung lustig macht. Spöttisches Lachen Christi im Moment der Kreuzigung gilt nicht nur als Ausdruck von Christi Überlegenheit, sondern markiert auch die Grenze zwischen Menschlichem und Göttlichem und den Übergang des Erlösers von seiner irdischen materiellen zur göttlichen pneumatischen Existenz: ein deutlicher Hinweis auf die dualistische Tendenz des gnostischen Denkens.

Christoph Winterer (David, ein frühmittelalterlicher Karikaturist? Zu den Initialen des Sakramentars von Gellone) zeigt, dass auch in den nachfolgenden Jahrhunderten des Christentums keine einheitliche Abgrenzung von Sakralem und Lachen vorausgesetzt werden darf. Er beschäftigt sich mit dem Verhältnis zwischen der komischen Intention und den sakralen Inhalten anhand des Bildmaterials und macht auf die Probleme der visuell-ästhetischen Hermeneutik angesichts der Historizität und Kulturabhängigkeit des Komischen aufmerksam. Die Komik im Sakramentar könnte u. a. durch seine kulturelle Grenzstellung zwischen vorkarolingischer und karolingischer Kultur bedingt sein.

Mit den rituellen Bedeutungen und Funktionen des Lachens im sakralen Raum setzt sich Max Harris (A Rough and Holy Liturgy: A Reassessment of the Feast of Fools) am Beispiel des kirchlichen Narrenfestes auseinander. Die Einsichten der älteren Forschung auf diesem Gebiet, die das Narrenfest als antiritualistische Profanierung des christlichen Heiligen bzw. als störendes Eindringen von paganen Riten in den christlichen Raum erklärten (Chambers), werden in Frage gestellt. Die Untersuchung steht aber auch neueren Arbeiten entgegen, die dem Narrenfest eine liturgische Bedeutung zusprechen und dabei seine komische Intention und sein Lachpotential völlig unterschlagen. (30) Harris bedient sich für die Untersuchung der Theatralität des nordfranzösischen Narrenfestes zwischen dem 12. und dem 13. Jahrhundert des paradoxen Begriffs des gemischten, „derben und heiligen“ Stils des Shakespeare-Theaters. Diese ambivalente Mischung von Heiligkeit und Heiterkeit wird als performatives Merkmal der genuin christlichen Liturgie angesehen.

Demselben Zeitabschnitt und Sprachraum ist die Untersuchung von Jacques Merceron (The Sacred and the Laughing Body in French Hagiographic and Didactic Literature of the Middle Ages) gewidmet, die den Heiligen- und Marienlegenden, den exempla und auch den ‚Spielformen des Heiligen‘ in der weltlichen Literatur gilt. Merceron erstellt folgende Typologie des mittelalterlichen Lachens: ein rire sacralisant , das nicht im geringsten mit dem Komischen zu tun habe, sondern die Grenze zwischen Profanem und Sakralem markiere und einen Zugang zum Heiligen eröffne; ein rire sacrilège , das eine reflexive Funktion gegenüber dem Heiligen erfülle und den sakralen Gegenständen und Handlungen ihre profanen Eigenschaften und Bedeutungen zurückgebe und schließlich ein rire ambivalent . Das ambivalente Lachen, dem im Jeu de Robin et de Marion von Adam de la Halle nachgespürt wird, artikuliert sich als dynamischer Zusammenhang zwischen rire sacrilège und rire sacralisant und ermöglicht eine Hin- und Herbewegung der Spielteilnehmer zwischen dem Profanen und dem Sakralen.

Hans Rudolf Velten geht es um das Verhältnis Sakralisierung und Komisierung an einem literarischen Text des Mittelalters: den Frauendienst Ulrichs von Liechtenstein (Sakralisierung und Komisierung im „Frauendienst" Ulrichs von Liechtenstein) . Für die Fragestellung des Bandes ist der Text bedeutsam, weil er gleichzeitig eine Reihe von minnesangspezifischen Sakralisierungen aufweist, die die „Überformung der Frau als Heilige“ erzielen und diese Sakralisierungen in entscheidenden Momenten mit schwankhaften Passagen und komischen Ambivalenzen engführt, die zur Parodie der religiösen Texte und Handlungen greifen. Die schillernde literarische Inszenierung der Ambivalenz zeigt sich hier als eine Spielform des Sakralen, deren kontrastiven literarischen Strategien der Sakralisierung des Diesseitigen und der Profanierung des Jenseitigen das Sakrale nicht zerstören, sondern seiner Erneuerung dienen.

Mit dem epochalen Wandel vom Mittelalter zur frühen Neuzeit setzen sich zwei Beiträge auseinander, die sowohl Übereinstimmungen als auch Differenzen in der Einschätzung der Funktionen von Komik und Lachen in sakralen Kontexten aufweisen. Den Gegenstand der Untersuchung von Thomas Cramer (Gottes-Scherz) bildet die Predigt. Cramer begreift komische Elemente und Episoden in der Predigt nicht als „kurzweilige Unterbrechungen des ernsthaften Belehrung, sondern als deren integrale Bestandteile“. Die Belehrung bedient sich des Komischen und des Lachens, um dem Rezipienten Spielräume zu lassen und durch dessen Partizipation an der Lehre ihm die frohe Botschaft geschickt näherzubringen. In diesem Sinne orientiert sich die mittelalterliche Predigt an eine Verkündigungsstrategie der Überzeugung, die Bewegungsräume erlaubt. Demgegenüber verstärkt sich mit der Reformation eine Verkündigung durch Überwältigen, die zu einem deutlichen Zurückdrängen der Kanzelkomikführt.

Christel Meier (Sakralität und Komik im lateinischen Drama der Frühen Neuzeit) kommt anhand ihres Materials zu einem ähnlichen Ergebnis, dass das Komische der „leichteren Akzeptanz der ernsten Lehre“ dienen solle. Der Beitrag zeigt allerdings, dass diese Funktion nicht nur den jesuitischen Kontext prägt, sondern sich auch im protestantischen Drama nachweilen lässt. Zusätzlich werden an unterschiedlichen Beispielen zwei weitere Funktionen der Komik und des Lachens im sakralen Theater ausgearbeitet: satirische Komik als Mittel der Konfessionspolemik und Emotionalisierung als Überwältigungsstrategie. Diese Strategie wird vor allem am Beispiel des jesuitischen Theaters ausgearbeitet. Meier macht auf den transformativen Prozesscharakter des aufgeführten Komischen aufmerksam, dessen Strukturkurve im Burlesken ihren Anfang nimmt, im Verlauf des Spiels als emotionalisierende Ambivalenz erscheint, um am Ende den Triumph des Heiligen im Lachen aus Überlegenheit zu verwirklichen.

II.2. Transformationen des Heiligen im Lachen um 1800

Die beiden Beiträge dieses Abschnitts sind der Rolle des Lachens in den Säkularisierungsprozessen, der Loslösung des Heiligen vom Gottesbegriff und seiner Verlagerung auf andere Objekte gewidmet.

Gunter Gebauer (Lachen auf Leben und Tod. Bemerkungen zur Figur des Don Giovanni) zeigt, wie der performative Prozess des heiligen Lachens sein Medium in der Musik finden kann – die Untersuchung gilt dem Don Diovanni von Mozart und Da Ponte. Die mythische Ausprägung der Don Giovanni-Figur verwirklicht sich im Lachen, das die grundlegenden, die soziale Ordnung strukturierenden Oppositionen ins Schwanken bringt und das Ringen von gegensätzlichen Prinzipien – Gutes/ Böses, Leben/Tod – ambivalent in Szene setzt. Vom Ende der Geschichte her, wo die bürgerliche Moral triumphiert, lässt sich das Verhalten des Don Giovanni als sündhaft und sein Tod als unwiderruflich begreifen. Im Fluss des Geschehens dagegen – versteht man die Don Giovanni-Figur mit Kierkegaard als musikalischen Charakter, der „sinnliche Unmittelbarkeit“ in Erfahrung bringt – nimmt die Musik die Energien des Erotischen und des Lachens in sich auf und kann als Medium des In-die-Gegenwart-Holens die sprachlich unüberwindbare Grenze zwischen Leben und Tod überbrücken und die Endgültigkeit des Todes bestreiten.

Daniel Weidner (Erbauung, Satire und höhere Wahrheit. Komische Predigten bei Karl Philipp Moritz und Jean Paul) befasst sich mit der Kunstreligion und ihrem Anspruch auf die Verkündigung der höheren Wahrheit aus der Sicht des Eindringens der Komik in diesen neugeschaffenen Rahmen des Sakralen. Die komische Predigt sei im Grenzbereich von Tragik und Komik und an der Schwelle von Theologie und Literatur angesiedelt und markiert somit die Epochenschwelle der Konstitution der modernen Kunstästhetik. Dem Lachen kommt dabei nicht eine profanierende anti-theologische Bedeutung zu, sondern eine vermittelnd-reflexive Stellung zwischen den beiden Diskursen. Gelacht wird nicht über die Verkündigung, sondern über die Differenz Theorie und Praxis. Dabei wird die Grenze zwischen Theologie und Ästhetik nicht beseitigt oder verschoben: Der Humor der komischen Predigten löst sich vom Heiligen nicht ab, sondern bedarf seiner.

II.3. Sakrales Lachen nach dem „Tod Gottes“

Ein radikaler Wandel in der europäischen Kulturgeschichte des Sakralen wird durch die Behauptung, dass Gott tot sei und derer metaphysischen, ethischen und ästhetischen Konsequenzen bedingt. Die Sektion besteht aus zwei thematisch eng verbundenen Beiträgen, die sich mit diesem zentralen Mythologem der Epoche befassen und den „Tod Gottes“ aus der Sicht der Sakralisierung des Lachens im philosophischen Denken der Moderne betrachten.

Die Untersuchung von Mario Bührmann (Zarathustras Lachen) setzt sich mit der Frage auseinander, welche Bedeutung dem Begriff ,heiliges Lachen‘ in Also sprach Zarathustra zukommt. Zwei unterschiedliche Erscheinungsformen des Lachens, die für Nietzsches Denken relevant sind und anhand der Analyse früherer Texte festgestellt werden, führen zum Lachen, das in der prophetischen Figur Zarathustras seinen Ausdruck findet: einerseits das verachtende Lachen, das gegen das Heilige in seiner christlich-dogmatischen Ausprägung und den damit assoziierten Moralkodex ausgerichtet ist; andererseits das den „Tod Gottes“ als eine von religiös-metaphysischen Illusionen emanzipierte Welt begrüßende und feiernde Lachen. In Zarathustra werden diese entgegensetzten – auf Verneinung und Bejahung ausgerichteten – Lacharten miteinander dynamisch verbunden. Die höchste Form des Lachens, die das Ende der Verwandlung des Geistes markiert und eine neue schöpferische Haltung zum Leben und zur Welt gewinnen lässt, wird zum „heiligen Lachen“ erklärt. Dieses Lachen des Übermenschen sei nicht als Lachen eines Heiligen zu verstehen und mit dem Begriff der Transzendenz zu fassen, sondern lässt sich aus seiner „heilenden“ Funktion erklären, als Ausdruck der intellektuellen Gesundheit und Ausbalancierung des Widersprüchlichen im Menschen.

Katja Gvozdeva setzt sich mit dem ‚heiligen Lachen“ Georges Batailles auseinander (Das ABC des heiligen Lachens. Atheologie im theoretischen und literarischen Werk [„Abbé C.“] Georges Batailles) . Nietzsches Philosophem des „Todes Gottes“ wird dabei in einen eklektischen Reflexionsrahmen versetzt, der sich zugleich aus der sociologie sacrée , der negativen Theologie sowie aus unterschiedlichen Lachtheorien speist. Im Ergebnis erscheint das Lachen des modernen Menschen, das an der Grenze zwischen dem „Tod Gottes“ und dem Gottwerden des Menschen ausbricht, zwar als ‚innere Erfahrung‘, die die Transzendenz beseitigt, gleichzeitig aber als mystische Erfahrung des Heiligen, das sakralsoziologisch als privilegierter Augenblick der Bewegung der Kommunion innerhalb der Gesellschaft definiert wird. Aus beiden Beiträgen geht hervor, dass das Lachen in der Moderne das Sakrale nicht vernichtet, sondern als privilegiertes Mittel seiner Umdeutung und Erneuerung wirkt.

II.4. Lachen in außereuropäischen rituellen und mythischen Kontexten

Die drei Beiträge dieser Sektion gehen gleichermaßen vom Begriff der ,Grenze‘ aus, um die Lachpraktiken aus religionswissenschaftlicher, ethnologischer und kultur-anthropologischer Perspektive zu beleuchten. Viele Unterschiede, aber auch erstaunliche Parallelen zu europäischen sakralen Lachpraktiken werden dabei sichtbar.

Klaus Peter Köppings Untersuchung (Visceral Laughter and Cosmic Regeneration: The Notion of Belly in Japanese Myths and Ritual Performances) ist dem Verhältnis von Sakralität und Gelächter im japanischen Kulturraum gewidmet. Köpping macht deutlich, dass in bestimmten Ritualen nicht das Gesicht, sondern der Bauch als Ort des unanständigen Lachens eine zentrale Rolle spielt. Dem transgressiven Modus des belly laugh schreibt Köpping folgende Schlüsselfunktionen in der rituellen Konstitution und Erfahrung des Sakralen zu: Die rituelle Gemeinschaft gerät in einen Zustand kollektiver Körperlichkeit, in welchem die Welt als ursprüngliches Chaos und das Sakrale als paradoxer Zusammenhang von Anziehung und Abstoßung empfunden werden können. Durch die lebensfördernde Kraft des Gelächters kann das Sakrale im rituellen Prozess zu einer neuen Existenz gerufen werden. Das obszöne Lachen – zugleich rituell-iteratives Element und kontingentes Ereignis – erscheint als performatives Mittel der Überbrückung der unüberbrückbaren Distanz zwischen dem Profanen und dem Sakralen.

In diesem Sinne wird das Lachen auch von Patrick Laude (Laughter and the Religious Gap) begriffen, der eine breite Reihe zen-buddhistischer, hinduistischer, islamischer und indianischer spiritueller Praktiken und mythologischer Erzählungen vorstellt. Solche Eigenschaften des Lachens wie Kontingenz, Plötzlichkeit und destabilisierender Effekt erweisen sich dabei als ein Mittel des Zugangs zur nicht-dualistischen Wahrnehmung im Moment der Erleuchtung. In den sufistischen spirituellen Praktiken, die durch närrische Inszenierungen geprägt sind, können transgressive Aspekte festgestellt werden, die der dramatischen Darstellung der Kluft zwischen menschlicher Defizienz und göttlicher Vollkommenheit dienen. Diese lachenerregenden Inszenierungen wirken wie ein homeopatisches Arzneimittel, indem sie durch die Verstärkung der „Krankheitssymptome“ die zwischen dem Relativen und Absoluten gesplitterte Seele heilen. Das Verhältnis zwischen Transgression und Sakralisierung im kosmogonischen Bereich wird auch an der mythologischen Tricksterfigur und ihr im rituellen Kontext der amerikanischen Indianer entsprechenden Gestalt des rituellen Clowns untersucht.

Die in älteren und neueren Untersuchungen weit verbreitete Interpretation der sakralen Clowns aus der Sicht der transgressiven Sakralität wird von Don Handelman (Clowns in Ritual: Are Ritual Boundaries Lineal? Moebius-like?) bestritten. Die Grenze des Tewa-Kosmos sowie die Grenze des Tewa-Rituals begreift Handelman nicht als gerade starre Linie eines Durkheim, die Sakrales und Profanes voneinander trennt und ihr paradoxes Verhältnis bedingt, sondern als ein flüssiges möbiusartiges Band. Daraus folgt, dass das Lachen im Tewa-Ritual nicht auf ein Paradoxon des Profanen und Sakralen stößt, sondern einer flüssigen transformativen Logik der Grenzbewegung folgt. Jeder neue Lachausbruch zeigt eine Drehbewegung der Grenze an und bringt somit – ohne diese Grenze zu verletzen – die Götter aus dem sakralen Bereich in die menschliche Sphäre, um sie anschließend auf dieselbe Weise von den Menschen zu entfernen.

In den Beiträgen dieses Bandes wird ein breites Repertoire von Lachpraktiken erstellt, an denen deutlich wird, welche Funktionen unterschiedlichen performativen Merkmalen des Lachens in den sakralen Prozessen der Ausgrenzung und Hereinnahme des Ausgegrenzten zukommen. So demonstrieren einige Aufsätze, wie der Skandal des Lachens in unterschiedlichen kultischen Handlungen gleichzeitig der Erfahrung der Kluft zwischen Menschlichem und Göttlichem und der Überbrückung dieser Kluft dient (Laude, Harris). Das Lachen kann dabei die Erfahrung des Heiligen gerade durch sein transgressives Potential ermöglichen (Köpping, Laude), kann aber auch als Grenzverhalten begriffen werden, das seine vermittelnde Rolle zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen im Sinne einer Transformation ohne jede transgressive Konnotation spielt (Handelman). In zwei Beiträgen wird besonders die therapeutische Kraft des Lachens unterstrichen: Die Heilsvermittlung wirkt, weil sie als performativer Akt der Heilung im magisch-regenerativen Modus des Lachens erfolgt (Laude, Bührmann). Diese therapeutische Wirkung kann auch breiter als ein im Lachen artikuliertes Gefühl der Überlegenheit, Regeneration, Befreiung und Triumphs verstanden werden, das die Paradoxie Göttlich/Menschlich, Leben/Tod zu überwinden vermag (Röcke, Merceron, Köpping, Gebauer). Lachen bringt das Heilige in Erfahrung durch die Emotionalisierung , die ein auf Differenzen aufgebautes diskursives Denken ausschaltet (Köpping, Meier) oder schafft im Gegenteil reflexive Spielräume (Cramer, Weidner, Winterer, Velten). Wie an zwei Beispielen – einem aus dem Ritual amerikanischer Indianer und einem aus dem europäischen ‚heiligen Spiel‘ im literarischen Text – besonders deutlich wird, besteht die performative Dynamik des heiligen Lachens in einer iterativen Hin- und Herbewegung, wobei das Heilige in das Menschliche herein und wieder herausgeholt wird (Handelman, Merceron). Die Körperlichkeit des Lachens, die Plessner als „Desorganisation des Überwältigt- und Geschütteltseins“ beschrieben und diesen „Verlust der Selbstbeherrschung“ metaphorisch mit dem Hinfallen assoziiert hat, (31) spielt dabei eine nicht zu unterschätzende Rolle, indem der lachende dynamisierte, chaotisierte bzw. „verflüssigte“ Körper zu einer Art ‚Empfangsgerät‘ des Heiligen werden kann (Köpping, Laude, Handelman). Die enge Verbindung zwischen Lachen und Hinfallen wird an unterschiedlichen Untersuchungsgegenständen ausgearbeitet: in mystischen Schriften (Laude), Heiligenlegenden (Merceron) und literarischen Texten (Velten, Gvozdeva). Die dabei ausgespielten komischen Ambivalenzen stehen alle im Dienste der performativen Hereinnahme des ausgeschlossenen Anderen in die menschliche Erfahrung. Im Ritual wirkt das Lachen, das jeden einzelnen Teilnehmer desorganisiert, gleichzeitig als Kohäsionsfaktor und verbindet sowohl die Menschen untereinander als auch die Menschen mit den Göttern (vgl. Köpping, Handelman). Solche theoretischen Konzepte, wie der Bachtin'sche groteske kollektive Leib, die Durkheim'sche soziale Efferveszenz, das Caillois'sche Sakrale der Transgression, die Turner'sche Antistruktur und Communitas sowie das Konzept der emergenten und flüchtigen Lachgemeinschaft (32) lassen sich aus der Perspektive des heiligen Lachens miteinander vereinen (Köpping, Winterer, Gvozdeva). Die integrative Wirkung des Lachens lässt sich aber kaum von seinem ausschließenden Potenzial trennen. Das kollektive Lachen präsentiert sich auch unter dem Blickwinkel des Opferrituals sowie des Sündenbockrituals (Gebauer, Köpping). Dieser gewalttätige Aspekt des Lachens im Prozess des sacer facere kann besonders gut an der Christusfigur verdeutlicht werden, die sich als Inkarnation des Paradoxes Menschliches/Göttliches präsentiert. Im vorliegenden Band wird gezeigt, dass der Erlöser nicht nur in der gewöhnlichen Gestalt des Lachopfers erscheint, sondern auch als Lachender zwischen Menschlichem und Göttlichen vermitteln kann (Röcke, Gvozdeva).

Zum Schluss sei noch einmal all jenen gedankt, die dazu beitrugen, dass dieser Band nun fertiggestellt werden konnte. Unser Dank geht zunächst an die Beiträgerinnen und Beiträger, die ihre Referate für die vorliegende Publikation erweiterten. Ein großer Dank gilt auch der Deutschen Forschungsgemeinschaft für die finanzielle Unterstützung der Tagung sowie dem Sonderforschungsbereich 447 Kulturen des Performativen, in dessen Rahmen dieses Projekt konzipiert und durchgeführt werden konnte, vor allem seiner Sprecherin Erika Fischer-Lichte. Anne-Kathrin Pauk danken wir für die freundliche Abbildgenehmigung des Titelblattes. Schließlich danken wir all jenen, die das Buch in der Produktionsphase betreuten, vor allem Brigitte Peters von der Zeitschrift für Germanistik für ihre unermüdliche und so überaus kompetente Arbeit sowie den Praktikanten der Zeitschrift für Germanistik Stella Ehrke und Maximilian Benz für ihre Hilfe beim Lektorat der Manuskripte.

 

Katja Gvozdeva und Werner Röcke

Berlin, Dezember 2008

 

Anmerkungen

1 Conrad Hyers (Hrsg.): Holy Laughter: Essays on Religion in the Comic Perspective, New York 1969.

2 Bernard Sarrazin: Le rire et le sacré. Histoire de la dérision, Paris 1991.

3 Dominique Bertrand, Véronique Gély-Ghedira (Hrsg.): Le rire des dieux, Clermont-Ferrand 2000.

4 Peter L. Berger: Erlösendes Lachen. Das Komische in der menschlichen Erfahrung, Berlin 1998.

5 Anja Grebe, Nikolaus Staubach (Hrsg.): Komik und Sakralität. Aspekte einer ästhetischen Paradoxie in Mittelalter und früher Neuzeit, Frankfurt a. M. 2005.

6 Vgl. Teodor Baconsky: Le rire des Pères: Essai sur le rire dans la patristique grecque, Paris 1996; Ernst Robert Curtius: Europäische Literatur und lateinisches Mittelalter, Bern, München 1973, S. 421–423; Aron I. Gourévitsch: Le comique et le sérieux dans la littérature religieuse du Moyen Âge. In: Diogène 90 (1975), S. 67–89; Max Wehrli: Christliches Lachen, Christliche Komik? In: D. H. Green u. a. (Hrsg.): From Wolfram and Petrarch to Goethe and Grass, Baden-Baden 1982, S. 17–31; Werner Röcke: Ostergelächter. Körpersprache und rituelle Komik in Inszenierungen des risis paschalis. In: O. Langer, K. Ridder (Hrsg.): Körperinszenierungen in mittelalterlicher Literatur, Berlin 2002, S. 335–350; Dominique Barthélémy: Sainte foy et les quadrupedes d'après Bernard d'Angers et ses continuateurs. In: É. Crouzet-Pavan, J. Verger (Hrsg.): La dérision au Moyen Âge, Paris 2007, S. 13–33.

7 Vgl. Rainer Warning: Funktion und Struktur. Die Ambivalenzen des geistlichen Spiels, München 1974; Berger (wie Anm. 4).

8 Vgl. Curtius (wie Anm. 6), S. 421–423; Gourévitsch (wie Anm. 6).

9 Vgl. Hans-Robert Jauss: Über den Grund des Vergnügens am komischen Helden. In: W. Preisendanz, R. Warning (Hrsg.): Das Komische, München 1976, S. 103–132.

10 Vgl. Dietmar Kamper, Christof Wulf (Hrsg.): Das Heilige. Seine Spuren in der Moderne, Frankfurt a. M. 1987.

11 Die Kategorie ,exzentrische Positionalität‘ fußt auf einer grenztheoretischen Deutung des Lebendigen und bestimmt das Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt als Paradox: Der Mensch – so Helmuth Plessner – sei in „seine Grenze gesetzt und deshalb über sie hinaus, die ihn, das lebendige Ding, begrenzt“. In: Ders.: Die Stufen des Organischen und der Mensch (1928), S. 290; zit. nach: Joachim Fischer: Exzentrische Positionalität. Plessners Grundkategorie der philosophischen Anthropologie. In: DZfPh 48 (2000), H. 2, S. 265–288, hier S. 279. Diese den Menschen vom Tier unterscheidende „exzentrische Positionalität“ bedingt anthropologische Formen der „Grenzrealisierung“ und „Grenzregulierung“ wie die Sprache, die Phantasie, die Religion und auch das Lachen“.

12 Vgl. Fischer (wie Anm. 11), S. 279–283.

13 Helmuth Plessner: Lachen und Weinen: eine Untersuchung nach den Grenzen menschlichen Verhaltens, Bern 1950, S. 186.

14 Ebenda, S. 210.

15 Ebenda, S. 186.

16 Die religionswissenschaftliche Tradition, das Heilige über die Grenze zu definieren, nimmt ihren Anfang in der spätviktorianischen Anthropologie; vgl. Robertson W. Smith: Lectures on the religion of the Semites [1889], deutsch: Die Religion der Semiten [1889] (Nachdruck Darmstadt 1967), S. 109. Vgl. dazu Hans G. Kippenberg: Heilig und Profan. Internationale theologische Enzyklopädie, Göttingen 1989, Sp. 433; Ansgar Paus: Heilig, Das Heilige (religionswissenschaftlich). In: Lexikon für Theologie und Kirche, Freiburg u. a. 1995, Sp. 1267, 1270). Der religionssoziologische Ansatz Durkheims, der das Heilige in der Differenz zwischen Individuum und Gesellschaft verortet, definiert es alleine über die prinzipielle Unterscheidung sowie die starke Trennung vom Profanen, im Unterschied zur Religion, die eng traditionalistisch als mit moralischen Implikationen belastetes Glaubenssystem verstanden wird. Vgl. Émile Durkheim: Les formes élémentaires de la vie religieuse (1912), deutsch: Die elementaren Formen des religiösen Lebens, Frankfurt a. M. 1981. Rudolf Otto konnte im Rahmen seiner phänomenologischen Annäherung ans Heilige (das Numinose) es nicht anders als durch die Ausgrenzung aus dem Bereich des Profanen erfassen und prägte dabei den Begriff des „ganz Anderen“. Vgl. ders.: Das Heilige: Über das Irrationale in der Idee des Göttlichen und sein Verhältnis zum Rationalen, München 1987 ( 1 1917). Mircea Eliades betrachtet im Rahmen seiner ontologischen Hierophanieforschung das Heilige ausgehend von den strukturellen Eigenschaften des Bewusstseins, die Opposition zum Profanen gilt für ihn dabei als „erste Definition des Heiligen“: „Die erste Definition des Heiligen ist, dass es den Gegensatz zum Profanen bildet “; vgl. ders.: Das Heilige und das Profane, Hamburg 1957, S. 14. Auch der soziologische Ansatz Webers versteht das Heilige als eine Instanz des Außeralltäglichen: „Es gibt keine Scheidung von ‚religiösen‘ und ‚profanen‘ Zuständlichkeiten anders als durch die Außer alltäglichkeit der ersteren.“ Vgl. Max Weber: Gesammelte Aufsätze zur Religionssoziologie, Tübingen 1920, Bd. 1, S. 250. Niklas Luhmann, der die Starrheit der klassischen Religionssoziologie kritisiert, baut auf der Unterscheidung (und somit der Grenze) zwischen dem Sakralen und dem Profanen seine Gesellschaftstheorie der Religion auf; vgl. ders.: Die Religion der Gesellschaft, hrsg. v. André Kieserling, Frankfurt a. M. 2000.

17 Vgl. Katrin Audehm, Hans Rudolf Velten (Hrsg.): Transgression, Hybridisierung, Differenzierung. Zur Performativität von Grenzen in Sprache, Kultur und Gesellschaft, Freiburg 2007.

18 Vgl. Luhmann (wie Anm. 16), S. 12, 82: „Die Unterscheidung einer diesseitigen und einer jenseitigen Welt selbst ist nur an Hand einer Markierung der Grenze faßbar. Die Markierung der Grenze selbst hat einen ambivalenten Status: sie gehört der einen ebenso wie der anderen Seite an, also beiden Seiten oder keiner. Sie symbolisiert damit die Einheit der Unterscheidung. Daher ist die Markierung selbst ein sacrum , heilig und schrecklich zugleich. Von Anbeginn gibt es also das Problem der Einheit der Differenz […].“ Damit wird nicht nur der paradoxe strukturelle Bezug des Sakralen auf sein Außen (das Profane) beschrieben, sondern auch die innere paradoxe Struktur des Heiligen evoziert, die im Rahmen verschiedener wissentschaftlicher Ansätze unterschiedliche begriffliche Prägung erhält: von der „coincidentia oppositorum“ eines Nikolaus von Kues, die Mircea Eliade in einen religions- und kulturwissenschaftlichen Begriff umgemünzt hat (vgl. ders.: Méphistophélès et l'androgyne ou le mystère de la totalité. In: Ders.: Méphistophélès et l'androgyne, Paris 1962, S. 95–154) über die Kontrastharmonie des mysterium fascinans und mysterium tremendum im Rahmen des religionspsychologischen Ansatzes Rudolf Ottos bis hin zur „Ambivalenz des Heiligen“, die im Rahmen der Religionsanthropologie und -soziologie im Rückgriff auf archaische und sog. primitive Kulturen von Robertson Smith, Hubert, Mauss, Durkheim und Hertz ausgearbeitet wurde. So zum Beispiel begreift Durkheim das Heilige als potentiell sowohl heilbringend (faste) als auch unheilbringend (néfaste) (wie Anm. 16, S. 111). Bei Robert Hertz wird die inhärente Ambiguität des Sakralen strukturalistisch als Verhältniss zwischen seinem linken und rechten Pol gefasst (La prééminence de la main droite. Étude sur la polarité religieuse. In: Revue philosophique 68 [1909], S. 553–580). Das Collège de sociologie schließlich (Bataille, Caillois, Leiris u. a.) vereint objektive und subjektive, rationale und irrationale Aspekte der Ambiguitätstheorie des Heiligen und entdeckt mit ihrer Hilfe Spuren des Heiligen in der modernen postsakralen Gesellschaft; vgl. Carlos Marroquìn: Die Religionstheorie des Collège de Sociologie: von den irrationalen Dimensionen der Moderne, Berlin 2005.

19 Luhmann (wie Anm. 16), S. 132.

20 Ebenda, S. 64: „Die dunkle Seite des Hervorbringens und Bewahrens der Formen bleibt in den religiösen Formen das in sie eingeschlossene ausgeschlossene Andere“ (S. 83): „Nimmt man die Religion konstituierende Differenz in ihrer ursprünglich konkreten Form als Differenz von vertraut/unvertraut, dann entsteht Religion erst durch ein re-entry dieser Form in die Form: durch einen Wiedereintritt der Differenz von vertraut/unvertraut ins Vertraute und Umgängliche. Denn nur so kann man das religiös Unvertraute (die Transzendenz) unterscheiden von dem, was bloß unbekannt oder ungewöhnlich ist. […] Im Vergleich zu den klassischen Religionssoziologien, die Religion durch Bereichsabgrenzungen, also durch einfache Unterscheidungen wie sakral/profan (Durkheim) oder außeralltäglich/alltäglich (Weber) charakterisiert haben, bietet uns die Figur des Wiedereintritts einer Unterscheidung in das durch sie unterschiedene den Zugang […] zu einem in der Religion immer verborgenen Paradox.“

21 Peter Strohschneider: Inzest-Heiligkeit. Krise und Aufhebung der Unterschiede in Hartmanns „Gregorius“ In: Ch. Huber u. a. (Hrsg.): Geistliches in weltlicher und Welt liches in geistlicher Literatur des Mittelalters, Tübingen 2000, S. 105–133, hier S. 105.

22 Immanuel Kant: Kritik der Urteilskraft, hrsg. v. G. Lehmann, Stuttgart 1976, S. 276.

23 Henri Bergson: Le rire. Essai sur la signification du comique (1900), Paris 1993.

24 Sigmund Freud: Der Witz und seine Beziehung zum Unbewussten, Frankfurt a. M. 2004.

25 Mikhail Bachtin: Literatur und Karneval, Frankfurt a. M. 1990, S. 49.

26 Joachim Ritter: Über das Lachen [1940]. In: Ders.: Subjektivität. Sechs Aufsätze, Frankfurt a. M. 1974, S. 76.

27 Vgl. Max Wehrli: Christliches Lachen, Christliche Komik? In: D. H. Green u. a. (Hrsg.): From Wolfram and Petrarch to Goethe and Grass, Baden-Baden 1982, S. 17–31, hier S. 27; Helmut Bachmeier: Nachwort zu: Texte zur Theorie der Komik, Stuttgart 2005, S. 122: „Dieses Paradoxon – und das Paradoxon als solches ist die Grundform aller Komik – muss aufgelöst werden – durchs Lachen“.

28 Vgl. Warning (wie Anm. 7), S. 110–117.

29 Berger (wie Anm. 4), S. 246, 253.

30 Vgl. Kathrin Kröll: Die mittelalterlichen Verkehrungsfeste junger Kleriker im Spannungsfeld von Liturgie, Kirchenpolitik und weltlicher Macht. Vortrag auf der Tagung „Staging festivity“ an der Freien Universität Berlin am 6. März 2008.

31 Vgl. Plessner (wie Anm. 15), S. 185: „Entgleitendes Hineingeraten und Verfallen in einen körperlichen Vorgang“.

32 Vgl. Werner Röcke, Hans Rudolf Velten (Hrsg.): Lachgemeinschaften, Berlin 2005.

 


Band 19 Vorwort


 

Band 19: Kontroversen in der Literaturtheorie / Literaturtheorie in der Kontroverse

 

RALF KLAUSNITZER, CARLOS SPOERHASE (Hrsg.):

Vorwort

Theoretische Umgangsformen mit Literatur und literarischer Kommunikation bilden eine zentrale Herausforderung der Philologien – und den Auslöser verschiedener, mitunter heftig und polemisch ausgetragener Konflikte. Fragen nach der spezifischen Qualität literarischer Texte, nach der Geltung von Bedeutungszuweisungen oder nach Kriterien für überzeugende Interpretationen führten ebenso zu Kontroversen wie die Konzeptualisierung literaturgeschichtlicher Verlaufsformen und ihre Verknüpfung mit inner- und außerliterarischen Kontexten. Diskussionen entzündeten sich aber auch an Prinzipien der editionsphilologischen Überlieferungssicherung, am Begriff des Autors als einer mehrfach dimensionierten Instanz im Text- und Literatursystem sowie am Status der Literaturwissenschaft und der von ihr erzeugten Wissensansprüche. Umstritten waren (und sind) einzelne literaturtheoretische Problemstellungen (deutlich etwa in Kontroversen um die angemessene theoretische Beschreibung von Fiktionalität) sowie grundlegende literaturtheoretische Ansätze (wie es z. B. Konflikte zwischen „Hermeneutik“ und „Dekonstruktion“ zeigen). Nicht zuletzt gab und gibt es Kontroversen um die Legitimität von literaturtheoretischer Forschung überhaupt.

Um diese sowohl wissenschaftsgeschichtlich wie wissenschaftstheoretisch aufschlussreichen Konflikte zu rekonstruieren, fand im Sommersemester 2006 am Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin die Veranstaltungsreihe Literaturtheorie in der Kontroverse statt. In deren Rahmen stellten Beiträger aus den Berliner Universitäten und auswärtiger Kapazitäten zentrale literaturtheoretische Debatten vor, analysierten Voraussetzungen wie Verlaufsformen von Dissensbildungen und erprobten so die Leistungsfähigkeit einer konflikthistorisch perspektivierten Wissenschaftsforschung. Nicht nur die fruchtbaren Diskussionen dieser Texte, sondern auch die gegenwärtig intensivierten Interessen an einer Wissenschaftsgeschichte der Literaturtheorie motivierten die Organisatoren und Herausgeber zur Drucklegung dieser – um weitere eingeworbene Beiträge ergänzten – Überlegungen.

Ausgangspunkt der hier versammelten rekonstruktiven Einsätze sind Fragen nach den kognitiven Leistungen und sozialen Funktionen von konfrontativ ausgetragenen Auseinandersetzungen bei der Erzeugung und Verbreitung von Wissensansprüchen. Die Leistungen und Funktionen der Kontroverse als epistemisches Genre sind vielfältig: In Debatten erläutern und präzisieren akademisch bzw. universitär verankerte Kontrahenten ihre Behauptungen und Prinzipien, positionieren sich selbst (wie auch den intellektuellen Opponenten) durch Selbst- bzw. Fremdzuschreibungen und markieren auf diese Weise epistemische wie soziale Frontlinien. Die wissenschaftshistorische Beobachtung von Kontroversen legt darüber hinaus Grundmuster und Verlaufsformen der Distribution wie der Durchsetzung wissenschaftlichen Wissens in besonderer Weise offen und ermöglicht eine Analyse der Strukturen adversativer Wissenskommunikation. Ihre Entstehung und Entwicklung zeigen zugleich, welche kognitiven, institutionellen oder persönlichen Beweggründe wissenschaftliche Konflikte motivieren und durch welche Strategien derartige Konflikte verschärft oder beigelegt werden.

Die wissenschaftshistorische Untersuchung dieser Kontroversen zielt auf die Wahrnehmungsweisen von intellektuellen Konflikten, auf die Begründungsmodelle für Kontroversen und auf die jeweils für geeignet erachteten Methoden der Dissensbehebung. In diesem Rahmen stellen sich Fragen danach, wie angemessen über intellektuell Strittiges zu disputieren ist, welche Normen die Konflikte regeln, welche institutionellen Räume des Konfliktaustrags zur Verfügung stehen, welche die kompetenten Instanzen der Konfliktlösung sind, welche publizistischen Darstellungsformen von Dissens als legitim gelten und wie sich die möglicherweise positiven epistemischen Effekte des Streits von seinen negativen sozialen Folgen abkoppeln lassen. Diese Fragen stellen sich aber nicht erst aus der Retrospektive des rekonstruierenden Historikers; es handelt sich dabei vielmehr um Fragen, mit denen sich auch die historischen Akteure befasst haben: Die in diesem Band enthaltenen wissenschaftshistorischen Untersuchungen bemühen sich deshalb immer auch darum, das Kontroversenverständnis der historischen Akteure zu rekonstruieren.

Die Analyseskizzen exemplarischer literaturtheoretischer Kontroversen reichen von der altphilologischen Kontroverse zwischen Friedrich Nietzsche und Ulrich von Wilamowitz-Moellendorff bis zu der neuphilologischen zwischen „Kulturwissenschaft“ und „Philologie“. Sie zeigen, dass es recht einfach sein mag, einen literaturtheoretischen Streit vom Zaun zu brechen, dass es aber bei weitem schwieriger ist, genau zu bestimmen, was das eigentlich ist: eine Kontroverse. Die Beiträge des Bandes rekonstruieren die epistemischen und institutionellen Konstellationen der jeweils gewählten Kontroverse und skizzieren die Positionen der Konfliktparteien. Sie beschreiben die Verfahren der Artikulation von Konsens und Dissens und legen übergreifende argumentative Strukturen der Auseinandersetzung frei. Schließlich markieren sie den ‚Ausgang‘ der diversen Debatten und erläutern ihre Bedeutung für die Entwicklung der relevanten Forschungsfelder. Alle Beiträge dokumentieren die Fruchtbarkeit einer Konfliktgeschichte, die Anschlusspotentiale für Wissenschaftsforschung wie für aktuelle Fragestellungen der Literaturtheorie bereitzustellen vermag. Der Wissenschaftsgeschichtsschreibung vermittelt sie neue Einsichten in die Verknüpfung von kognitiven und sozialen Faktoren; den gegenwärtig intensivierten Reflexionen zur systematischen Fundierung der textinterpretierenden Disziplinen kann sie historisches Wissen um die Tradition von Problemstellungen anbieten.

Somit verfolgt dieser Band ein doppeltes Interesse: Zum einen soll durch konzise Studien plausibel gemacht werden, dass die Kontroversengeschichte einen instruktiven und nützlichen Zugang zur Wissenschaftsgeschichte bzw. Denkgeschichte (Intellectual history) eröffnet; zum anderen soll die Hypothese, dass Kontroversen ein epistemisches Genre sind – d. h. der Produktion, Artikulation und Evaluation philologischen Wissens dienen können – an Fallbeispielen überprüft werden.

Nach einführenden und systematisch angelegten Erläuterungen zu theoretischen Umgangsformen mit Literatur durch RALF KLAUSNITZER und zur Kontroversenkultur in der Wissenschaft durch CARLOS SPOERHASE folgen Rekonstruktionen exemplarischer Kontroversen, die chronologisch angeordnet sind. Den Auftakt bildet der Beitrag von LUTZ DANNEBERG, der sich der polemischen Debatte zwischen Friedrich Nietzsche und Ulrich Wilamowitz-Moellendorff widmet. Er dokumentiert die Implikationen und Konsequenzen eines Streits um divergierende Textumgangsformen, der sich nach Nietzsches ,Auszug‘ aus der Philologie entzündete. Steht hier die Klassische Philologie im Zentrum, so thematisiert DORIT MÜLLER die im Jahrzehnt zwischen 1890 und 1900 stattfindenden Auseinandersetzungen zwischen Vertretern eines Faches, das sich gerade „prinzipienwissenschaftlich“ ausrichtete: Sie analysiert die Debatten innerhalb der sich konzeptionell vervielfältigenden Beschäftigung mit deutscher Literatur, die in Abgrenzung von historischen wie philologischen Umgangsformen zur Akzeptanz des Begriffs „Literaturwissenschaft“ führten und in eine mit dezidiert persönlichem Einsatz geführte Kontroverse zwischen Konrad Burdach und Eugen Wolff mündeten. Die etwa ein Jahrzehnt danach beginnende Auseinandersetzung zwischen den konkurrierenden Forschungsprogrammen der „positivistischen“ und der „geistesgeschichtlichen“ Literaturforschung umreißt HANS-HARALD MÜLLER. Er zeigt, dass der Begriff der „Kontroverse“ in Bezug auf die Selbst- und Fremddeutungen wissenschaftlicher Kollektivakteure und deren salvierende bzw. stigmatisierende Zuschreibungen zu präzisieren ist – denn gerade die Disqualifikation des so genannten Positivismus als konzeptionsloser Faktizismus kann als exemplarisches Beispiel für die (historisch erfolgreiche) Modellierung eines intellektuellen Feindbildes zu eigenem Distinktionsgewinn gelten. Ausgetragen werden derartige Konflikte in einer historischen Konstellation, in der eine nachrückende Generation sich gegen die bisherige Einrichtung des Faches wandte und eine „Krise“ bzw. den „Verfall“ der eigenen Zunft konstatierte. Als exemplarisches Beispiel für einen derart strukturierten Dissens behandelt WOLFGANG HÖPPNER die Stellungnahmen zu Friedrich Gundolfs Goethe-Buch, das zwischen 1916 und 1922 insgesamt 65 Rezensionen erntete, in zahlreiche europäische Sprachen sowie ins Japanische übersetzt wurde und zu einer kritischen Reflexion der Grundlagen von Literaturgeschichtsschreibung führte.

Einen zeitlichen Sprung vollziehen die nachfolgenden Beiträge, die sich literaturtheoretischen Kontroversen nach 1945 widmen. MARKUS WILD eruiert die Hintergründe der bereits vielfach ausgewerteten Debatte zwischen dem Philosophen Martin Heidegger und dem Philologen Emil Staiger; ANDREAS DITTRICH dokumentiert die Einwände Theodor W. Adornos gegen Heideggers Umgang mit (literarischen) Texten. TILMANN KÖPPE analysiert die interpretationstheoretische Kontroverse über den hermeneutischen Intentionalismus, die zwischen den werkimmanenten Positionen Monroe C. Beardsleys und William K. Wimsatts einerseits und der autorintentionalistischen Position E. D. Hirschs andererseits entbrannte. MARCEL LEPPER stellt den im Herbst 1966 in Baltimore veranstalteten Kongress The Languages of Criticism and the Sciences of Man und seine Wirkungen auf strukturalistische bzw. poststrukturalistische Theoriebildung vor. Während der Kongress als Rezeptionsrelais des in Europa und namentlich in Frankreich auf dem Höhepunkt befindlichen Strukturalismus geplant war, setzte mit ihm als nichtintendierter Effekt die Kontroverse um den Strukturalismus ein. Jacques Derrida, der zum „Star“ der Tagung avancierte, agierte ein Jahrzehnt später als Antagonist in einer inzwischen vielfach ausgedeuteten und durch DIRK WERLE vorgestellten scharfzüngigen Debatte mit John Searle. Ähnlich polemisch ging es im Schlagabtausch zwischen Stanley Fish und Wolfgang Iser zu, den TOM KINDT nachzeichnet und der nach der Veröffentlichung von Isers The Act of Reading stattfand. Eine von 1975 bis in die Gegenwart reichende Kontroverse um literaturtheoretische Probleme der Editionsphilologie rekonstruiert GIDEON STIENING am Beispiel der durch D. E. Sattler im Verlag Roter Stern veranstalteten Hölderlin-Ausgabe. Die Auseinandersetzungen um die Frankfurter Ausgabe zeigen, unter welchen Bedingungen die literaturtheoretischen Fragen nach Werk- und Textbegriff zu editionsphilologischen Konflikten führten und in welcher Weise externe wie interne Faktoren auf deren Verschärfung wirkten. RALF KLAUSNITZER und GUIDO NASCHERT geben eine Übersicht über gattungstheoretische Debatten und behandeln die Auseinandersetzung von nominalistischen und realistischen Positionen, die Kontroverse zwischen Chicago Aristoteleans und New Criticism sowie den Streit um Klaus W. Hempfers 1973 veröffentlichte Studie zur Gattungstheorie. JULIA MANSOUR rekonstruiert die Rezensionen und Repliken, die auf Käte Hamburgers einflussreiche Monographie Die Logik der Dichtung folgten. OLIVER MÜLLER untersucht am Fallbeispiel von Hans Blumenberg die Kontroversenformen, die für die Forschungsgruppe Poetik und Hermeneutik charakteristisch waren.

In Debatten der letzten zwei Jahrzehnte und der unmittelbaren Gegenwart führen die letzten Beiträge. MATTHIAS AUMÜLLER konturiert die Opposition zwischen Strukturalismus und Kognitivismus in der neueren Narratologie. MARKUS JOCH widmet sich der Auseinandersetzung zwischen Luhmann’scher Systemtheorie und Bourdieu’scher Feldtheorie. JUDITH FRÖMMER rekonstruiert die konfliktiven Lektürevorgänge, die sich im hermeneutischen Dreieck zwischen Rousseau, Paul de Man und Jacques Derrida abspielen. CHRISTINA WALD stellt in der mit hohem polemischen Einsatz geführten Kontroverse zwischen Martha C. Nussbaum und Judith Butler den Kampf eines „old style“-Feminismus gegen poststrukturalistische Gender-Theorien dar. CHRISTOPHER MÖLLMANN widmet sich der kulturtheoretischen Debatte zwischen Stefan Collini und Francis Mulhern, die über weite Strecken auch um den Kritikbegriff kreist. KATRIN FISCHER schließlich führt mit der zwischen Walter Haug und Gerhart von Graevenitz geführten Debatte über eine kulturwissenschaftliche Ausrichtung der Literaturwissenschaft eine aktuelle Auseinandersetzung vor.

Für die stets hilfsbereite und beispiellos kontroversenfreie Unterstützung bei der Organisation der Vortragsreihe und der Herstellung des Bandes möchten wir Wolfgang Höppner und Brigitte Peters danken; redaktionelle Unterstützung gewährten Ann-Sophie Barwich, Stefanie Bley und Ingrid Pergande-Kaufmann, denen die Herausgeber gleichfalls zu Dank verpflichtet sind.Zu danken ist schließlich auch Lutz Danneberg, an dessen Lehrstuhl die Herausgeber unter ausgesprochen förderlichen Bedingungen arbeiten konnten und dessen Art der Problemstellung und Problembearbeitung immer wieder anspornte. (1)

 

Die Herausgeber, Juli 2007

 

(1) Der Kupferstich auf der ersten Umschlagseite ist entnommen aus: Giovanni Colacicchi: Antonio del Pollaiuolo, eingel. u. übers. v. Eckart Peterich, Florenz 1943.

 


 

Band 18 Vorwort


 

Band 18: Licht, Glanz, Blendung. Beiträge zu einer Kulturgeschichte des Leuchtenden

 

Einleitung

Der Geschichte der skopischen Regime des Abendlandes stand seit der Antike eine Lichthegemonie zur Seite, die die jeweiligen Vorstellungen über das Sehen und die Konventionen des Blickens prägte, die Repräsentation von Herrschaft ebenso wie die Kommunikation mit dem Transzendenten, die Inszenierung von Heil ebenso wie die Theorien der Erkenntnis. Lange bevor Licht zum scharf schneidenden Werkzeug und zum geschwinden Datenträger werden konnte, hat sich die Kulturgeschichte der Bearbeitung von Licht als Versuch entfaltet, die Schöpfungsgeste des ersten Tages zu wiederholen und Licht dorthin zu bringen, wo es fehlt. Medien des Mittelalters und der Neuzeit stiften dabei nicht nur diejenige Helligkeit, die für das Sehen notwendig ist, sondern setzen Lichtpunkte, inszenieren Licht als Erfahrung von Glanz, Blendung, Halbschatten und Dunkelheit.
Die in diesem Band versammelten Beiträge sind hervorgegangen aus einer Tagung, die im Mai 2006 am Herrmann von Helmholtz-Zentrum für Kulturtechnik der Humboldt-Universität zu Berlin im Rahmen der Forschergruppe Schrift – Bild – Zahl stattgefunden hat. Initiiert durch die langjährige Arbeit von Horst Wenzel zur Visualität höfischer Kultur, sollte es das interdisziplinäre Treffen, das seine Schwerpunkte in Mittelalter und beginnender Neuzeit fand, ermöglichen, Ästhetik und Experiment, Metaphysik und Metaphorik, Geistesgeschichte und Technikgeschichte unter den Stichworten Licht, Glanz, Blendung zusammenzuführen.
Den zahlreichen Fallstudien, die in loser chronologischer Ordnung den zweiten Teil des Bandes bilden, sind vier Beiträge vorangestellt, die sich in Form eines Überblicks je bestimmten Aspekten der Begriffs-, Geistes-, Wissens-, Kultur- und Technikgeschichte des Lichts widmen. Von ihnen aus lassen sich Themenstränge durch den Band ziehen, von denen einer etwa Licht und Glanz mit Herrschaft und Repräsentation verbindet. Die Beiträge von Thomas Macho, Karl Brunner, Christina Lutter, Claudia Brinker-von der Heyde, Christof L. Diedrichs, Ana Ofak und Erika Fischer-Lichte wären hier zu nennen. Den Zusammenhang von Licht und Wissen, Erkennen und Sehen schildern aus begriffsgeschichtlicher Perspektive und aus der Sicht der historischen Anthropologie die Überblicksdarstellungen von Haiko Wandhoff und Klaus Thieme sowie die Beiträge von Ulrich Ernst, Jörn Münkner und Moritz Wedell. Den Zusammenhang von Lichttheorie und Ästhetik verfolgen Haiko Wandhoff, Daniela Hammer-Tugendhat und Ana Ofak, den von Licht und Technik Wolfgang Coy, Ulrich Ernst und Erika Fischer-Lichte. Neben den Lektürepotentialen dieses Kombinationsspiels, das hier keinesfalls erschöpfend ausgeführt ist, dokumentieren die Studien, wie Licht in der langen Geschichte seiner abendländischen Hegemonie – je nach Maßgabe seiner Inszenierung in Medien oder seiner Verwendung als Medium, seiner wissenschaftlichen Deutung oder metaphorischen Bedeutungskraft – dazu angetan ist, zugleich Episteme zu konturieren, als auch diese in höchst ambivalenter Performanz zu unterlaufen.
HAIKO WANDHOFF (Von der kosmischen Strahlung zu inneren Erleuchtung. Mikrokosmische Perspektiven einer Kulturgeschichte des Lichts) eröffnet die Reihe der vier einführenden Texte. Ausgehend von der Engführung von Licht und Äther einerseits und der Verbindung von Äther und Pneuma andererseits zeigt er eine doppelte Nobilitierung des Sehens auf. Zum einen insofern die Vorstellung eines pneumatischen Sehstrahls das fleischliche Auge medial an den Äther zurückbindet, zum andern insofern das geistige Auge für die Erkenntnis der Wahrheit zunehmend Relevanz gewinnt. Besonders die mittelalterliche Kunst und Literatur sei darauf angelegt, dieser Vorstellung durch mannigfaltige Inszenierungen des Leuchtenden zu antworten. Ein Ausblick in die Neuzeit, in der nach der „metaphorischen und metaphysischen Prämierung“ des Gesichtssinns Licht nun auch technisch verfügbar geworden ist, zeigt, dass es nichtsdestoweniger an Topoi des Mythischen und Unerklärlichen geknüpft bleibt.
KLAUS THIEMEs Wortgeschichte (Worte des Lichts – Licht der Worte. Anmerkungen zur Geschichte des Lichts) rekonstruiert den etymologischen Zusammenhang von „Licht, Sein und Wahrheit“ aus den indogermanischen Wurzeln der griechischen und lateinischen Ausdrücke für Licht, Sehen, Zeigen, Sagen, Erscheinen(lassen) und Wissen, der in eine Geistesgeschichte der Erhellung und Verdunkelung mündet. Diese zeigt, wie die mythologische Vorrangstellung einer Dunkelheit, die durch die Kombination von Licht, Wissen und Wort nur schlaglichtartig erhellt werden kann, sich zu derjenigen platonischen Lichthegemonie wandelt, die die christlich-abendländische Geistesgeschichte für lange Zeit bestimmen soll. In ihrem Zentrum jedoch steht das Licht der Ideen, das durch das Wort nicht mehr erreicht und nur im Inneren, mit dem geistigen Auge, wahrgenommen werden kann.
Spannungen, die quer zu der Trias von Lichtmetaphysik, -metaphorik und -technik verlaufen, untersucht THOMAS MACHO (Licht und Fest. Konflikte zwischen Sonne und Feuer in der europäischen Kulturgeschichte). Ausgehend von der religionsgeschichtlichen Gegenüberstellung von alttestamentarischem Feuergott und ägyptischem Sonnenkult zeichnet er den Agon zwischen Feuer und Sonne nach, der erst im „Siegeszug des künstlichen Lichts“ sein Ende findet und der in politischen Legitimationsstrategien ebenso manifest wird wie in Zeitkonzepten und ihrer Computistik. In den Berechnungen Bedas, aber auch noch in den Sonnenlochmessungen Toscanellis wird dabei die Frage nach dem ‚Wann‘ der christlichen Lichtfeste untersucht, an denen das Licht in seinem astronomischen Zyklus, im metaphorisch-christlichen Sinn, vor allem aber als leuchtende Inszenierung zurückkehrt.
Techniken, die auf die Nutzbarmachung von Licht abzielen, stellt der Beitrag von WOLFGANG COY (Licht als Botschaft und Information) vor. In einem weiten historischen Bogen, der von den legendären antiken Signalfeuern über die wetterfühlige optische und erfolgreichere elektro-magnetische Telegraphie bis zu den Lasern und Lichtwellenleitern des letzten Jahrhunderts verläuft, schildert er eine Medien(vor)geschichte der Kommunikation mit Licht, deren Möglichkeiten noch bei weitem nicht ausgeschöpft sind. Neben den Fragen der Signalübertragung stellen dabei heute, wie an CD und DVD ersichtlich, einerseits die optischen Speicher, ihre Haltbarkeit und Lesbarkeit, ein Problem dar, andererseits bremsen vergleichsweise träge elektronische Prozessoren die geschwinden Lichtsignale im Moment ihrer Verarbeitung aus. Coys Mediengeschichte des Lichts endet entsprechend mit einem Blick auf diejenigen Herausforderungen, denen man zukünftig mit holographischen Speichern und optischen Prozessoren begegnen zu können hofft.
ULRICH ERNSTs Beitrag (Leuchtschriften. Vom Himmelsbuch zur Lichtinstallation) beschreibt in seinem ersten Abschnitt, wie in Antike und frühem Mittelalter mythische Sternschriften und Sternbilder im ‚Buch der Natur‘ sowie christlich visionäre Lichtzeichen zur Anschrift und materialiter ins Buch und zur Farbe gelangen. Damit ist die Geschichte einer Mise en page angesprochen, die Chrysographie und figuralen Text gleichermaßen zu nutzen weiß, und also dem brillanten Material das ikonische Potential der Schrift zur Seite stellt. In einem zweiten Abschnitt zeigt sich für die frühe Neuzeit eine Trennung von Form und Funktion der solaren und stellaren Textfiguren, die nun nicht mehr nur mythisches oder christliches Weltwissen konturieren, sondern etwa als Gratulationsgedichte zur Gebrauchs- oder Gelegenheitsform werden können. Der letzte Abschnitt legt Beispiele aus der bildenden Kunst der Neuzeit seit dem Ende des 19. Jahrhunderts vor, die an ältere Formate anknüpfen und neue Darstellungsformen entwickeln.
CLAUDIA BRINKER-VON DER HEYDEs Wortfeldanalyse zu Lieht, schîn, glast und glanz in Wolframs von Eschenbach „Parzival“ fragt nach der textinternen semantischen Differenzierung des Leuchtenden im genannten Gralsroman. In drei Abschnitten, die je einem Begriff (bzw. im Falle von glast und glanz einem komplementären Begriffspaar) gewidmet sind, werden Unterschiede zwischen dem Lichten als Synonym weltlicher Schönheit und dem endogenem Strahlen als Auszeichnung einzelner Figuren, zwischen blendendem Glast und noblem Glänzen herausgearbeitet, die die erzählte Welt und ihr Personal in eine eigene Hierarchie des Beleuchtetwerdens und Selbstleuchtens, der weltlichen Noblesse und des transzendenten Lichts eintragen. Mit dem schîn jedoch, der auf die Wahrnehmung des Äußeren abzielt, ist dabei eine Begrifflichkeit aufgerufen, die in enger Verbindung zu ‚Repräsentation‘ steht und damit die Frage nach dem Abgleich von Erscheinen und Erkennen, von Sein und Schein offen hält und „ein eindimensionales Verstehen“ des Textes verhindert.
KARL BRUNNER und CHRISTINA LUTTER untersuchen in ihrem Beitrag Der Glanz des Heiligen und das Licht ihrer Töchter Metaphern und Bilder von Bräutigam, Braut und Mutter vor dem Hintergrund sowohl einer traditionellen Metaphorik des Diaphanen und Leuchtenden als auch einer zeitgenössischen Lichtversessenheit. Diese wird manifest etwa in den Hochzeitsinszenierungen Hildegards von Bingen oder in den Schilderungen des Hortus deliciarum. Ein besonderes, weil kontextspezifisches Beispiel bieten dabei Schriften aus dem Reformkloster Admond, die nicht nur eine vergleichbare Inszenierung der Bräute Christi vermuten lassen wie in Bingen, sondern die in der miracula-Sammlung auch narrative Selbstbeschreibungen der strahlenden Dienerinnen Gottes vorlegen. Diese zeigen, dass bei der Aneignung komplexer theologischer Modelle, wie sie etwa in der Lichtmetaphorik ihren Ausdruck fanden, Widersprüche nicht gemieden wurden und als unterschiedliche „Auslegungsmuster“ nebeneinander bestehen konnten.
Um klösterliche Selbstversicherung und Repräsentation geht es auch CHRISTOF L. DIEDRICHS (Glänzende Geschichte. Zum so genannten Reliquienkasten Heinrichs I. im Schatz der Stiftskirche zu Quedlinburg), der fragt, warum der ‚Heinrichskasten‘, ein geschlossenes und „auffällig plumpes“ Reliquiar aus der ersten Hälfte des 13. Jahrhunderts, sich gerade gegen den Trend zur „Sichtbarkeit der Reliquie“ stellt, den die Kunstgeschichte, nicht zuletzt auch der Verfasser selbst, für das späte 12. und beginnende 13. Jahrhundert beschrieben hat. In einer detaillierten Analyse, sowohl des scheinbar seitenverkehrten Aufbaus des Kastens als auch seiner Entstehungsgeschichte kann gezeigt werden, wie dieses Reliquiar nicht allererst für die Präsentation von Reliquien angelegt ist, sondern zur „Bühne“ für altehrwürdige Elfenbein- und Walrosszahnspolien wird, die durch ihre Herkunft dazu angetan sind, das Frauenstift als Stiftung Kaiser Heinrichs I. auszuweisen, um so im Streit mit dem Bischof von Halberstadt den eigenen Status zu demonstrieren.
Für politische Verhandlungen werden z. T. auch diejenigen Lichtphänomene funktionalisiert, die JÖRN MÜNKNER (Himmlische Lichtspiele in frühneuzeitlichen Einblattdrucken) vorstellt. Zeigt er in einem ersten Abschnitt die Bandbreite der Verwendung von Licht in Bild und Metaphorik von Flugblättern, so widmen sich der zweite und dritte Abschnitt den Darstellungen und Erläuterungen von Kometen und Himmelserscheinungen. Die Inszenierungen und Kommentare solcher Lichtwunder variieren zwischen dem Erschrecken vor göttlicher Warnung und dem Beginn naturwissenschaftlich interessierter Faszination gegenüber dem leuchtenden bzw. sich verdunkelnden Spektakel, wobei sich auch ein Nebeneinander beider Positionen nicht ausschließt. Dass dabei die ‚Botschaften Gottes‘ im ‚Buch der Natur‘ auch in höchst dubiosen Erscheinungen, wie etwa einer gut sichtbaren himmlischen Seeschlacht gelesen werden wollten, unterstreicht die Gleichzeitigkeit unterschiedlicher Episteme.
Im Zentrum des Paradigmenwechsels vom theologischen zum naturwissenschaftlich orientierten Weltbild scheint sich auch Caravaggios Malerei zu bewegen, wie sie von DANIELA HAMMER-TUGENDHAT (Gott im Schatten? Zur Bedeutung des Lichtes bei Caravaggio und Rembrandt) vorgestellt wird. In der Berufung des Matthäus, so zeigt sie, macht die Verwendung eines ‚realen‘ Lichtstrahles, der gerade nicht gezielt den Auserwählten illuminiert und auch Christus und Petrus im Schatten stehen lässt, wahrnehmbar, was (noch) nicht denkbar und formulierbar ist: eine Unterordnung des Göttlichen unter das natürliche Licht, das die Optiken des späten 16. und des 17. Jahrhunderts erst neu zu beschreiben beginnen. Auch Rembrandt, der als Nachfolger Caravaggios begriffen werden kann, bietet – durch die Qualität des abgebildeten Lichtes ebenso wie durch eine unebene, selbst reflektierende Bildoberfläche – den gleichzeitigen Anschluss an Lichttheologie und neuzeitliche Optik als ,Synopse‘, die sich besonders im Bild realisieren lässt.
In den Kontext eines der Strahlentheorie verpflichteten wissenschaftlichen wie spektakulären Interesses an Spiegelphänomenen stellt MORITZ WEDELL (Licht, Sicht und Liebe zwischen literarischer Tradition und technischer Innovation in Giovan Battista Andreinis Komödie ‚Armor nello Specchio‘ [1622]) das genannte Stück der Commedia dell’arte. In drei Schritten wird gezeigt, wie durch die Fähigkeit des Spiegels, anderes erscheinen zu lassen als nur das Gesicht vor ihm, diese zentrale Requisite dazu angetan ist, traditionelle literarische Topoi, die Lieben und Sehen, Begehren und Spiegeln miteinander verbinden, aufzugreifen und um das Moment des zufälligen Lichtstrahls und der jähen Überblendung dramatisch zu erweitern. Der Spiegel, als didaktisches und optisches Instrument zugleich, wird dabei auch zur Metapher für ein Theater, das die komischen Anomalien und seltsamen Überblendungen, die es vorführt, als korrigierenden Blick legitimieren will, als reflexives und überraschendes Wahrnehmungsangebot, in dessen Logik die pompöse Simulationsmaschinerie des Hoftheaters gerade nicht greift.
Die Verbindung zwischen der ästhetischen Inszenierung von Licht und seiner Theorie erläutert auch ANA OFAK (Lichte Wellen. Optische Medien, experimentelles Wissen und Lichtspiele um 1670). Im Zentrum ihres Beitrages steht die Wende von der geometrischen Optik zur Wellentheorie des Lichts, die Christiaan Huygens entwickelte. Der Mathematiker, Astronom, „forschende Utilarist“ und Linsenschleifer in Personalunion verband dazu die theoretische Arbeit an der Optik einerseits mit einer genauen Materialkunde und der Optimierung ihrer Untersuchungsinstrumente. Initiierten der Dopplungseffekt des von ihm experimentell verwendeten Kalkspat und das Funkeln geschnittener und polierter Bergkristalle hier die Wellentheorie des Lichts, so lag ihnen andererseits auch der Effekt des facettengeschliffenen Kristallbehangs barocker Kronleuchter zu Grunde. Damit treffen sich im Schillern der barocken Lichtinszenierung das vornehmste Moment höfischer Repräsentation und der Ausgangspunkt einer neuen Optik.
Das Beispiel einer aufwändigen Inszenierung stellt ERIKA FISCHER-LICHTE an den Beginn ihres Beitrags Beleuchtung, Erleuchtung, Verklärung. Über praktische, symbolische und performative Funktionen des Lichts im Theater. An der Lichtregie der Aufführung der Erstürmung des Winterpalais vom November 1920 mit großem Feuerwerk und immenser Scheinwerferarmatur werden die genannten Funktionen des Lichts exemplifiziert, um dann in drei Überblicksgeschichten des Theaterlichts seit dem Beginn der Neuzeit ausgeführt zu werden. Dabei wird ersichtlich, dass Licht das Verhältnis von Akteur und Publikum ebenso bestimmt, wie es das der Zuschauer untereinander prägt. Dem zur Seite steht eine Semiotik des Theaterlichts, das an die Dichotomie zwischen Hell und Dunkel anknüpft, jedoch auch Handlungsräume skizzieren kann. Als dominant wird dabei die performative Funktion verstanden, bei der sich als spezifische Wahrnehmungserfahrung, etwa einer besonderen Atmosphäre oder schlicht als Blendung, vollzieht, was gezeigt werden soll.(1)

 

Christina Lechtermann, Oktober 2007

 

(1) Wir danken Kathrin Kiesele, Timm Reimers und Robert Schulz für die Unterstützung bei der Manuskriptbearbeitung sowie Ulrich Ernst für die freundliche Abbildgenehmigung auf der ersten Umschlagseite (aus: Jeremy Adler, Ulrich Ernst: Text als Figur. Visuelle Poesie von der Antike bis zur Moderne, Weinheim ³1990 [Ausstellungskataloge der Herzog August Bibliothek, Bd. 56], Abb. 57, S. 108).

 


 

Band 17 Vorwort


 

Band 17: Im Pausenraum des ,Dritten Reiches'. Zur Populärkultur im nationalsozialistischen Deutschland

 

CARSTEN WÜRMANN; ANSGAR WARNER

 

Ermöglichten sie Erholung vom harten NS- und Kriegsalltag? Dienten sie als Transportmittel für Eskapisten? Oder waren es doch erfolgreiche Instrumente der Propaganda und der Integration? Produkte einer modernen, vor allem der Unterhaltung dienenden Populärkultur (1) wie Kinofilme, Schlager, Radiosendungen, Unterhaltungsromane, Magazine und Illustrierte waren trotz kriegsbedingter Einschränkungen bis zum Ende des Regimes zentraler Bestandteil des Alltags im nationalsozialistischen Deutschland. Wurden sie auch zumindest von einzelnen Gruppen innerhalb des NS-Herrschaftsgefüges als Erscheinungen einer zu überwindenden Zeit von ideologischer Warte aus scharf kritisiert, so forcierten die Machthaber doch nach 1933 die Entwicklung und Optimierung neuer Medientechniken wie neuer populärer Formen und damit den Ausbau einer Kulturindustrie in einer auf Massenkonsum orientierten Wirtschaftsgesellschaft. Sie hatten allerdings die Absicht, die Populärkultur im Interesse ihrer Herrschaft zu bestimmen und zu beeinflussen. Diesen Anspruch unterstrichen sie gleich nach der Machtübernahme durch die Einrichtung eines für diese Belange zuständigen Reichsministeriums für Volksaufklärung und Propaganda und einer dem Ministerium zugeordneten Reichskulturkammer, die alle die (Populär-)Kultur betreffenden Berufsgruppen umfasste.
Die unter diesen Umständen produzierte erfolgreiche Unterhaltung – und erfolgreich waren viele der Filme, Schlager und Bücher auch über das Ende des ,Dritten Reiches‘ hinaus – jedoch in jedem Fall als eindeutige und gelungene Umsetzung von Propagandakonzepten anzusehen, bedeutete die Wiedereinsetzung der Mär vom vermeintlich genialen wie diabolischen Propagandagenie und dem verführten Volk. Etwas, das populär sein und gut unterhalten soll, lässt sich zwar mit viel Aufwand propagieren, dass es dann aber auch wirklich unterhält, dass es populär und geschätzt oder gar geliebt wird, ist ein Prozess, der sich dem Verordnungswege entzieht. Der Konsument kann das angebotene Produkt ablehnen bzw. nicht rezipieren, und damit bleibt ihm zumindest die eingeschränkte Möglichkeit einer Negativauswahl.
Populärkultur unterhält, sonst ist sie keine, und die Propaganda mit und in ihr findet da ihre Grenze, wo das Produkt diese Funktion nicht mehr erfüllt und sich die Konsumenten nicht mehr unterhalten fühlen. Diese populäre Unterhaltungskultur erweist sich so in ihrem inhärenten Zwang, auf Massenbedürfnisse einzugehen, weniger als ein nach Maßgabe der Machthaber einzusetzendes Herrschaftsmittel denn als Ergebnis eines Aushandlungsprozesses für einen Massengeschmack – auch unter NS-Vorzeichen –, der die Interessen und Intentionen von Produzenten, die Versuche der Steuerung und Lenkung mit den Erwartungen und Reaktionen der Rezipienten vermittelt.
Die Populärkultur war Teil eines NS-Alltags, dessen Gestaltung bzw. Formierung zwar ein erklärtes Ziel der Machthaber darstellte, das aber selbst unter den Bedingungen einer totalitären Diktatur nicht ohne weiteres umzusetzen war. Auch nachdem spätestens mit Beginn des Krieges über die Rohstoffzuteilung die Möglichkeit für eine weitgehende Kontrolle und Lenkung der Unterhaltung insgesamt gegeben war, bestand weiterhin eine gewisse Breite und Varianz im Angebot. Diese musste es im Sinne des Unterhaltungsgebots auch geben, sollten die Leser, Hörer und Kinozuschauer im Krieg von den Härten und Sorgen des Alltags abgelenkt werden. Etwaige Propagandaabsichten hatten sich dieser Prämisse unterzuordnen oder sie doch zumindest als gleich wichtig zu berücksichtigen.
Eine Einschätzung, inwieweit die Propagandaabsichten umgesetzt wurden und die ideologische Indienstnahme erfolgreich war, hängt dabei immer auch von dem Maß an Indoktrinationspotential ab, das man Produkten der Populärkultur überhaupt zugestehen will. Taten, Haltungen oder Meinungen stehen in der Regel in einem komplexen Kontext und sind nur selten unzweifelbar konkreten Propagandabemühungen zuzuordnen. Zudem schließt die Abnahme eines Produktes nicht zwingend die Annahme der intendierten Botschaften ein. Möglich bleibt das Missverstehen, das Beharren auf abweichenden oder gar gegenläufigen Interpretationen, wenngleich sich solche im Rezeptionsraum ,Drittes Reich‘ kaum auf weitere Verweiszusammenhänge stützen konnten.
Es bleibt allerdings zu konstatieren, dass diese Populärkultur, selbst wenn das NS-Regime sie nicht im eigentlich ideologisch gewünschten Sinne – wie auch immer dieser angesichts divergierender (Unterhaltungs-)Kulturkonzepte im polykratischen Herrschaftssystem der Nationalsozialisten ausgesehen hätte – gestalten (oder ganz verbieten) konnte, das ,Dritte Reich‘ anscheinend gut unterhielt und damit einen Beitrag zur Stabilisierung eines Gesellschaftssystems leistete, das bis zur Unterwefung durch die Alliierten zumindest so gut funktionierte, dass es bis zuletzt die massenhafte und systematische Ermordung von zu rassischen und ideologischen Gegnern erklärten Menschen betreiben konnte.
Dem NS-Regime gelang es, eine Populärkultur zu kreieren bzw. weiterzubetreiben, deren einzelne Produkte sich – vielleicht sogar in der Mehrzahl – durchaus auch als im engeren Sinne nicht-nazistisch oder in einzelnen Fällen gar als oppositionell rezipieren ließen, die aber im Ganzen kaum im fundamentalen Widerspruch zum System standen. Die Populärkultur war systemkonform und Teil einer Lebenswelt, die für die große Mehrzahl der deutschen ,Volksgenossen‘ keine zwölf Jahre voller Entbehrungen und Todesfurcht bedeutete, in der es sich im Gegenteil sogar recht kommod leben ließ und die Freuden und Vergnügungen bereithielt. Wer wollte, dem ermöglichte die Populärkultur Tagträumereien und temporäre Fluchten aus diesem NS-Alltagsraum. Sie fungierte und funktionierte freilich nicht als dauerhafte Fluchtmöglichkeit, sie war lediglich der Pausenraum, (2) in dem man sich vom laufenden Betrieb erholen konnte, der grundsätzlich aber selbst immer ein funktionaler Bestandteil der Einrichtung blieb und eben keinen dauerhaften Ausgang anbieten konnte.
Die Beiträge dieses Bandes untersuchen, um im Bild zu bleiben, die Ausstattungselemente des Pausenraumes, sie analysieren erfolgreiche Produkte der Populärkultur und verorten sie im Kultur- und Propagandabetrieb des ,Dritten Reiches‘. Der erste Teil des Bandes markiert mit zum Teil bisher kaum in diesem Kontext berücksichtigten Medien wie Flugblatt, populärwissenschaftlicher Zeitschrift, Autobahnbühne und Kulturfilm die Breite des medialen Spektrums, die man bei der Betrachtung der Populärkultur im Nationalsozialismus in den Blick zu nehmen hat. Der Schwerpunkt der beiden weiteren Abschnitte zu populären Genres der NS-Literatur und den biographischen Fallstudien liegt bei der unterhaltenden Literatur, wobei die hier gewonnenen Erkenntnisse auch für andere Bereiche anschlussfähig sind. Die Beiträge veranschaulichen die Herstellungsbedingungen in der NS-Kulturindustrie, sie machen sichtbar, wieviel Raum Autoren und privatwirtschaftlich agierenden Verlegern blieb, und demonstrieren, welche Schreib-, Marketing- und Verkaufsstrategien den größten Erfolg versprachen. Sie verdeutlichen, wie weit sich NS-Ideologie und gute Unterhaltung miteinander kombinieren ließen und in welchem Maße diese Verbindung an die Grenzen der Logik einer kapitalistisch organisierten Kulturproduktion stieß und mit den Ansprüchen eines totalitären Regimes kollidierte.
Die Untersuchungen zum medialen Spektrum der Populärkultur im Nationalsozialismus eröffnet DORIT MÜLLER mit ihrem Beitrag Populärwissenschaftliche Zeitschriften im ,Dritten Reich‘ zu dem von der Forschung bisher weitgehend vernachlässigten Bereich der massenwirksamen Vermittlung wissenschaftlicher Erkenntnisse. Hier gab es auch nach 1933 eine beeindruckend vielfältige Zeitschriftenkultur. Anhand zweier bereits lange vor dem ,Dritten Reich‘ etablierter Zeitschriften, dem mit einer Auflage von über 100.000 auf diesem Feld erfolgreichsten Kosmos-Magazin der Gesellschaft der Naturfreunde und der seit 1909 vom Kepler-Bund herausgegebenen Zeitschrift Unsere Welt, umreißt sie das breitgefächerte Feld populärwissenschaftlicher Betätigung im ,Dritten Reich‘. Die beiden Zeitschriften repräsentieren geradezu entgegengesetzte publizistische Konzeptionen. Während das Kosmos-Magazin auf die Veränderungen nach 1933 zwar mit demonstrativer Anpassung an das System reagierte, sonst aber vor allem weiterhin markt- und werbestrategisch operierte und sich am Geschmack des Massenpublikums orientierte, auf seine Bedürfnisse nach Unterhaltung einzugehen hatte und durch ausgeklügelte Werbestrategien seine Abnehmerzahl halten und steigern musste, beanspruchte die Zeitschrift Unsere Welt von Beginn an Weltdeutungs- und Erziehungsfunktionen. Damit forderte sie die zuständigen Stellen heraus und wurde trotz vorhandener ideologischer Nähe bereits 1941 eingestellt, während das Kosmos-Magazin, dessen Macher sich weitgehend von politischen und weltanschaulichen Debatten fernhielten und weiter auf ein breites Themenspektrum und die bewährten modernen Formen der Leserrekrutierung und -bindung setzten, bis zum September 1944 weiter erscheinen und nach 1945 bruchlos die vorherige Erfolgsgeschichte fortschreiben konnte.
Einen weiteren bedeutenden Teil der Populärkultur, der trotz seiner weiten und vielfältigen Verbreitung gleichfalls wenig in der Betrachtung der zeitgenössischen Unterhaltungsmedien präsent ist, stellt der deutsche Kulturfilm dar. Die ab 1933 gültige Vorgabe, in den Kinoveranstaltungen vor jedem Spielfilm auch einen Kulturfilm zu zeigen, brachte diese Filme einem großen Publikum nahe und führte zu einer erheblichen Ausweitung der Produktion. Fast 12.000 nichtfiktionale bzw. semidokumentarische Filme wurden im ,Dritten Reich‘ von der Ufa-Kulturfilmabteilung und einer Vielzahl von Klein- und Mittelbetrieben hergestellt. Obgleich der Anteil von Kulturfilmen mit explizit nazistischer Propaganda im Vergleich zu Spielfilmen und Wochenschauen relativ gering war, erfüllten sie im ,Dritten Reich‘ eine zentrale medienpolitische Funktion. RAMÓN REICHERT stellt in seinem Aufsatz Tierfilme im ,Dritten Reich‘ die Tierstaatsfilme Der Ameisenstaat (1935) und Der Bienenstaat (1937) von Ulrich K. T. Schulz vor, der von 1920 bis zum Ende des Zweiten Weltkrieges die Abteilung Biologie der Ufa leitete. Waren seine Filme auch keine Propagandafilme im engeren Sinne, so eigneten sie sich dennoch für den propagandistischen Gebrauch. Diese Filme legen Analogien zwischen natürlichen und sozialen Ordnungen nahe, beglaubigen durch naturdokumentarische Aufnahmen politische Konzepte und leisteten damit ihren Beitrag zur Mythisierung der propagierten sozialen Ordnung, die so gleichsam als natürlich und notwendig dargestellt werden sollte. Der Kulturfilm im ,Dritten Reich‘ bediente sich dabei sozialdarwinistischer und rassenhygienischer Themen und Motive, die bereits vor 1933 verwandt und bis in die 1960er Jahre fortgeführt wurden. Am Beispiel der Werkbiographie des Kulturfilmers Schulz arbeitet Reichert Kontinuitäten und Übergänge der politischen Konnotationen und Kontexte seiner Tierfilme im Zeitraum von 1918–1954 heraus.
Eine einzige, wahre Kultur für alle Volksgenossen, d. h. eine Zusammenführung von Volks- und Hochkultur unter Ausschluss oppositioneller Subkulturen erscheint im Sinne der NS-Ideologie als eine folgerichtige Umsetzung der Idee der Volksgemeinschaft. Um dieses Ziel zu erreichen galt es – so 1933 die Forderung Joseph Goebbels’ an das Theater –, im Zuge einer gegenseitigen Annäherung die Kunst wieder zum Volk und das Volk zur Kunst zu führen. MARTIN MAURACH präsentiert in „Der zerbrochne Krug“ auf der Autobahn. Die Reichsautobahnbühne 1936/37 zwischen Hochkultur und ,Volksgemeinschaft‘, Traditionalismus und Modernität ein Beispiel, wie man diesen Anspruch umzusetzen suchte: Eine Theatertruppe reiste mit dem Bus von Baulager zu Baulager und präsentierte zum 125. Todestag Kleists den Zerbrochnen Krug vor Reichsautobahnarbeitern. Die Text- und Bildberichterstattung über diese Veranstaltungen verdeutlicht in ihrer widersprüchlichen Aufbereitung des Geschehens die dilemmatische Gemengelage, die sich aus der Aufführung eines vorgeblich volkstümlichen, klassischen Dramas in einer industriellen Arbeitssituation vor kasernierten Bauarbeitern ergab, aber freilich im NS-Staat aus ideologischen Gründen kaum als solche dargestellt und wahrgenommen werden durfte. Die Analyse der zeitgenössischen Berichte widerlegt dabei das mit dem Einsatz der Reichsautobahnbühne propagierte Bildungsprogramm, das die kulturfernen Arbeiter von leichteren Stücken zum anspruchsvolleren Drama führen sollte. Die Beschreibungen konterkarieren die behauptete erfolgreiche Hinführung zur Hochkultur selbst.
ANSGAR WARNER beleuchtet in „Elf Kameraden und ein Gedanke: Glauben an den Sieg“. Unterhaltung und Kriegspropaganda im Fußballfilm des ,Dritten Reiches‘ („Das große Spiel“, 1942) das Aufeinandertreffen von zwei der populärsten Phänomene der Populärkultur des 20. Jahrhunderts überhaupt – Film und Fußball – und zeigt am Beispiel des Fußballfilms Das große Spiel die Verbindung von Ballsport, Massenmedien und Kriegspropaganda. Warner geht in seiner Analyse von einer doppelten Codierung des kulturellen Phänomens Fußball in den 1930er und 1940er Jahren aus, die über das zivile Sportereignis und über den friedlichen sportlichen Wettkampf hinausgehend gesellschaftlich dynamisierende wie militarisierende Elemente enthält. Fußball ließ sich somit nicht nur in spezifischer Weise funktional auf die formierte Öffentlichkeit des ,Dritten Reiches‘, sondern auch propagandistisch auf die Kriegssituation an der Jahreswende 1942/43 ausrichten. Der Fußballfilm Das große Spiel inszeniert durch die visuelle und auditive Repräsentation der Live-Atmosphäre des Berliner Olympia-Stadions im Kinosaal eine virtuelle Gemein¬schaft, deren funktionale Einbindung in die nationalsozialistische Öffentlichkeit auch die Fußballfans vor der Leinwand an der Volksgemeinschaft teilhaben lässt.
Wie einmal erfolgreich eingeführte populärkulturelle Vorstellungen zum vermeintlich gesicherten Wissen über die (Populär-)Kultur eines Kriegsgegners werden, zeigt CHRISTIANE CAEMMERER in „Gentlemen prefer Blondes“. Amerika-Stereotype in deutschen Feindflugblättern des Zweiten Weltkrieges und eine ihrer Vorlagen. Ihre Untersuchung führt vor, dass die kulturellen Motive und Geschichten, die in einer Serie von Flugblättern verwandt wurden, um amerikanische Soldaten Anfang 1945 von der Sinnlosigkeit ihres Kampfes zu überzeugen und zur Desertion zu bewegen, offenkundig nicht nur auf Zielgruppenanalysen unter gefangengenommenen amerikanischen Soldaten beruhten, sondern dass die Autoren aus anderen Quellen, vor allem aus amerikanischen Filmen und Unterhaltungsromanen schöpften. So ist das im Frühjahr 1945 eingesetzte, sehr anspruchsvoll gestaltete Flugblatt mit der Aufschrift Gentlemen prefer Blondes … but Blondes don’t like cripples eine Wiederaufnahme des auch in Deutschland erfolgreichen Romans Blondinen bevorzugt von Anita Loos aus dem Jahre 1925. Die roaring twenties erleben in diesen deutschen Kriegsflugblättern für die amerikanischen Soldaten eine unerwartete Renaissance.
Die Unterhaltungsliteratur, die nicht nur in Buchläden verkauft, sondern auch in hoher Frequenz in privaten Leihbüchereien ausgeliehen und als Fortsetzungsroman in Zeitschriften und Zeitungen zum Teil mehrfach abgedruckt wurde, stellte einen erheblichen Anteil der zeitgenössischen Populärkultur dar. Sie lag allerdings zunächst weitgehend abseits des Interesses der neuen Machthaber. Beschlagnahmungen, Verbote, schwarze Listen und die Bücherverbrennung vom Mai 1933 markierten zwar mit großer öffentlicher Wirkung den gewalttätig vorgetragenen Anspruch auf eine Neuordnung der Literatur; das Regime beschränkte sich hier aber faktisch vor allem auf die Bücher der Autoren, die sie als politische und weltanschauliche Gegner ansahen. Erst allmählich wurden Instanzen aufgebaut, mit denen die Unterhaltungsliteratur mit ihren in den meisten Fällen wenigstens vordergründig völlig unpolitischen Inhalten kontrolliert und gelenkt werden sollte. Der Aufwand, der hier betrieben wurde, blieb weit hinter dem zurück, den man der ,anspruchsvollen‘ bzw. explizit politischen Literatur oder den Massenmedien Funk und Film widmete. Die eingeschlagene Politik erweist sich weniger als konsequente Umsetzung eines bestimmten weltanschaulichen Konzeptes denn als Ergebnis einer Auseinandersetzung differierender ideologischer Auffassungen zur Unterhaltungsliteratur, die zudem noch von außerliterarischen Faktoren beeinflusst wurde. Die hauptsächlich mit der Literatur befassten staatlichen und parteiamtlichen Dienststellen und Behörden um Joseph Goebbels, Philipp Bouhler und Alfred Rosenberg entwickelten konkurrierende Aktivitäten, in denen sich unterschiedliche Einschätzungen zum Phänomen der Unterhaltungsliteratur widerspiegelten.
INE VAN LINTOUT beschreibt in „Dichter, schreibt Unterhaltungsromane!“. Der Stellenwert der Unterhaltungsliteratur im ,Dritten Reich‘ die Vermittlung großer Dichtung an die breite Masse als eine der zentralen Zielsetzungen der NS-Literaturpolitik. Diesen Bemühungen zuwider lief das anhaltende Bedürfnis breiter Leserschichten nach ,leichter‘, ,nur‘ unterhaltender Lektüre, das – wie immer wiederkehrende Klagen von ,Schrifttumsfunktionären‘ zeigen – zumindest in ihren Augen bis zum Ende des Regimes nicht zufriedenstellend abgestellt bzw. im ideologisch gewünschten Sinne neu gestaltet worden war. Die unter NS-Vorzeichen verfolgte alte (bildungs-)bürgerliche Hoffnung, die Masse mit dem Lockmittel Unterhaltungsliteratur an die ,richtige Literatur‘ heranzuführen, konnte nicht zufriedenstellend mit einem pragmatischeren Ansatz versöhnt werden, bei dem leichte, unterhaltende Literatur einen kontrollierten Freiraum der Erholung bieten sollte. Der Versuch, mit dem propagandistischen Konzept des „guten deutschen Buches“ und einer neuen, von Dichtern verfassten guten bzw. besseren Unterhaltungsliteratur diese Widersprüche zu überbrücken oder aufzuheben, scheiterte.
Wenngleich die Produktionsmechanismen wie die Lenkungs- und Kontrollinstrumente für die Unterhaltungsliteratur insgesamt ähnlich waren, erfuhren einzelne Vertriebsformen, etwa der seriell erscheinende Heftroman (,Groschenheft‘), aber auch bestimmte Genres eine besondere Aufmerksamkeit. So nahm etwa im September 1939 das Propagandaministerium den Kriegsbeginn zum Anlass, in einer Richtlinie „sofortige Massnahmen auf einem Teilgebiete des Kriminal-, Wildwest- und Abenteuerschrifttums“ zu verkünden, die das Verbot von mehreren hundert Titeln zur Folge hatte. Ein großer Teil dieses bisher erschienenen Schrifttums habe, so hieß es dort, „durch Form und Inhalt in Anlehnung an das gleichartige neuere Schrifttum in englischer Sprache englisches Wesen und seine Lebensäusserungen nicht nur bis in alle Einzelheiten dargestellt, sondern meist sogar verherrlicht. Diese Anlehnung brachte es mit sich, dass liberal-demokratisch-pazifistisches oder sonst dem nationalsozialistischen Denken in irgendeiner Weise widersprechendes Gedankengut in offener oder getarnter Weise verbreitet wurde.“ (3)
Der Science-Fiction-Roman, der in diesen Jahren noch als ,Zukunftsroman‘ firmierte, blieb von solchen Vorwürfen unbehelligt. Er lässt sich allerdings auch nicht, wie DINA BRANDT es in „Und die Welt sah, was deutscher Geist geschaffen.“ Der deutsche Zukunftsroman im ,Dritten Reich‘ ausführt, pauschal einer Literatur zuordnen, die dem Nationalsozialismus den Weg bereitet bzw. ihn propagiert habe. Von der offiziellen Literaturförderung weitgehend unberücksichtigt, finden sich in den Romanen vor und nach 1933 vor allem die literarischen Inszenierungen der großen Ingenieurleistungen. Auch wenn die hier erzählten Modelle und Visionen und besonders die Affinität zur Technik durchaus partielle Übereinstimmungen mit NS-Ideologemen aufweisen, so scheinen sie doch eher Ziele und Ideale der Technokratiebewegung der 1920er Jahre umzusetzen.
Für dieses System erfolgreich propagandistische Unterhaltungsromane zu verfassen, erwies sich für manchen Schriftsteller als weitaus schwieriger als gedacht, allein die Bereitschaft, das politisch Gewünschte in unterhaltender Form umzusetzen, genügte nicht: Je stärker man heikle Fragen in den Mittelpunkt stellen wollte, desto genauer musste man wissen, wie die ideologischen Linien und Gräben verliefen. DOROTA CYGAN zeigt in ihrem Aufsatz Braune Weißkittel. Autopsien populärer Arztromane im Nationalsozialismus anhand einiger paradigmatischer Unterhaltungstitel, in denen Ärzte im Mittelpunkt stehen, unterhaltungsliterarische Anschlusspraktiken an die nazistischen Gesundheitsdiskurse auf. Die Lektüre der Romane – ungeachtet, ob sie sich auf platte Gesundheitspropaganda, auf abgegriffene Floskeln oder die gängigen und gefälligen Klischees verlassen – und die Rekonstruktion der Umstände ihrer Entstehung legen in jedem Fall die Mechanismen des öffentlichen Erfolges und der öffentlich-politischen Kontrolle sowie die Umsetzung weicher Disziplinierungsstrategien der Unterhaltungsproduktion im ,Dritten Reich‘ offen. Dabei vereinte die Gesundheitspolitik geradezu exemplarisch die für die NS-Herrschaft so typische Verschränkung von Fürsorge und Vernichtung, und dies nicht nur als mörderische Herrschaftspraxis, sondern auch – zumindest im ideologischen Anspruch – als Neuordnung von Gesellschaft insgesamt. Einige Unterhaltungsromane versuchten in den ersten Jahren der Herrschaft, die durch den Nationalsozialismus auf dem Gebiet der Gesundheitspolitik radikal veränderte neue Wirklichkeit mit Fragen zu konfrontieren und neu zu interpretieren. Die überlieferten Schriftwechsel und dokumentierten Auseinandersetzungen in den Personalakten der Autoren um die Publikationsgeschichte der Bücher zeigen, wie schwierig dieses Unterfangen zuweilen war, und dass auch die Übererfüllung des vermeintlich vorausgesetzten ideologischen Solls häufig nicht die erhoffte Wertschätzung und den erwarteten Gewinn brachte, sondern die Autoren dennoch bzw. deswegen Schwierigkeiten bekamen. Am erfolgreichsten war auch bei den Arztromanen der Autor, der fernab jeder medizinpolitischen Weltanschauung und pädagogischer Sinnzusammenhänge mit geringem literarischen Anspruch in erster Linie das Publikum unterhalten wollte und höchstens nebenbei, gleichsam im Vorübergehen, einige NS-Ideale propagierte.
Der offensichtliche Verzicht auf NS-Ideologeme erweist sich nicht nur in diesem Fall als unterhaltungsliterarisches Erfolgsrezept für das ,Dritte Reich‘. Auch wenn sich in der Unterhaltungsliteratur für jedes Genre einschlägige Beispiele nationalsozialistischer Zurichtung finden lassen, so sind diese – dies legt zumindest die extensive Lektüre von zeitgenössischer Unterhaltungsliteratur nahe – vielleicht nicht Ausnahmen, zumindest aber deutlich in der Minderheit. Genau wie der Großteil der deutschen Spielfilmproduktion zwischen 1933 und 1945 ohne Furcht vor eindeutigen NS-Insignien in Bundesrepublik und DDR im Fernsehen gezeigt werden konnte und heute sogar in jugendfreien DVD-Kollektionen fürs Heimkino angeboten wird, konnten auch die meisten Titel der Unterhaltungsliteratur – wenn sich denn Verleger fanden – in der Regel ohne Veränderungen nach 1945 weiter erscheinen.
WALTER DELABAR formuliert in NS-Literatur ohne Nationalsozialismus? Thesen zu einem Ausstattungsphänomen in der Unterhaltungsliteratur des ,Dritten Reiches‘ ausgehend von diesem scheinbaren Paradoxon zehn Thesen. Der Nationalsozialismus verzichtete in der Unterhaltungsliteratur weitgehend darauf, NS-Ideologie und Lebenswirklichkeit, und sei es auch nur in Details der Ausstattung eines Alltags in einem erzählten zeitgenössischen Deutschland, als selbstverständlich einzufordern bzw. um- und einzusetzen. Es gelte zu überprüfen, ob dies schlicht daran liege, dass die Literatur als normalerweise allein zu konsumierendes Medium kaum zur Propaganda geeignet erschien und die fehlende massenverbindende Wirkung auch die Nachrangigkeit in der Konkurrenz gegenüber den neuen Medien Film und Rundfunk begründete. Dies könnte dann umso mehr den Teil der Literatur betreffen, der in dem Feld als minderbedeutend und somit letztlich als vernachlässigbar angesehen wurde. Eventuell war der Verzicht auf die Ausstattungselemente aber eben auch die Reaktion auf die Erfahrungen, die rasch all diejenigen machten, die von den neuen NS-Zeiten mit einschlägigen Erzeugnissen profitieren wollten. Das Regime verbat sich nicht autorisierten NS-Kitsch und überwachte die Werke, die am Boom der ,Bewegungsliteratur‘ zu partizipieren hofften, wesentlich strenger als andere, die sich weiterhin eingeführter Erzählmuster und trivialer Ausstattung bedienten und auf Anspielungen auf das ,Dritte Reich‘ verzichteten. Es erscheint häufig ohnehin so, als ob die landläufige Vorstellung von einer NS-Führung und ihren Institutionen, die alles im Lande und sämtliche Inhalte der zugestandenen Populärkultur kontrollieren konnten, nicht nur eine wohlfeile Entlastungsfigur darstellt, sondern auch Zensurrealitäten auf den Alltag des ,Dritten Reiches‘ appliziert, wie sie etwa die DDR oder die Sowjetunion unter anderen ideologischen Prämissen und innerhalb eines längeren Zeitraumes entwickelten. Dagegen hatte das NS-Regime nur zwölf Jahre, um entsprechende Institutionen aufzubauen, die aufgrund umstrittener Kompetenzen und Zuständigkeiten häufig nicht in der Lage waren, ihre eigentlichen Aufgaben auch wahrzunehmen. Hinzu kommt, dass man die privatwirtschaftlichen Produktions- und Distributionsmechanismen beibehielt und somit – mit Einschränkungen – privates Unternehmertum und damit Gewinnstreben zuließ, das sich nach Abnahme und Nachfrage richten musste, so dass die propagandistische Indienstnahme hier an eine Grenze stieß. Die totale Überwachung konnte unter diesen Umständen höchstens punktuell als Anspruch behauptet, keinesfalls aber ständig ausgeübt werden.
Nicht von ihren Defiziten, sondern von ihrem Erfolg her nimmt CHRISTIAN HÄRTEL in „Vom Schraubstock zum Schreibtisch“. Populärliteratur für die Volksgemeinschaft am Beispiel Hans Dominiks die Populärkultur in den Blick und stellt ausgehend von diesem Autor, der nach Verkaufszahlen und öffentlicher Wahrnehmung im ,Dritten Reich‘ im Zentrum des Literaturmarktes für unterhaltende Stoffe und Jugendbücher stand, einige Thesen zur populären Unterhaltungsliteratur im NS-Deutschland vor, in der die „Volksgemeinschaft“ ihre ureigene Kunstform fand. Die populären Texte dieses Autors bewegten sich auf dem intellektuellen Niveau der herrschenden Nationalsozialisten und boten den seriellen Lesestoff, den die in Krieg und Kriegsvorbereitung eingespannten Massen verlangten. Die Art und Weise, wie Dominik sich allem Eskapismus verweigerte und seine Texte in alle Richtungen abschottete, erscheint paradigmatisch: Der Weg in den Pausenraum endete für den Eskapisten in einer Sackgasse. Das ,Dritte Reich‘ erlaubte auch dem „Zukunftsroman“ nur Träume von einer nahen Zukunft. Den Nationalsozialisten gelang es letztlich nicht, eine originäre NS-Unterhaltungsliteratur zu schaffen. Sie instrumentalisierten populäre Kunstformen einschließlich Hörfunk, Film oder Werbung nach einem für die NS-Zeit typischen Schema. Sie vereinnahmten Entwicklungen, Stoffe u. ä. für sich, gaben sie als ihre Erfindungen aus und setzten sie für ihre eigenen Ziele ein. Vergleichsobjekte für die Populärkultur finden sich dabei im technisch-industriellen Bereich etwa bei Autobahnbau, Luft- und Raumfahrt, Kraftfahrzeugtechnik, Architektur.
Um den Erfolg und seine moralischen wie auch ästhetischen Konsequenzen geht es in den weiteren biographischen Fallstudien. Rudolf Ditzen alias Hans Fallada gelang 1932 mit Kleiner Mann – was nun? ein Bestseller, der ihn zu einem der erfolgreichsten Autoren dieser Jahre machte. ANJA SUSAN HÜBNER zeigt in „Erfolgsautor mit allem Drum und Dran“. Der Fall Fallada oder Sollbruchstellen einer prekären Künstlerbiographie im ,Dritten Reich‘ wie Fallada es verstand, sich mit Konzessionen an die neuen politischen Rahmenbedingungen anzupassen. Dies gelang ihm als exponiertem Autor allerdings nur bedingt, wie die Auseinandersetzungen um ihn innerhalb des Schrifttumsapparates, die Angriffe der NS-Presse sowie einzelne Verbote zeigen. Im Anhang des Beitrages erscheint erstmals ein 1945 geschriebenes Vorwort, dass Fallada seinen in der geschlossenen Landesanstalt Neustrelitz-Strelitz verfassten Erinnerungen an die Jahre 1933–1939 voranstellen wollte. Im Hinblick auf eine positive Aufnahme von Seiten der sowjetischen Besatzungsmacht geschrieben, stilisiert er sich hier nun selbst zum „unerwünschten Autor“ und übergeht geflissentlich die eigenen Arrangements mit dem System. Symptomatisch für diese Distanzierung von vergangenem Tun und Lassen ist die Wahl eines Vorwortes und damit der Textsorte, mit der Fallada bereits im ,Dritten Reich‘ seinen Kotau vor den Machthabern vollzogen und etwaigen politisch unliebsamen Lesarten seiner Romane vorzubeugen gesucht hatte.
MARKUS WALLENBORN widmet sich in Schreibtisch im Freigehege. Der Schriftsteller Erich Kästner im ,Dritten Reich‘ einem Autor, der vom kulturellen Gedächtnis als ein während des ,Dritten Reiches‘ verbotener erinnert wird. Wenngleich dies Kästners retrospektiver Sicht entspricht, wurde Kästner letztlich erst 1943 auch faktisch zu einem verbotenen Autor ohne jede Publikations- und damit auch Verdienstmöglichkeit. Zuvor erwies sich Kästner als äußerst findig, als vom Regime wenig geschätzter Autor neue Mittel und Wege zu erschließen, um im Ausland, unter Pseudonym und als Autor für Bühne und Film weiter zu schreiben und von dem Geschriebenen auch leben zu können. Die gut gemachte Unterhaltungsliteratur ermöglichte ihm das materielle Überleben – es muss Spekulation bleiben, inwieweit sie als unter diesen Umständen notwendiger Kompromiss auch literarisch unerwünschte Spätfolgen für Kästner zeitigte. Sein großer Roman über das ,Dritte Reich‘, mit der er seinen Verbleib im nationalsozialistischen Deutschland nicht zuletzt vor sich selbst zu rechtfertigen suchte, gelangte nicht über Skizzen hinaus.
Die vielleicht moralische, in jedem Fall aber ästhetische Korrumpierung, die die Kompromisse bedeuteten, die die eingingen, die im nationalsozialistischen Deutschland blieben und dort weiterhin schriftstellerisch arbeiteten und publizierten, zeigt STEPHAN RAUER in „BUTKU“. Zu Ernst Kreuders Kurzgeschichten im Nationalsozialismus. Kreuder, der seine schriftstellerische Karriere Ende der 1920er Jahre begann, richtete sich im ,Dritten Reich‘ als erfolgreicher Ausgestalter des Pausenraumes ein. Er lieferte für den riesigen Markt an Feuilletontexten für Zeitungen und Zeitschriften mehr oder weniger anspruchslose Kurzgeschichten und professionalisierte dabei gemeinsam mit seiner Frau ihre reichsweite Mehrfachvermarktung. Das Unternehmen, dem Kreuder selbst den Namen BUTKU („Bau Und Transport von KUrzgeschichten“) gab, ermöglichte dem Ehepaar im ,Dritten Reich‘ (und auch darüber hinaus) einen bescheidenen Wohlstand. Auch hier bleibt die Frage nach den „ästhetischen Folgekosten“ für einen Autor, der im Urteil vieler Kritiker auch in seinem Nachkriegswerk zu häufig die Massenkompatibilität als Merkmal seiner Texte beibehielt.
ANNE D. PEITER macht mit ihrem Aufsatz „Auto, Auto über alles!“ oder „Die natürliche Ordnung des Unnormalen“. Alltag und NS-Terror in Victor Klemperers Tagebüchern kontrastierend zu den vorherigen Beiträgen deutlich, dass das Regime den von ihnen als ideologische Gegner Verfolgten und aus der Gesellschaft definitiv Ausgeschlossenen keinen Pausenraum zugestand. Der Dresdener Romanistikprofessor Victor Klemperer beschreibt in seinen Tagebüchern, wie die Machthaber ihm als Juden seinen Pausen- und Freizeitraum immer weiter einschränkten. Sie verboten den Besuch von Theatern, Kinos und Parks, die Benutzung öffentlicher Bibliotheken; sie verboten ihm, ein Auto zu fahren, Haustiere zu besitzen, und beschnitten beständig seinen Bewegungsraum. Die Machthaber, die letztlich seine Vernichtung anstrebten, mussten ihm für sein Wohlverhalten und Funktionieren im System nichts anbieten, er konnte allein durch Drohungen und Terror gefügig gemacht werden. Die temporären Fluchten aus dem NS-Alltag, die Klemperer gegen die Widerstände mit seinem Auto unternimmt, erweisen sich als verzweifelte Versuche, der Zerstörung seines Alltags im Nationalsozialismus und der „Veralltäglichung“ dieser Zerstörung etwas entgegenzusetzen.
Der vorliegende Band ist das Ergebnis der Tagung Im Pausenraum des Dritten Reiches. Zur Populärkultur im nationalsozialistischen Deutschland, die am 24./25. November 2006 an der Humboldt-Universität zu Berlin von den Herausgebern gemeinsam mit Erhard Schütz und mit Unterstützung der Hans-Böckler-Stiftung, der Humboldt-Universität zu Berlin sowie des Gießener Graduiertenzentrums Kulturwissenschaften (GGK) der JLU Gießen veranstaltet wurde. An dieser Stelle sei noch einmal all denjenigen gedankt, die uns bei der Durchführung der Tagung unterstützt haben: Yvonne Dietl, Judith Große, Natalie Nik-Nafs, Kaspar Renner und Tim Sparenberg sowie Dorothee Birke und Stella Butter (GGK). Ein herzliches Dankeschön allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern für ihre Vorträge, die anregenden Diskussionen und die konstruktive Gesprächsatmosphäre.
Unser Dank gebührt natürlich und vor allem auch denjenigen, die dazu beitrugen, dass dieser Band nun vorliegt: den Beiträgerinnen und Beiträgern, unserer Praktikantin Peggy Hoffmann, Erhard Schütz und vor allem Brigitte Peters.
Ein großer Dank gilt – last, not least – der Promotionsförderung der Hans-Böckler-Stiftung, die die Tagung wie auch die Drucklegung des Bandes großzügig unterstützt hat.

 

Anmerkungen


(1) Populärkultur wird hier in einem sehr weiten Sinne verstanden als eine populäre Kultur, „die irgend etwas mit ,Vergnügen‘ zu tun hat. Populäre Kultur macht Spaß.“ Hans-Otto Hügel: Einführung. In: Ders. (Hrsg.): Handbuch Populäre Kultur. Begriffe, Theorien und Diskussionen, Stuttgart, Weimar 2003, S. 1–22, hier S. 1. Dies sei, wie Hügel weiter ausführt, „so ungefähr das einzige, in dem Forschung über und Teilnehmer an der Populären Kultur übereinstimmen.“ (Ebenda) Der Aspekt der Unterhaltung sei die charakteristische Praxis und Zugangsweise zu dieser Populärkultur; sie als unterhaltende Kultur zu verstehen, erlaube, sie als eigenständiges System und trotzdem im Zusammenhang mit der Gesamtkultur zu begreifen (vgl. ebenda, S. 17). Das Verhältnis zwischen Produzenten und Rezipienten wird dabei zwar im Sinne von Stuart Hall (Stuart Hall: Encoding, decoding. In: Ders. u. a. [Hrsg.]: Culture, Media, Language, London 1987, S. 128–140) als hierarchisch gedacht, es sind jedoch unterschiedliche Möglichkeiten der Rezeption anzunehmen, darunter das in der Masse empirisch schwer erfassbare Missverstehen, das „Gegen-den-Strich-Lesen“ wie auch das etwa an Verkaufszahlen ablesbare Ignorieren oder Zurückweisen von Rezeptionsangeboten.

(2) Zur Illustration sei auch auf das Umschlagsphoto verwiesen. Die Aufnahme – im Original farbig – zeigt zwei ,Arbeitsmaiden‘ des Reichsarbeitsdienstes (Ergebirge) bei der Lektüre. Bei dem Buch der Frau rechts handelt es sich um den Roman Die Sache mit Katja von Marianne von Angern, 1942 im Berliner Universitas Verlag erschienen. Das 6.–10. Tsd. kam 1948 auf den Markt.

(3) Ein Original dieser Richtlinie – Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda S 8148/28.9.39. S 813 vom 29.9.39 – findet sich als Anlage zu einem behördeninternen Schriftwechsel in der Personalakte des Schriftstellers Paul Kohlhöfer. Barch (ehem. BDC), RK/RSK, Kohlhöfer, Paul.

 


 

Band 16 Vorwort

 


 

Band 16: 1955–2005. Emil Staiger und Die Kunst der Interpretation heute

 

JOACHIM RICKES, VOLKER LADENTHIN, MICHAEL BAUM

1955–2005. Emil Staiger und Die Kunst der Interpretation heute.

 

Vorwort

Es gibt nicht viele Fachtexte, die über Generationen hinweg fast jeder Germanist kennt – und kaum einen, der bis heute solch gegensätzliche Reaktionen hervorruft wie Emil Staigers Die Kunst der Interpretation. Der Titel dieses Buches hat die Wahrnehmung einer ganzen Epoche der Literaturwissenschaft geprägt. Keine Publikation zur Geschichte des Faches, kein Methodenseminar, in dem Staigers Studie nicht – zu Recht oder Unrecht – als wichtigstes Beispiel für die sog. werkimmanente Interpretation genannt würde. Die Kunst der Interpretation ist ein Schlagwort, das in den Feuilletons bis heute gerne verwendet wird, allerdings in der Regel mit ironischem Unterton. Berühmt und umstritten zugleich – die Wirkungsgeschichte des Buches könnte widersprüchlicher kaum sein. Wie ist dies zu deuten?

Ein Blick auf die Entstehung des Textes und die Person seines Verfassers kann manches klären. Durch seine langjährige Lehrtätigkeit an der Universität Zürich wurde Emil Staiger zu einem der bekanntesten Germanisten seiner Generation. Seine 11–Uhr–Vorlesung zog bis zu 800 Besucher an, nicht nur Studierende aus dem In- und Ausland, sondern auch eine breite literarisch interessierte Öffentlichkeit. Neben seinem auratischen Vortragsstil waren die Zuhörer stets von Staigers interpretatorischen Fähigkeiten fasziniert. Nicht zufällig gilt Die Kunst der Interpretation als eines seiner Hauptwerke. Dieses Buch ging aus zwei Vorträgen hervor, die Staiger im Herbst 1950 in Amsterdam und in Freiburg hielt. Zuhörer und Diskutanten waren u. a. Walter Rehm, Hugo Friedrich, Hermann Meyer und Martin Heidegger.

Die Kunst der Interpretation erschien zunächst 1951 als Aufsatz in der Fachzeitschrift Neophilologicus. Im gleichen Jahr veröffentlichte Emil Staiger in der Zeitschrift Trivium einen Briefwechsel mit Martin Heidegger, der sich an Staigers Vortrag, genauer an seinem illustrierenden Beispiel, entzündet hatte. Der Disput des berühmten Philosophen mit dem renommierten Literaturwissenschaftler über die Auslegung des Mörike-Gedichts Auf eine Lampe mündete in den wohl bekanntesten Interpretationsstreit der Germanistik – er ist bis heute nicht beendet. 1955 publizierte Staiger dann Aufsatz und Briefwechsel als Eröffnungstexte einer Sammlung eigener Aufsätze, die auch als Buch den wirkungsmächtigen Titel Die Kunst der Interpretation erhielt.

Mitte der 1960er Jahre wurde Emil Staiger – und damit auch seine Kunst der Interpretation – dann unerwartet zum Feindbild einer jungen, kritischen Generation. Mit seiner ebenso vehementen wie undifferenzierten Schelte der Gegenwartsliteratur anlässlich einer Preisverleihung hat Staiger selbst entscheidend dazu beigetragen. Durch den „Zürcher Literaturstreit“ erhielt sein fachliches Renommee einen lange nachwirkenden Schaden. Nicht zufällig prägte die prestigeträchtig gewordene, pauschale Staiger-Kritik viele literaturwissenschaftliche Stellungnahmen der 1970er, 1980er und 1990er Jahre. Die Aversionen, die sein Name auslöst, sind bis heute zu registrieren. Allerdings gibt es seit einigen Jahren auch Anzeichen dafür, dass Staigers germanistisches Werk, gerade sein Interpretationskonzept, literaturwissenschaftlich und -didaktisch wieder Interesse findet.

Das 50-jährige Publikationsjubiläum der Kunst der Interpretation ist Anlass, der Frage nachzugehen, welche Bedeutung Staigers Ansatz noch oder wieder zukommt. Dabei geht es ebenso wenig um einen einseitigen Wiederaufwertungsversuch wie um die Fortführung der ritualisierten Staiger-Schelte. Ziel ist vielmehr die ebenso kritische wie differenzierte Auseinandersetzung mit einem der einflussreichsten Bücher der Fachgeschichte. Dabei treten Literaturwissenschaftler und Literaturdidaktiker in den lange vernachlässigten Dialog. Literaturtheoretische und fachgeschichtliche Perspektiven werden ergänzt durch detaillierte Textinterpretationen. Zugleich lässt das Buch die Sichtweisen mehrerer Generationen deutlich werden – von Literaturwissenschaftlern, die noch bei Staiger studiert bzw. promoviert haben bis hin zu Vertreter(inne)n der jüngeren Germanistengeneration.

Diese Publikation geht zurück auf eine Reihe von Vorträgen, die im Rahmen des Hauptseminars 1955–2005: Die Kunst der Interpretation heute (Joachim Rickes) im Wintersemester 2005/06 an der Humboldt-Universität zu Berlin gehalten wurden. Daran anknüpfend fand im Juni 2006 in Lan dau eine internationale Fachtagung Die Kunst der Interpretation 1955–2005 (Michael Baum) statt, die von der Thyssen-Stiftung finanziert wurde. Eine von Volker Ladenthin angeregte einschlägige Publikation hat unser Staiger-Projekt vorbereitet: Sprachferne und Textnähe – Über das Unbehagen an der gegenwärtigen Lektürepraxis in Schule und Hochschule (hrsg. v. V. Ladenthin, J. Rickes, 2004).

Sehr herzlich danken möchten wir Frau Dr. Brigitte Peters (Redaktion Zeitschrift für Germanistik ) für die große Umsicht und Akribie, mit der sie diesen Band betreut hat. Unser Dank gilt ebenso unseren Praktikant(inn)en Nadine Brockmann, Christian Sachseneder und Sara Angela Venzin für ihre tatkräftige Hilfe beim Lektorat.

Die Herausgeber, August 2006

 


 

Band 15 Vorwort



Band 15 - Kunst der Propaganda. Der Film im Dritten Reich

 

MANUEL KÖPPEN, ERHARD SCHÜTZ

Einleitung

Auch „die schlechteste Tendenz ist zu propagieren, wenn es eben mit den Mitteln eines hervorragenden Kunstwerks geschieht“, wusste Joseph Goebbels schon 1933. (1) Mit der schlechten Tendenz war die bolschewistische gemeint, mit dem Kunstwerk Eisensteins Panzerkreuzer Potemkin . Gute Tendenz, aus dem Geist des Nationalsozialismus, mit künstlerischen Mitteln ausgedrückt, war das mittelfristige Ziel, das Goebbels den Filmschaffenden stellte. Kunst und Propaganda schienen dabei wesensgleich, insofern ästhetische Erziehung und politische Beeinflussung auf das Gleiche zielten: den Menschen zu formen. Auch wenn Kunst und Propaganda im ,Dritten Reich‘ zunehmend im Zirkelschluss gedacht wurden, blieb dennoch eine Differenz. Propaganda war ein (politischer) Funktions-, Kunst der Zielbegriff all dieser Bemühungen, was nicht ausschloss, Kunst wiederum als Mittlerin der propagandistischen Intention zu verstehen.

Am liebsten hätte Goebbels den Begriff ,Propaganda‘ gleich wieder aus dem Namen seines Ministeriums getilgt. Noch im Mai 1934 schlug er Hitler vor, die Bezeichnung „Reichsministerium für Kultur und Volksaufklärung“ einzuführen, um unliebsame Konnotationen zu vermeiden. Der Begriff ,Propaganda‘ war einigermaßen schillernd. Seine Geschichte weist zurück auf die katholische Kirche. Der biologische Sinn des „propagare“ als „ausdehnen“, „fortpflanzen“ wurde im 17. Jahr hundert zum Terminus technicus christlicher Missionstätigkeit, worauf die protestantischen Aufklärer des 18. Jahrhunderts hinter der römischen Propaganda eine weltweite Verschwörung vermuteten. Seinen ersten Politisierungsschub erhielt der Begriff während der Französischen Revolution. Was den einen „Propaganda der Freiheit“ war, bedeutete den anderen gespenstische Bedrohung. Das sei alles nur „Pariser Propaganda“, hieß es auf gegenrevolutionärer Seite. Auch in der Spielart der „Propa ganda der Tat“, wie sie in Kreisen des politischen Anarchismus des 19. Jahrhunderts zirkulierte, blieb der Beigeschmack der Verschwörung immer erhalten. Das änderte sich erst zu Ende des Jahrhunderts, als sich allmählich der Begriff als Bezeichnung für privatwirtschaftliche Reklame durchsetzte. Aber seine Neutralität und Ubiquität verlor er schnell wieder. Mit dem Ersten Weltkrieg und verstärkt in der Nachkriegsdiskussion avancierte Propaganda zum Leitbegriff politischer Überzeugungsarbeit mit kriegstaktischem Hintergrund. Die bürgerliche Mitte der Weimarer Republik hatte der verfemten „Greuel- und Lügenpropaganda“ nur recht hilflos das Konzept der Aufklärung gegenüberzustellen. Während Adolf Hitler in Mein Kampf seine Lehren aus der Propaganda der Entente des Weltkrieges gezogen hatte. Propaganda wurde – jenseits jeglichen Kunstanspruchs und von moralischen Bedenken ungetrübt – als neuer Kampf- und Leitbegriff formuliert. (2)

So blieb von Goebbels Sinnen nach kultureller Aufklärung als Markenzeichen seines Zuständigkeitsbereichs denn nur eine Pressevorschrift übrig, die das Label Propaganda für das ,Dritte Reich‘ sicherte. Definiert wurde Propaganda als Erziehung, im Gegensatz zur Werbung, und in einem positiven Dualismus zur Hetze. Der Reichspressechef verfügte 1937:

„Es wird gebeten das Wort ‚Propaganda‘ nicht missbräuchlich zu verwenden. Propaganda ist im Sinne des neuen Staates gewissermaßen ein gesetzlich geschützter Begriff geworden und soll nicht für abfällige Dinge Verwendung finden. Es gibt also keine ‚Greuelpropaganda‘, keine ‚bolschewistische Propaganda‘, sondern nur Greuelhetze, Greuelagitation, Greuelkampagne usw. Kurzum – Propaganda nur dann, wenn für uns, Hetze wenn gegen uns.“ (3)

So pragmatisch mochte es Goebbels nach wie vor nicht sehen. Der Erziehungsauftrag der Propaganda blieb für ihn immer an den Kunstanspruch gekoppelt, wie nicht zuletzt seine Reden vor Filmschaffenden belegen.

Kunst als ästhetische Erziehung, im Geist des deutschen Idealismus, verband sich spätestens mit der „Schandausstellung Entartete Kunst“ (1937) und der Entscheidung gegen einen „nordischen Expressionismus“, mit den „ewigen Regeln“ der Kunst. Aus ihnen sollte zugleich der dringend gewünschte Modernisierungsschub gewonnen werden, um international konkurrenzfähig zu werden, nicht zuletzt auf dem Feld der Filmproduktion. Was im Übrigen nicht ausschloss, dass der kinematographische Expressionismus gerade in dezidierten Propagandafilmen des ,Dritten Reichs‘ stilbildend blieb. Die Kunst der Propaganda bestand darin, alles zu reaktivieren, was der guten Tendenz förderlich sein könnte: von der Hochkultur über den Schlager bis zur volkstümelnden Unterhaltung.

Dennoch blieb der an der Hochkultur orientierte Kunstanspruch leitbildend, auch wenn er die Modernisierung im internationalen Maßstab filmkünstlerischer Produktionen behinderte, oder – in anderer Sichtweise – zu dem doch sehr eigenen Stil der Dramatisierung historischer und zeitgenössischer Ereignisse in Spiel-, Kulturfilm und Wochenschau führte. Das Überblenden, die filmische Anschlusstechnik, die Überlagerungen semantischer Felder ermöglichte, gilt als das genuine Signum des Films im ,Dritten Reich‘. (4) Vielleicht ist es aber doch noch mehr eben jene Kunst der Propaganda, die in dem modernen Medium Film auf altvertraute Regeln pochte. Das führte zu merkwürdigen Hybridformen wie etwa in Leni Riefenstahls Triumph des Willens , der einerseits einem ritualisierten Neoklassizismus huldigte, andererseits im Kontext von Avantegarde-Bewegungen, die noch auf die Weimarer Republik datierten, auch zeitgenössisch als „absoluter Film“ verstanden wurde. Auf jeden Fall sollte es in der Filmproduktion stets um das „typisch Deutsche“ gehen, um mit ihm „die Welt [zu] erobern“ und „internationale Bedeutung“ zu erlangen. (5)

Die Konkurrenz zur internationalen Filmproduktion wurde immer mitgedacht, selbst dann noch, als es nach dem Kriegsausbruch und spätestens mit der Kriegserklärung an die USA keinen Markt mehr gab, auf dem die deutsche Filmproduktion international hätte konkurrieren können – sieht man einmal von den Filmfestspielen in Venedig ab, einer Leistungsschau mit sehr begrenztem Einzugsgebiet. Andererseits suchte die deutsche Filmproduktion auf ihrem Weg zur „Filmkunst“ mit internationalem Renommee von den Genres bis zum Starkult stets auch alle Rezepte zu adaptieren, die sich international als erfolgreich erwiesen hatten, wobei der bewunderte Konkurrent USA die Maßstäbe setzte.

Deutsche Filmkunst als Propaganda verortete sich so auf einem höchst heterogenen Feld unterschiedlichster Einflüsse: von aktuellen Erfordernissen politischer Einflussnahme über Publikumserwartungen aus dem Vertrauten, internationale Leistungsmaßstäbe, dem selbst gesetzten, aber nie klar definierten (und nicht definierbaren) Kunstanspruch, der dann auch noch genuin deutscher Prägung sein sollte, bis hin zu den Anforderungen, die das sich technisch rasant weiterentwickelnde Medium Film stellte. In den zwölf Jahren nationalsozialistischer Herrschaft war der kostspielige Tonfilm kaum seiner Anfangsphase entwachsen, als der nicht minder kostenintensive Farbfilm die Messlatte für Produktionen setzte, die für sich in Anspruch nehmen konnten, Filmkunst auf dem Stand aktueller Entwicklungen zu sein. So sehr Goebbels auf die „ewigen Gesetzen“ der Kunst als Maßstab für die Filmproduktion pochen mochte, sie war vor allen Dingen auch Garant dafür, dass die nationalsozialistische Gesellschaft die technische Moderne nicht verpasste: neben dem Radio und den sich abzeichnenden Möglichkeiten der Fernsehübertragung.

Die „Medialisierung des Politischen“ (6) hat im ,Dritten Reich‘ sicher nicht ihre Genese, aber sie findet in der Mobilisierung der Gesellschaft durch die Medien hier einen vorläufigen Höhepunkt. Wobei als Signum nationalsozialistischer Medienpolitik immer auch ein Rückbezug gilt: die Orientierung an scheinbar gesicherten Werten und vermuteten Regeln massenmedialer Beeinflussung. Die Kunst der Propaganda im ,Dritten Reich‘ war modern und zugleich rückwärtsgewandt, sie kalkulierte mit Freiräumen der Affekte, die es gleichzeitig zu kontrollieren galt, sie entwickelte raffinierte Muster, um unversehens in platteste Rhetorik zurückzufallen. Und sie handelte sich mit dem programmatischen Rückbezug auf die Kunst und der ihr partiell zugestandenen Freiheiten jene Ambivalenzen ein, die ausgerechnet das Erfolgskonzept begründeten: im Versuch, den Freiraum erzeugter Affekte zu regulieren, ohne dabei – zumindest in der Filmpolitik – ostentativ zu regieren. Dieser Kunst der Propaganda, mit ihren Eindeutigkeiten, aber auch ihren Widersprüchen und Ambivalenzen, sind die Aufsätze dieses Bandes auf der Spur.

Wenn die Überblendung ein bevorzugtes Stilmittel des Films im ,Dritten Reich‘ war, so zeigt der Beitrag von Marian Kaiser , dass die Filmtheorie nicht minder mit Überblendungen ihrer Gegenstandsfelder arbeitete. Die 1933 erlassenen Verordnungen zur Regelung des deutschen Filmwesens enthielten von Anfang an immer auch ästhetische Zielvorstellungen und Normierungen. Die „Machtübernahme im Bewegtbildergedächtnis“ suchte sich vom Kino der Weimarer Republik abzusetzen wie zugleich sich an ihm zu orientieren, wobei ein idealistischer Kunstbegriff leitbildend blieb, der ein Kino der Affekte begründete, in dem Propaganda zur Kunst wie Kunst zur Propaganda werden sollte. Raumübergreifend, mit der Weltherrschaft des amerikanischen Kinos konkurrierend und zugleich die Gemeinschaft des Volkes durchdringend, sollte der Erlebnisraum Kino zum Ort einer gemeinsam und affektiv erfahrbaren Wahrheit werden, die schon immer als eine ‚höhere‘ verstanden wurde, an Kunst orientiert und dem deutschen Geist Ausdruck gebend.

Allerdings blieb solche Kunst als Propaganda immer auch an jene merkwürdig inversiven Strukturen gebunden, die schon in der Geschichte des Begriffs ,Propaganda‘ aufscheinen und von Hannah Arendt als Merkmal totalitärer Herrschaft beschrieben wurden: Die den Anderen zugeschriebene Konspiration wird zum Anlass, eben diese zu übertreffen. Oder auf die Propaganda bezogen: Wenn der Sieg im Ersten Weltkrieg wesentlich durch die zersetzende Feindpropaganda der Entente vereitelt wurde, dann, so Hitlers Schlussfolgerung, kann sie nur durch noch infamere Strategien konterkariert werden. Ein Denkmuster, das in dezidierten Propagandafilmen des ,Dritten Reichs‘ – von Jud Süß bis Ohm Krüger – zum Inszenierungsmuster wird, und das, wie Simon Roloff zu belegen weiß, eng mit dem Diskurs der Seuche verbunden bleibt: jenen Erregern, die nicht zuletzt den Volkskörper bedrohen, deren Verbreitungsmodus aber gleichzeitig wieder ein Modell gelungener Propaganda abgibt. Wie die Köpfe eines Volkes mit Ideen anzustecken sind, die sich gleichsam epidemisch verbreiten, gehört zum Regierungswissen.

Unbelastet von dem Phantasma der Verschwörungen, denen man umso verschworener zu begegnen hatte, schien die Kunst als Hort sichernder und eben deshalb zu verteidigender Werte einen Rückhalt gerade in schwierigen Zeiten zu bilden. Angesichts einer gesetzlich gesicherten wie filmtheoretisch bekräftigten Kunstemphase nimmt es nicht wunder, dass dem Künstlerfilm im ,Dritten Reich‘ zuweilen ‚staatspolitische‘ Bedeutung zugeschrieben wurde und zwar nach Kriegsbeginn und im Kontext der Filme über die „großen Deutschen“. Seine Blüte erlebte das Genre des Künstlerfilms in den ersten drei Kriegsjahren, danach blieb nur noch wenig Bedarf an Genieverehrung. Und zugleich scheint der Künstlerfilm, wie Manuel Köppen aufzeigt, sehr genau die sich mit dem Kriegsverlauf verändernden Zeitstimmungen zu spiegeln. Vom Künstlergenie als Führer über das faustisch verlockte bis zum endgültig wahnsinnig gewordenen Genie verläuft eine Entwicklungslinie, die auffallend mit dem allmählich verblassenden Genius auf den Kriegsschauplätzen korrespondiert. Der Kunstanspruch realisierte sich dabei nicht nur mit dem Sujet. Inszenierung und Gestaltung dieser Filme, zu künstlerischem Ausdruck drängend, bemühten sich um eine Kunst der Propaganda, bei der Deutungsambivalenzen gleichsam vorprogrammiert waren.

Das lässt sich von jenen Filmen nur bedingt behaupten, die zunächst die fliegerische Technikemphase aufgriffen, um aus solchem Training an der Maschine den raumgreifenden Traum in Zeiten des Krieges in apokalyptisch gefärbte Allmachtsphantasien zu überführen: im Dokumentarformat wie im Spielfilm und dies mit fließenden Grenzen. Der Kunst- und Kulturanspruch blieb dennoch gewahrt; er realisierte sich sekundär: als Begründung der kriegerischen Unternehmungen, die immer, so die Botschaft, dazu dienten, Kulturwerte zu verteidigen. Erhard Schütz entwickelt das Panorama dieses (filmischen) Fliegerdiskurses von seinen Anfängen, die auf die Weimarer Republik rückverweisen, über die changierenden Heldenbilder des Fliegers, dem folgenden Genuss, aus solcher Perspektive die Trümmer der Anderen in Augenschein zu nehmen, bis zu dem zweifelhaften Vergnügen, das apokalyptische Spektakel von unten erleben zu dürfen, wobei der Film – buchstäblich bis zuletzt – auch diese Wahrnehmungsperspektive im Erlebnisraum Kino gemeinschaftsfördernd zu spiegeln suchte, in einer Zeit, als das Realerlebnis des Luftkriegs jeden Kinobesuch weitgehend obsolet erscheinen ließ.

Am Ende werden die Städte in Trümmer sinken, am Anfang des ,Dritten Reichs‘ stand die höchst ambivalente Faszination der Großstadt, für die Berlin seit der Weimarer Republik das Paradigma abgab: als Moloch und Sündenbabel oder als Ort pulsierenden Lebens und Signum der Moderne. Der Film im Übergang in das ,Dritte Reich‘ musste solche Besetzungen neu konfigurieren. Auf dem Hintergrund der nicht erst seit der Weimarer Republik diskutierten Opposition zwischen Stand und Land befragt Wolfgang Kabatek zwei Filme von 1933 auf alte Imaginationen und neue Ordnungen. Wobei deutlich wird, dass der Übergangsfilm Schleppzug M 17 und der Anfangsfilm Hitlerjunge Quex das Imago der Reichshauptstadt aus dem Vertrauten aufscheinen lassen, allenfalls mit vorsichtigen Umkodierungen versehen.

Neukodierungen waren indes auch in jenem Format gefragt, das auf den ersten Blick wie kein zweites den auf Wirkung bedachten Vorgaben des Propagandaministers zu entsprechen schien. Tatsächlich erfuhr das Melodram im ,Dritten Reich‘ eine spezifische Neuinterpretation, in der das individuelle Schicksal, das zu Tränen rührt, mit Sinnschichten aufgeladen wurde, die das überschüssige Begehren wieder in die Ordnung der Volksgemeinschaft zurückführen sollte. „Ermächtigte Melodramen“ nennt Geesa Tuch diesen Typus filmischer Wirkungsstrategien, die in ihrer tatsächlichen Wirkung als Motoren der Affektgenerierung jedoch kaum zuverlässig zu planen waren.

Da waren die „Heimat-Frontfilme“ in ihrer Steuerung der Affekte schon eindeutiger, auch wenn hier zuweilen der melodramatische Modus bemüht wurde. Es ging darum, wie Rebekka Hufendiek pointiert, die Gefühle zu verschalten in einem „doppelten Wall aus Herzen und Stahl“. Wobei in den Filmen thematisch wird, was sie gleichermaßen bewirken sollen. Die Verschaltung der Gefühle ist in den modernen Kommunikationstechniken ebenso präsent, wie die Errungenschaften der Verkehrstechnik einen beständigen Austausch der Gefühle zwischen Heimat und Front zu gewährleisten scheinen. Im ,Dritten Reich‘, so die Botschaft dieser Filme, ist der Krieg ein Gemeinschaftserlebnis, Raum und Zeit überwindend.

Schaut man sich Melodramen aus der Endphase des ,Dritten Reichs‘ genauer an, wie Helmut Käutners Große Freiheit Nr. 7 , dann wird deutlich, dass das Kino der Heimatfront keineswegs nur auf die emotionalen Bedürfnisse eines vorwiegend weiblichen Publikums gestimmt war. „Männer am Ende“, das weiß Astrid Pohl in ihrer exemplarischen Filmanalyse zu belegen, wissen mit der verordneten Heldenrolle nur mehr schwer umzugehen. Und ein „Männermelodram“ wie Käutners Film scheint bis in seine inszenatorischen Feinheiten diesen Rückzug aus den Gefilden des Heroischen zu spiegeln, wobei nicht nur der Handlungsraum und die Sozialbezüge unsicher werden, sondern auch der Ausblick in die Zukunft, die zumindest, so der Hoffnungsschimmer, den männlichen Protagonisten die Chance auf Entlassung aus ihrem Heldendasein bot.

Von beginnenden Zweifeln an einem tradierten Männerbild blieben die nationalsozialistischen Jugendspielfilme auch in den letzten Jahren des ,Dritten Reichs‘ unberührt. Hier ging es um die Einübung der Jungen in das Kollektiv und damit die Aufgaben, die sie als Männer einst erfüllen sollten, wobei eine Ästhetik der Fetischisierung jene „Verwirrung der Zöglinge“ ersetzte bzw. umlenkte, die ansonsten zum Standardkonflikt der Adoleszenzerzählung gehört. Am Beispiel Alfred Weidenmanns, Jugendbuchautor wie Jungfilmer, der für die Jugend produziert, kann Rüdiger Steinlein zudem zeigen, dass die „Medialisierung des Politischen“ in dessen Biographie gleichsam Gestalt annimmt.

Rekapitulierend und noch einmal die Gefühlsbearbeitung im Film des ,Dritten Reichs‘ befragend, bleibt schließlich zu skizzieren, was aus den Imaginationsfeldern von Fremde und Heimat wurde, die zu besetzen, in der einen oder anderen Weise, höchste Priorität zugekommen war: als Inszenierung kollektiver Träume und intendierter Phantasien des Anderen. Vom frühen Appell „Heim ins Reich“, über die Fernsehnsüchte in Friedenszeiten einschließlich der Rückkoppelung, die Heimat als verlorenen Wunschort erst in der Fremde entdecken zu können, bis zu jenen imaginatorischen Besetzungen ferner Räume, die in Kriegszeiten virulent wurden, reicht das Spektrum, das Manuel Köppen besichtigt. Eine Tagtraumproduktion, die 1945 abbrach, um im bundesrepublikanischen Kino der 50er Jahre wieder aufgenommen zu werden. Die Einschreibungen der Vergangenheit blieben gegenwärtig: in den Inszenierungsmustern, vor allem aber in dem Imaginationspotential, das im ,Dritten Reich‘ freigesetzt wurde und nun bewältigt wie fortgeschrieben, umgelenkt und neukodiert werden musste.

Am Ende eines Unternehmens, das sich aus einem gemeinsamen Seminar zum Film im ,Dritten Reich‘ entwickelt hat, sei nicht nur den Beiträgern gedankt, sondern vor allem auch jenen, die das Buch in der Produktionsphase betreuten. Der Dank gilt der Redakteurin, der unermüdlichen Brigitte Peters, die standhaft auf zuweilen längst angekündigte Texte warten musste oder unversehens einer Neufassung begegnete, den Praktikantinnen der Zeitschrift für Germanistik Rebekka Hufendiek, Anne Paltian, Janin Taubert und Bettina Schmalfuss-Jonas, die so manchen Fehler entdeckten, der anderen verborgen blieb, und nicht zuletzt Tim Berlin, der immer dann eine Filmaufzeichnung hervorzuzaubern wusste, wenn sie am dringendsten benötigt wurde.(7)

 

Anmerkungen

(1) Joseph Goebbels: Rede im Kaiserhof v. 28.3.1933, Berlin. In: G. Albrecht: Nationalsozialistische Filmpolitik. Eine soziologische Untersuchung über die Spielfilme des Dritten Reichs, Stuttgart 1969, S. 439–442, hier S. 439.

(2) Vgl. Adolf Hitler: Mein Kampf, München 1942, S. 193–204.

(3) Reichspressechef: Bestellungen auf der Reichspressekonferenz, Anweisung Nr. 960, Berlin 1937 (28.7.); zit. nach: Rolf Sachsse: Die Erziehung zum Wegsehen. Fotografie im NS-Staat, Dresden 2003, S. 238.

(4) Vgl. Karsten Witte: Film im Nationalsozialismus. Blendung und Überblendung. In: W. Jacobson, A. Kaes, H. H. Prinzler (Hrsg.): Geschichte des deutschen Films, Stuttgart, Weimar 1993, S. 119–170; daran anschließend: Gertrud Koch: Der NS-Film – Institutionen, Genres und Ästhetik. In: B. Sösemann (Hrsg.): Der Nationalsozialismus und die deutsche Gesellschaft, Stuttgart, München 2002, S. 210–221.

(5) Joseph Goebbels: Rede in den Tennishallen v. 19.5.1933, Berlin. In: Albrecht (wie Anm. 1), S. 442–447, hier S. 446.

(6) So die Akzentuierung schon bei Harro Segeberg: Erlebnisraum Kino. In: Ders. (Hrsg.): Mediale Mobilmachung I. Das Dritte Reich und der Film. Mediengeschichte des Films, Bd. 4, München 2004, S. 11–42, hier S. 11 f.

(7) Unser besonderer Dank gilt auch der Deutschen Kinemathek für die zahlreichen Abbildgenehmigungen.
 

 


 

Band 14 Vorwort

 


 

Band 14 - Zwischen Kunst und Wissenschaft. Jakob Michael Reinhold Lenz

 

INGE STEPHAN, HANS-GERD WINTER

 

Einleitung

Biografie und Werk des Sturm und Drang-Autors Jakob Michael Reinhold Lenz (1751–1792) üben eine anhaltende Faszination auf Schriftsteller und Künstler unserer Zeit aus. Seine Person und sein unglückliches Schicksal, das in Ausgrenzung und Krankheit endete, bilden immer noch ein Identifikationsmuster, an dem Künstler der Gegenwart Ängste und Wünsche abarbeiten können, die ihre eigene Rolle betreffen. Dass Lenz zu Lebzeiten in den Spielen um Macht und Geltung im literarischen Feld unterlag, bringt ihm heute eher Sympathie ein. Entsprechend verknüpft sich die aktuelle Lenz-Rezeption immer noch mit der Goethe-Kritik, die im Goethe-Jahr 1999 einen neuen Höhepunkt hatte. Viele Charakterzüge Lenz', die auch seine literarischen Imaginationen prägen, wie sein verqueres Verhältnis zum anderen Geschlecht, werden heute nicht mehr unter ein moralisches Verdikt gestellt. Seine spezifische verdrehte Kreativität, die Tendenz zu „schraubenförmiger“ Wahrnehmung (1) können vor dem Hintergrund einer avancierten Ästhetik als spezifisch „modern“ und zeitgemäß empfunden werden. Lenz' eigentümliche Que rstellung hinsichtlich der zeitgenössischen gesellschaftlichen und ideologischen Ordnungen und seine schon von Brecht anerkannte Sozialkritik, verbunden mit einer Suche nach Lösungen, welche die Literatur vergegenwärtigen könnte, bilden eine immer noch wirksame Schreibtradition. Andererseits kommt Lenz' ironische Distanz, die fremde und eigene Stand punkte ernsthaft, aber auch spielerisch dekonstruiert, bestimmten ästhetischen Postulaten der aktuellen Postmoderne entgegen, obwohl der Autor in seinem religiösen Ernst deutlich zeitgenössischen Denkweisen und Lebenswelten verhaftet bleibt.

Dieser Band behandelt die Frage, wie Jakob Michael Reinhold Lenz in unserer Gegenwart in Literatur und Literaturwissenschaft, aber auch in Theater, Musik und Kunst und in einer Ausstellung präsent ist, welches Bild von Autor und Werk sich ergibt, welche Zugänge zu ihm gefunden werden, in welchen ästhetischen und thematischen Zusammenhängen auf Lenz rekurriert wird, wie sich die Auseinandersetzung mit Lebens- und Werkgeschichte dieses Autors mit einem Zugriff aufgrund unseres heutigen Bewusstseinsstandes verbindet. So sehr Lenz inzwischen in der Wissenschaft ein attraktiver Autor geworden ist, an dem aktuelle Fragestellungen und Methoden verhandelt werden können, die Beschäftigung mit ihm ist in keiner Weise so selbstverständlich wie zum Beispiel die mit seinem bewunderten und beneideten Vorbild Goethe. Möglicherweise liegt gerade in diesem Un- oder Missverhältnis aber auch einer der bleibenden Distinktionswerte, welche die Beschäftigung mit Person und Werk immer wieder antreiben. Der Reiz dieses Bandes liegt darin, Lenz als Gegenstand von Wissenschaftlern und Schriftstellern mit Zugängen aus den anderen Künsten zu verbinden.

Die Herausgeber haben schon 1984 in dem Band „Ein vorübergehendes Meteor“? J. M. R. Lenz und seine Rezeption in Deutschland   (2) auf die produktive Rezeption Lenz' durch Schriftsteller und Künstler verwiesen. Inzwischen gibt es wissenschaftliche Überblicksdarstellungen zur produktiven Rezeption sowie eine Sammlung von Lenz-Porträtgedichten. (3) Eine literarische oder künstlerische Auseinandersetzung mit dem Autor Lenz und mit seinem Werk ist immer Produkt eines Spiegelungsprozesses. Das Ergebnis sagt nicht nur etwas über Lenz, sondern mindestens ebenso viel über die ästhetischen Wertvorstellungen und spezifischen Techniken der Aneignung des Verfassers oder Künstlers aus. So wird Lenz in Kenntnis des historischen Abstandes zugleich gegenwärtigen Diskursen, Schreib weisen, Darstellungsformen und -techniken eingemeindet. Auch die Wissenschaft ist bei allem Bemühen um die historische Verortung von Autor und Werk und um eine den Texten und ihrem Entstehungsprozess adäquate Deutung nicht frei von aktuellen Bezügen. Ihre Untersuchungen sind geprägt vom Kontext der jeweils aktuellen ästhetischen, literaturtheoretischen und -historischen Diskurse. Werner Strube spricht diesbezüglich in seinem Aufsatz über die Kriterien der Beurteilung von Textinterpretationen von der Standortgebundenheit der Wissenschaftler und von ihrer Abhängigkeit vom zu untersuchenden Bereich, wobei er sich auf ein Zitat Karl R. Poppers beruft: "Was der Scheinwerfer sichtbar macht, das hängt ab von seiner Lage, von der Weise, in der wir ihn einstellen, von seiner Intensität, Farbe und so fort; es hängt natürlich auch weitgehend von den Dingen ab, die von ihm beleuchtet werden." (4)

Bekanntlich ist Lenz in den letzten dreißig Jahren nach langer Vernachlässigung deutlich ins Scheinwerferlicht der Wissenschaft geraten. Dazu haben auch die Herausgeber dieses Bandes versucht beizutragen – u. a. durch die Veranstaltung von Konferenzen in den Jahren 1992 und 2002, die zu Lenz arbeitende Forscher(innen) versammelt haben, deren Referate in entsprechenden Bänden dokumentiert wurden. Der Band der zweiten Konferenz „Die Wunde Lenz“. J. M. R. Lenz. Leben, Werk und Rezeption   (5) behandelt nicht die heutige produktive Rezeption – abgesehen von einer Aufführung der Soldaten in Tel Aviv. Im Vordergrund stehen die Debatte über eine historisch-kritische Lenz-Ausgabe und die Forschungen zu Leben und Werk bis hin zur wissenschaftlichen und produktiven Lenz-Rezeption (bis zu Brecht). Mit dem anknüpfenden Titel, der auf eine Formulierung Heiner Müllers zurückgeht, sollte auf die Faszination, aber auch auf die deutlichen Momente der Verstörung hingewiesen werden, die von einer Lektüre der Texte Lenz' immer noch ausgehen. Müller spricht u. a. mit Bezug auf Lenz auch von "[…] nicht zu Ende geführten, nicht zur Wirkung gebrachten Unternehmungen […] Nur alles, was zur Geltung gekommen ist – ich meine jetzt nicht Wirkung – ist antiquiert und steht im Bücherschrank". (6)

Damit ist die zentrale Intention des vorliegenden Bandes getroffen, der die Referate der von den Herausgebern organisierten Konferenz Lenz zwischen Kunst und Wissenschaft im Literaturhaus Berlin am 20. und 21. Mai 2005 versammelt, aber auch zusätzliche Beiträge. Auf der Konferenz und für den Band galt es zu untersuchen, welche Aspekte aus Lenz' Leben und Werk in Kunst und Wissenschaft von Lenz wirkungsmächtig geworden sind und inwieweit es sich dabei auch um Momente handelt, die bisher an ihm nicht und die nun auf neue Weise wahrgenommen werden. Weil u. a. die produktive Rezeption Lenz' im vorliegenden Band weitgehend im Vordergrund steht – die Beiträge zur Wissenschaft beschränken sich auf Forschungsüberblicke –, sind überwiegend Autor(inn)en gewonnen worden, die an der Konferenz 2002 nicht beteiligt waren oder keine Beiträge zu Lenz veröffentlicht haben.

Die Beiträge zeigen, dass die Zeit reif ist, kein bestimmtes Lenz-Bild mehr fortzuschreiben und auch die unproduktiv gewordene Alternative zwischen einer mythisierenden Hagiographie des Autors oder seiner Abwertung zu vermeiden. So wird die Konfrontation Goethe–Lenz heute in produktiven Rezeptionen mit einem größeren Abstand gesehen, aus dem heraus beiden Haltungen eine relative Berechtigung zuerkannt werden kann (7) oder sogar ein spielerisch leichter Umgang mit den Geschehnissen ermöglicht wird. (8) Das Verstörende von Lenz' Texten bleibt freilich ein zentrales Element der Rezeption. Es kann in äußerst präzise Radierungen transformiert werden, die zugleich eine bedrängende Gestal tung aktueller Zeiterfahrungen und psychischer Befindlichkeiten beinhalten. (9) Ferner kann von einer eingehenden Auseinandersetzung mit einem Lenz-Text oder einer Begebenheit aus der Biografie eine so allgemeine Ebene der Vergegenwärtigung ästhetischer Erfahrung gewonnen werden, dass der genaue Autorbezug nur noch Eingeweihten erkennbar ist. (10) Auch im Fortgang der Forschung zu Lenz relativieren sich mit zunehmender Differenzierung überkommene Bezüge und Bewertungen, wie die Beiträge von Gesa Weinert, Hans-Gerd Winter, Marianne Vogel und Inga Achilles zeigen. Die direkte Rezeption von Lenz' Leben und Werk und die über Büchners Erzählung vermittelte Rezeption sind auch heute nicht getrennt, wie sich in diesem Band zeigt. Eine strenge Trennung in der Analyse erscheint uns unproduktiv (gegen Goltschnigg), zumal über Büchners Lenz-Bild auch Aspekte des Originalwerkes erschlossen werden können. Auch gibt es zum Beispiel trotz unterschied licher Technik und Gestaltungsmittel deutliche Berührungspunkte zwischen den an Büchners Text orientierten Illustrationen Alfred Hrdlickas und Susanne Theumers Bildern, die der direkten Lenz-Rezeption zugerechnet werden müssen. Diese Berührungspunkte liegen in der Vergegenwärtigung und Gestaltung von Verstörung und Entwertung des Subjekts. Die für den Konferenzband 2002 beanspruchte Metapher von der „Wunde Lenz“ lässt sich auf beide Künstler beziehen. (11)

Die vorliegenden Beiträge behandeln die Lenz-Aneignung im Zeitraum von Paul Celans Erzählung und der Büchnerpreis-Rede (1959 bzw. 1960) bis heute, da Lenz allmählich zu einem anerkannten Gegenstand der Wissenschaft geworden ist. Der Schwerpunkt liegt weitgehend auf den letzten zehn Jahren. In der Lenz-Forschung bleiben trotz zuneh mender Differenziertheit noch viele Fragen offen – schon wegen der feh lenden historisch-kritischen Ausgabe, deren dringende Notwendigkeit Gesa Weinert in einem Beitrag an ausgewählten Beispielen demonstriert. Hans-Gerd Winter untersucht den Wandel der Lenz-Bilder in den letzten 25 Jahren vom Sozialkritiker und Realisten über den Aufklärer und Kritiker der Aufklärung bis zum ausgegrenzten Intellektuellen (einschließlich der Untersuchung seiner literarisch-sozialen Laufbahn). Zwangsläufig ergeben sich eklatante Widersprüche zwischen den Positi onen und deutliche Veränderungen des Blickwinkels. Marianne Vogel fragt nach dem längst nicht zureichenden Ertrag neuer kulturwissen schaftlicher und gender-orientierter Sichtweisen auf Lenz. Inga Achilles sucht nach einer Biografie, die nicht ein durch überkommende Mythen geprägtes Lenz-Bild vermittelt, sondern von der aktuell diskutierten Entmachtung des Subjekts ausgehen solle. Alle drei Beiträge bestätigen das oben zitierte Bild Poppers vom Scheinwerfer, weil sie die Standortge­bundenheit der behandelten Untersuchungen und ihre Abhängigkeit vom (jeweils anders definierten) Gegenstand deutlich machen.

Die Analysen zur produktiven Rezeption in der Literatur umfassen die über Büchners Erzählung vermittelte Lenz-Aneignung bei Paul Celan (Ulrich Wergin), deren Spezifik sich in ihrer Abhängigkeit von Nietzsche entschlüsselt, die mehr am Autorbild als am lyrischen Werk orientierten Lenz-Porträtg edichte (Arndt Beise), die Annäherungen Harald Gerlachs (Ulrich Kaufmann) und die Konfrontation Goethe–Lenz in den Romanen von Hugo Schultz und Marc Buhl (Ariane Martin). Dass Buhls Kriminalroman, der souverän und unterhaltsam mit den auf Lenz' Aufenthalt 1776 in Weimer bezogenen Fakten und Fiktionen umgeht, sich besser liest als Schulz' moralisierende Goethe-Abrechnung, die sich überdies mit Autor und Werk unseres Autors nicht wirklich auseinandersetzt, dürfte einleuchten. Hans-Ulrich Wagner stellt den Lenz -Film, der 1992 aus Anlass des 200. Todestages des Autors zu sehen war, erstmalig in einen übergreifenden Zusammenhang von Themen und Film sprache Egon Günthers.

Das Theater ist durch die Analyse einer Hofmeister -Aufführung 1996 in der Kulturfabrik Moabit/Berlin vertreten (Bericht des Regisseurs Götz Zuber-Goos). Ulrich Kaufmann blickt auf die maßgeblich von ihm geplante verdienstvolle Lenz-Ausstellung zurück, die zuerst 1996 in Jena stattfand – nach der Düsseldorfer Ausstellung von 1992 die zweite Lenz-Ausstellung überhaupt; sie wurde im Gegensatz zur ersten an zahl reichen Orten gezeigt. Arndt Beise setzt sich mit Alfred Hrdlickas Illus trationen zu Büchners Erzählung auseinander, die er als eine „mitunter über die Vorlage hinaus weisende Parallelerzählung in Bildern“ interpretiert. Peter Petersen dokumentiert und untersucht Adriana Hölszkys Transformation von Lenz' Gedicht Gemählde eines Erschlagenen in ein Klangwerk, das ganz unliterarisch ist, sich aber in den Tiefenschichten der ästhetischen Erfahrung mit dem Eindruck beim Lesen der Textvorlage berührt.

Wie sehr das in diesem Gedicht präsentierte beklemmende Rätsel des Mordes die Umwandlung in eine moderne künstlerische Formensprache provoziert, zeigen auch die eindringlichen Radierungen Susanne Theumer s. Diese sind im Band abgebildet und werden vorgestellt von Inge Stephan . Die Künstlerin, seit 2006 A. Paul Weber-Preisträgerin, präsentierte anlässlich der Konferenz im Literaturhaus eine große Ausstellung mit Bildern zu verschiedenen Gedichten, u. a. eine Mappe An das Herz . Diese Bilder, die sich erst bei einem längerem Hinsehen entschlüsseln, knüpfen an Lenz' Ironie, Satire, Melancholie und vor allem an seine hektischen Bewegungen, die seelische und soziale Abgründe ausdrücken, an. Wie die meisten Bilder eigens für die Konferenz entstanden, so baute Joachim Hamster Damm eine Installation zu Lenz' Brunnensturz bei Oberlin auf, die von Hans-Gerd Winter vorgestellt wird. Lenz' Herausfallen aus den kommunikativen Strukturen seiner Zeit und sein Versuch, durch die Konfrontation mit dem Naturelement wieder ein Bewusstsein der eigenen Identität zu gewinnen, werden transformiert in ein geregeltes Zusammenspiel des Urelementes Wasser mit einer mechanischen Konstruktion (mit elektrischer Wasserpumpe) und mit digitalen Bildern. Wie bei Hölszky ist die sich ergebende ästhetische Erfahrung weit entfernt von ihrem Ausgangspunkt, berührt sich aber mit ihm für den Kenner in einer tieferen Schicht.

„Der Irre höhnt die Blitzgescheiten“, beginnt Hubert Winkels Gedicht Lenz oder die Erfindung der Telephonie . Hans-Ulrich Treichel schreibt: „Wer aber / würde meiner gedenken, / ginge ich aufrecht, säße / im Warmen, wie ihr.“ Das Abweichende, das Exzentrische, das Verstörende – diese existenzielle, aber auch ästhetische Erfahrung bildet den Anreiz für die Aneignung von Lenz in der Kunst und Literatur der Gegenwart. Auch in der Forschung spielt dies eine Rolle, doch jene versucht eher, Lenz historisch zu verorten, sein Verhalten und seine Schreibweise entsprechend den rekonstruierten zeitgenössischen Normen zu beurteilen. Manches, was uns heute irritiert, lässt sich so vielleicht anders verstehen. Vielleicht hat Lenz, um den Hofmeister als Beispiel zu nehmen, die Selbstkastration Läuffers aufgrund von Positionen in der zeitgenössischen Diskussion über sie doch als eine ernsthafte Alternative erwogen, die uns heute mit Brecht als ein irritierendes Symbol für die erzwungene Selbstbeschneidung des Intellektuellen erscheint. Die literarische oder künstlerische Adaption von Autorfigur und Werk kann mit diesen freier umgehen als die Forschung, sie dekonstruieren oder neu konstruieren als ein Medium und Forum eigener Erfahrungen und Vorstellungen. Dennoch ergibt sich daraus ein Potenzial an Anregungen, das auch in der einschlägigen Forschung produktiv gemacht werden kann, schon um jede Orthodoxie zu vermeiden, die sich aus einer verengten Orientierung an der wie auch immer rekonstruierte Autorintention oder -disposition ergeben könnte.

Dem Leser wird auffallen, dass Lenz' zweiter Vorname Jakob mal mit „c“, mal mit „k“ geschrieben wird. Die Herausgeber haben bewusst von einer Vereinheitlichung abgesehen. Darin spiegelt sich die unterschiedliche Verfahrensweise in der Lenz-Forschung. Bekanntlich ist Lenz' zwei ter Vorname im Taufregister mit „c“ geschrieben worden, er selbst schrieb sich mit „c“ oder mit „k“.

Wie jede Tagung und der dazugehörige Tagungsband konnte auch das Lenz-Projekt, mit dem eine mehr als 20-jährige Zusammenarbeit der beiden Herausgeber einen Abschluss findet, nur realisiert werden, weil es Unterstützung von unterschiedlichsten Seiten gab. Unser Dank gilt dem Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin für seine finanzielle Zuwendung, dem Berliner Literaturhaus in der Fasanenstraße für die professionelle Betreuung, Sabine Imhof für die Umsicht und Freundlichkeit bei der organisatorischen Vorbereitung der Konferenz, den beiden Praktikantinnen Franziska Weber und Sarah Metzler für ihre tatkräftige Hilfe beim Lektorat der Manuskripte und Götz Zuber-Goos für die dramaturgische Vorbereitung und Durchführung der Lesung, an der neben ihm auch Julia Freytag und Stephan Clemens beteiligt waren und die – zusammen mit den künstlerischen Arbeiten von Susanne Theumer und Joachim Hamster-Damm – Lenz als einen Autor präsentierten, dessen Texte noch heute lebendig sind und zur Auseinandersetzung provozieren. Unser besonderer Dank gebührt Brigitte Peters, die – wie bereits beim vorangegangenen Tagungsband – auch diese Publikation wieder engagiert und professionell betreut hat, und Susanne Theumer, die uns großzügig die Abdruckrechte für ihre Bilder überlassen hat und von der das Titelbild des Bandes stammt.

 

Anmerkungen

(1) Vgl. den Beitrag von Hans-Gerd Winter in diesem Band.

(2) Inge Stephan, Hans-Gerd Winter (Hrsg.): „Ein vorübergehendes Meteor?“ J. M. R. Lenz und seine Rezeption in Deutschland, Stuttgart 1984.

(3) Vgl. Elisabeth Genton: Jacob Michael Reinhold Lenz et la scène allemande, Paris 1966; Ariane Martin: Die kranke Jugend. J. M. R. Lenz und Goethes Werther in der Rezeption des Sturm und Drang bis zum Naturalismus, Würzburg 2002; Nicola May: Das Bild des Jakob Michael Reinhold Lenz als Bühnenfigur, Stuttgart 1991; Timm Reiner Menke. Lenz-Erzählungen in der deutschen Literatur, Hildesheim u. a. 1984; Peter Petersen, Hans-Gerd Winter: Lenz-Opern. Das Musiktheater als Sonderzweig der produktiven Rezeption von J. M. R. Lenz' Dramen und Dramentheorie. In: Lenz-Jahrbuch 1 (1991), S. 9–58; Dörte Schmidt: Lenz im zeitgenössischen Musiktheater. Literaturoper als kompositorisches Projekt bei Bernd Alois Zimmermann, Friedrich Goldmann, Wolfgang Rihm und Michèle Reverdy, Stuttgart, Weimar 1993; Erich Unglaub: „Das mit Fingern deutende Publicum“. Das Bild des Dichters Jakob Mi chael Reinhold Lenz in der literarischen Öffentlichkeit 1770–1814, Frankfurt a. M., Bern 1983; Hans-Gerd Winter: Jakob Michael Reinhold Lenz, Stuttgart 2 2000, S. 104–174.

(4) Werner Strube: Über Kriterien der Beurteilung von Textinterpretationen. In: L. Danneberg, F. Vollhardt (Hrsg.): Vom Umgang mit Literatur und Literaturgeschichte, Positionen und Perspektiven nach der ‚Theoriedebatte‘, Stuttgart 1992, S. 189.

(5) Vgl. Inge Stephan, Hans-Gerd Winter (Hrsg.): „Die Wunde Lenz“. J. M. R. Lenz. Leben, Werk und Rezeption (Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik, Bd. 7), Bern 2003.

(6) Heiner Müller: Gesammelte Irrtümer und Gespräche, Frankfurt a. M. 1986, S. 25.

(7) Vgl. Hans-Ulrich Wagners Untersuchung des Lenz -Films Egon Günthers.

(8) Vgl. den in Ariane Martins Beitrag behandelten Roman von Marc Buhl.

(9) Vgl. die Lenz-Bilder von Susanne Theumer.

(10) Vgl. Peter Petersens Beschreibung der Komposition Adriana Hölszkys und die Lenz-Installation Joachim Damms.

(11) Eine stärker von Ironie geprägte, weniger auf Verstörung angelegte ästhetische Erfahrung, die Lenz – in diesem Fall seinen Namen – als Spielmaterial benutzt, findet sich in Kurt Mautz' Anagrammgedicht Jakob Michael Reinhold Lenz in seinem Band Letterntausch (Gießen 1993, S. 63). Das Gedicht zitiert Matthias Luserke (in: Lenz-Studien , St. Ingbert 2001, S. 10). Auch neuere Porträtgedichte stoßen sich von der konkreten historischen Figur Lenz ab zur Präsentation einer aktuellen allgemeineren Erfahrung. Vgl. z. B. Hubert Winkels Lenz oder die Erfindung der Telephonie (in: Lyrische Lenzporträts. Zusammenstellung: Ulrich Kaufmann. In: A. Meier (Hrsg.): Jakob Michael Reinhold Lenz. Vom Sturm und Drang zur Moderne, Heidelberg 2001, S. 132.

 


Band 13 Vorwort


 

Band 13 - Das Buch der Bücher – gelesen

 

STEFFEN MARTUS und ANDREA POLASCHEGG

Das Buch der Bücher – gelesen. Einleitung

Bei aller Begeisterung über die Neuwahl eines Papstes, die der katholischen Kirche im Frühjahr 2005 eine ungeheure Medienaufmerksamkeit beschert hat – die Beschäftigung mit „Lesarten der Bibel in den Wissenschaften und Künsten“ versteht sich nicht von selbst, und dies aus zwei einander widersprechenden Gründen: Da ist zum einen die Diagnose eines diffundierenden Wissens vom Buch der Bücher in Wissenschaft und Öffentlichkeit, zum anderen die nicht minder offenkundige Omnipräsenz biblischer Motive, Figurationen und Muster in Kunst und Kultur. Das Wechselspiel dieser beiden Aspekte und ihre Rückwirkung auf alle Annäherungsversuche an das Thema dieses Bandes lohnen eine genauere Betrachtung.

Bereits die seit den 1990er Jahren stetig wachsende Zahl populärer Einführungen, lexikalischer Erfassungen und anthologischer Zusammenschauen des biblischen Traditionsbestands samt seiner Adaptationen zeugt davon, dass das Zutrauen in die ‚Bibelfestigkeit‘ weiterer Kreise von Lesern, Bildbetrachtern oder Hörern schwindet. (1) Und die große Nachfrage nach diesen Publikationen legt ferner die Vermutung nahe, dass hier in Sachen Bibelwissen tatsächlich keineswegs Eulen nach Athen getragen werden. Nicht wenige Überblicksdarstellungen zur Bibelrezeption in Künsten und Kultur erwecken bereits in ihrer Gesamtanlage den Eindruck, als sei nicht allein die Bibel selbst, sondern inzwischen auch ihre Kenntnis historisch geworden, (2) als sei das Buch der Bücher aus dem Bereich kommunikativer Gedächtnisbestände in die Sphäre des kulturellen Gedächtnisses gerutscht, (3) in den Bereich des nur mehr reflexiv Zugänglichen, wo es allein mit Hilfe massiver bildungsbürgerlicher Kanonisierungsarbeit vor dem gänzlichen Verschwinden bewahrt werden könne. Schließlich scheint auch in der bundesdeutschen Öffentlichkeit über die Diagnose, dass die Bibel nicht zum aktiven Wissenshaushalt und verfügbaren Geschichtenreservoir zumal der jüngeren Generation zählt, Konsens zu herrschen. Dieser Konsens zeigte sich noch einmal besonders eindrücklich in einer breiten und kontroversen Debatte, die im Frühjahr 2004 durch Burkhart Müllers Artikel Wir sind Heiden. Warum sich Europa nicht auf christliche Werte berufen sollte in der Süddeutschen Zeitung angestoßen worden war.

Während nämlich die zentralen Argumente sowohl Müllers als auch seiner Kritiker in erster Linie weltanschaulich fundiert waren und einander entsprechend unvereinbar gegenüberstanden, herrschte bei allem emotionalisierten Dissens zwischen den Lagern in einem Punkt auffällige Einigkeit. In seine Auflistung heute noch „gesellschaftlich wirksamer Tatbestände“ aus christlichem Erbe hatte Müller Einrichtungen wie die Kirchensteuer, Sonn- und Feiertage und bestimmte Sendeplätze in öffentlich-rechtlichen Rundfunk- und Fernsehanstalten aufgenommen, um dann jedoch mit einer Bemerkung zu schließen, der auch seine schärfsten Gegner zustimmten:

Was eindeutig nicht dazu gehört, ist die Kenntnis des konstituierenden Zentraldokuments der Religion, der Bibel. Man teste einmal an einer ostdeutschen Universität, wer noch den Schöpfungsbericht von Adam und Eva kennt? Bei einem Versuch hat sich unter vielen hundert Studenten kein einziger gefunden, der dieses nun wirklich plastische und einprägsame Stück Literatur seinem Inhalt nach vollständig hätte referieren können. Es wäre irreführend, hier von „Atheismus“ zu sprechen: Hier hat keine Entscheidung stattgefunden, hier herrscht blanke Leere. (4)

Man mag die hier diagnostizierte „Leere“ aus guten Gründen zur „Lücke“ abmildern oder im Gegenzug und aus ebenso guten Gründen die angenommene Beschränkung auf Ostdeutschland und die Generation der Studierenden aufheben; in jedem Fall ist das Buch der Bücher heute für viele potenzielle Leser offenbar selbst zu einem Buch mit sieben Siegeln (Off 5,1) geworden, und das Wissen um diesen Text nimmt sichtlich ab.

Dem Befund, die Bibel verliere ihre tragende Rolle für die kulturelle Selbstverständigung, steht ein anderer Befund diametral gegenüber. Er kann sich auf einen ebenso großen Konsens in Wissenschaften und Publizistik stützen. Dieser Konsens lautet: Die Bibel ist überall. Ob in der Vergangenheit oder in der Gegenwart, ob in Bild oder Text, ob erkannt oder unerkannt, in Hoch- oder Popkultur, als Zitat, Motiv, Narrativ, Form oder Thema – in der deutschen Kultur und Öffentlichkeit findet sich kaum ein Segment, in dem nicht früher oder später Biblisches begegnet. Das beginnt mit Banalitäten wie den Hiobsbotschaften, Feigenblättern und Kainsmalen unserer Alltagssprache, zieht sich weiter über vermeintliche Goethe-Zitate wie der „Krankheit zum Tode“ (Joh 11,4) oder vermeintliche Kant-Erfindungen wie den Kategorischen Imperativ und lässt sich durch zahllose Adaptationen biblischer Figurationen in politischer, journalistischer und wissenschaftlicher Rede hindurch verfolgen wie etwa im Fall Adams und Evas, (5) Kains und Abels, des Auszugs aus Ägypten, des verlorenen Sohns, der Heiligen Familie, (6) der Passion oder der Apokalypse. (7) Und nach wie vor bildet die Bibel einen der größten Stoffpools der Literaturen, Künste und Popkulturen. Letzteres mag besonders auf dem Feld der Popmusik und der entsprechenden Video-Ästhetik, des internationalen Films und der Science-Fiction durchaus dem Einfluss einer US-amerikanischen Bibel-Kultur geschuldet sein, die sich von der zeitgenössischen deutschen in vielfacher Hinsicht unterscheidet. Die omnipräsenten Christusfigurationen der Musik-Videos von REM bis zu Marilyn Manson, die dominante Abendmahls- und Passionssemantik bei so unterschiedlichen Regisseuren wie Oliver Stone, George Lucas oder Steven Soderbergh oder die Wiederkehr der Erlöserfiguren in den Familienbildern Hollywoods mögen im Rahmen deutscher Filmproduktionen nur schwer denkbar sein. Diese Einsicht in eine Facette dessen, was gemeinhin „Globalisierung“ genannt wird, ändert indes nichts daran, dass die Bibel mit Recht auch in den hiesigen kollektiven Bildwelten nach wie vor Omnipräsenz für sich beanspruchen kann.

Doch von wo aus, so muss man angesichts dieser gegenläufigen Befunde fragen, sollen und können die Lesarten der Bibel beobachtet werden ? Eine Antwort auf diese zentrale wissenschafts- und erkenntnistheoretische Frage stammt aus der bisweilen als Superperspektive angebotenen Systemtheorie. Und obgleich deren stoisch gestimmter Vertreter Niklas Luhmann nicht den Verdacht erweckt, religiösen Affekten gegenüber besonders aufgeschlossen zu sein, stellen in seinen Überlegungen nicht zufällig Gott und Teufel zwei prominente Akteure. An ihrem Beispiel entfaltet Luhmann auch sein Konzept des Beobachters und damit eines der Zentren seiner Theorie. In der Wissenschaft der Gesellschaft schreibt er:

Jede Hierarchie erfordert eine Spitze mit unerklärbaren Eigenschaften, eine oberste Position, die zugleich das Ganze und sich selber repräsentiert. […] Jede Beobachtung und Beschreibung, die die Hierarchie nochmal transzendieren will, muß auf ein ihr übergeordnetes Prinzip rekurrieren, das ihr letzte Einheit, Wahrheit und Gutheit garantiert. Und wer dann noch beobachten will auf ein nochmals Überbietendes hin – wird zum Teufel; denn einem solchen Beobachter bleibt keine andere Wahl als die Beobachtung im Schema von gut und böse und die Selbstauszeichnung als böse. (8)

Damit ist nicht allein die Frage nach der Position eines Theoretikers aufgeworfen, der das Beobachten des Beobachtens zur Denksportaufgabe bzw. zum Normfall gemacht hat; sondern damit entschuldigt Luhmanns diabolische Erläuterung zugleich, dass – wie im Falle sämtlicher Publikationen zum Thema – die Beschäftigung mit der Bibel immer selektiv sein wird. Wo biblische Figurationen sich sogar in Metatheorien einschleichen, bleibt als Modus für ihre Beobachtung und Beschreibung nur die stets unter Willkürverdacht stehende, radikale Auswahl der Gegenstände. Und so verfolgt auch unser Band nur einige Lesarten eines omnipräsenten Buchs durch Künste und Wissenschaften, das sich heute vor allem dadurch auszeichnet, nicht gelesen zu werden.

Dabei ist die widersprüchliche Figur des nicht gelesenen Buchs der Bücher keineswegs allein ein Phänomen der Gegenwart oder Symptom eines vermeintlichen Traditionsverlusts. Bereits der zweite Blick auf die Rezeptionsgeschichte der Bibel zeigt, dass ihre Faszinations- und Wirkungsgeschichte nicht allein über den Kreis der Gläubigen hinaus reicht, sondern zudem – und das ist für unsere Frage nach den „Lesarten der Bibel in den Wissenschaften und Künsten“ entscheidend – noch nicht einmal notwendig an die Lektüre des biblischen Textes gebunden war. Zwei einfache Beispiele mögen das illustrieren:

Von jeher etwa gehörten zur bildlichen Grundfiguration des Sündenfalls ein nackter Mann, eine nackte Frau und ein Apfel. Diese Konstellation hat – mal mit, mal ohne Schlange – von mittelalterlichen Bibel-Illustrationen bis zu heutigen Werbespots für Fruchtjoghurt Ikonografiegeschichte geschrieben und würde wohl selbst von Burkhard Müllers studentischen Probanten zumindest irgendwie mit der Bibel in Verbindung gebracht werden. Gerade dort aber sucht man sie vergeblich. Im biblischen Eden wachsen keine Äpfel, hier gibt es nur unter­determinierte „Früchte“ (1.Mos 3,6). Und doch – wer wollte dem Apfel in der Hand Evas ernsthaft seinen biblischen Ursprung streitig machen?

Ähnliches gilt für eine ganze Reihe prominenter biblischer Figuren, die durch den jahrhundertelangen Gebrauch des Buchs der Bücher, durch seine Übersetzung in verschiedene Bildmedien, die Fortschreibung seiner Geschichten in anderen literarischen Gattungen, dem Buch entstiegen sind und ein so eigenes Leben geführt haben, dass man sie bei (neuerlicher) Lektüre des biblischen Texts kaum mehr wiedererkennt. Maria Magdalena etwa, dieser Inbegriff der betörenden Ehebrecherin und reuigen Sünderin, deren ambivalente Reize spätestens seit dem Barock die Kunstschaffenden stets aufs Neue in ihren Bann geschlagen haben, wird keinem Bibel leser je über den Weg laufen. Der Blick ins Buch der Bücher trifft allein auf drei verschiedene und miteinander in keiner nachvollziehbaren Verbindung stehenden Frauenfiguren – auf eine ehedem von bösen Geistern besessene Maria von Magdala unter dem Kreuz und am Grab Jesu, auf eine namenlose Ehebrecherin, die vor der Hinrichtung bewahrt wird, und auf Maria von Bethanien, die ihrem Christus die Füße salbt. (9) Erst im Laufe der Rezeptionstradition sind diese drei Frauen zu jener Einheit verschmolzen, der das Konzept „Maria Magdalena“ seine bis heute ungebrochene Faszinationskraft verdankt – eine Faszinationskraft, die sich allein aus einem Wissen über die Bibel speist und aus dem biblischen Text selbst nicht ableitbar ist.

Wagt sich die Intertextualitätstheorie an das Thema Bibel heran, dann überleben einige ihrer wissenschaftlichen Grundannahmen diesen Kontakt nicht. Mit einem Palimpsest – jenem prominenten Topos der Intertextualitätstheorie (10) – haben Bezugnahmen auf die Bibel in den Wissenschaften und Künsten jedenfalls wenig gemein. Wie die Beispiele zeigen und wie verschiedene Beiträge in vorliegendem Band weiter illustrieren, greifen diese Bezugnahmen oft genug überhaupt nicht auf den biblischen Text zurück, sondern auf Vorstellungs- und Bildwelten, die sich um ihn herum angelagert haben und seine Gebrauchsfähigkeit gerade in nicht-sakralen Zusammenhängen durch die Jahrhunderte garantierten und noch immer garantieren. Damit sind hypothetisch Einflüsse und Verkettungen gesetzt, die über das proklamierte Ende des sich als christlich (miss)verstehenden Europa deutlich hinausweisen. Von den selbst schon wieder apokalyptischen Meldungen über die kulturelle Amnesie in biblischen Dingen wird diese Perspektive allenfalls insoweit tangiert, als die Fähigkeit, die Zeichen der Bibel zu lesen, schwindet. Dies ändert indes nichts daran, dass sie vorhanden sind; und es ändert auch nichts daran, dass eine entsprechende Lesekompetenz in Bezug auf die Bibel für das Verständnis kultureller, wissenschaftlicher und künstlerischer Zusammenhänge von Vorteil ist.

Ganz besonders gilt das angesichts des Umstands, dass die Bibel in ihrer Gebrauchsgeschichte keineswegs allein die Funktion eines stets verfügbaren, frei anwendbaren und höchst produktiven Motiv-, Stoff- und Geschichtenpools innehatte. Zugleich besaß und besitzt sie – und das ist für unsere Frage nach ihren „Lesarten in den Wissenschaften und Künsten“ ebenfalls entscheidend – den Charakter einer Offenbarungsschrift, eines Texts also, der nicht allein über Gott spricht, sondern in dem sich Gott selbst offenbart. Das performative Potenzial des biblischen Wortes, das sich aus seinem Offenbarungscharakter ableitet, hat seinen Gebrauch auch und gerade in nicht-sakralen Kontexten in hohem Maße mitbestimmt. Aus ihm leitet sich der wirkmächtige Topos der Bibel als paradigmatisches Buch, als Buch der Bücher, her – eine Deutungs- und Gebrauchstradition, die sich durch Luthers deutsche Übersetzung und deren historisch enge Verschränkung mit dem Buchdruck noch verstärkt hat. Von hier haben unterschiedlichste Entwicklungen ihren Ausgang genommen: etwa bestimmte hermeneutische Traditionen, das Deuten und immer wieder Neudeuten eines Textes und seines als unerschöpflich gedachten Sinns; die bildungspraktische Tradition der Fibel, jener frühneuzeitlichen Institution der Alphabetisierung, die sich in Wort und Praxis bis weit ins 18. Jahrhundert mit der Bibel deckte; die literarische Tradition der Aufnahme biblischer Dichtungsformen wie des Gleichnisses, der parallelen Komposition von Versen, der metaphorischen Bildlichkeit; die Tradition der Bibel als Reflexions- und Konstitutionsmedium von Sprecher- und Hörerpositionen, von Leserschaft und besonders literarischer Autorschaft. Im Unterschied zu den oben skizzierten Rezeptionslinien biblischer Figuren, Motive und Geschichten, gehen diese Spielarten auf das Buch der Bücher als geschriebenem Text zurück. An ihn knüpfen sie nicht primär semantisch, sondern pragmatisch an und formen sich zu einer biblisch initiierten und durch das Buch der Bücher immer neu dynamisierten Geschichte der Schreib- und Lesetechniken.

Die Modi des Gebrauchs der Bibel, die Spielarten der Umgangsformen mit dem Buch der Bücher erweisen sich bei näherem Hinsehen also als mindestens ebenso facettenreich wie das thematische Spektrum biblischer Rekurse in den Wissenschaften und Künsten. Daher haben es sich die hier versammelten Beiträge der Ringvorlesung „Lesarten der Bibel in den Wissenschaften und Künsten“, die im Wintersemester 2004/05 an der Humboldt-Universität zu Berlin veranstaltet wurde, zur Aufgabe gemacht, Rezeptionslinien biblischer Texte gerade im Blick auf ihre historischen, medialen, diskursiven und ästhetischen Bedingtheiten, Effekte und Potenziale sichtbar zu machen. An die Stelle einer thematisch repräsentativen Auswahl der prominentesten Bibelpassagen tritt in der Konzeption dieses Bandes der Versuch, unterschiedliche Spielarten des Gebrauchs der Bibel aufzuzeigen und darzustellen. Dabei zielen die Studien auf die Vermittlung von Textkenntnissen und methodischen Vorgehensweisen gleichermaßen. Die Beiträge beziehen sich zumeist auf einen begrenzten Ausschnitt der Bibel, auf einzelne Passagen, Geschichten, Figurationen, Topoi, Motive oder Genres, die nach Möglichkeit auch selbst durch ausführliche Zitate zur Sprache kommen. Dabei werden die Leistungen und die Grenzen der jeweils thematisierten Medien und Kunstformen sichtbar, das Spezifische und der historische Stellenwert der diskutierten Phänomene sowie die Besonderheiten der jeweiligen Disziplinen, von denen aus die Bibel in den Blick genommen wird.

Wie gesagt: Es kann auch dabei nur um exemplarische Fälle gehen, nicht um das Aufstellen eines tatsächlichen Panoramas von Lesarten der Bibel. Viele biblische Erzählungen und Bücher, die eine breite und höchst eigengesetzliche Rezeptions- und Gebrauchsgeschichte durchlaufen haben, fehlen in diesem Band. So sparen die Beiträge beispielsweise Kain und Abel aus, Moses, David oder Saul, Judas, Paulus oder Maria und selbst die Apokalypse. Zwar sollen auch hier Texte der Bibel in Erinnerung gerufen und die Vielfalt der Bezugnahmen zumindest in Ausschnitten beleuchtet werden; dies jedoch in erster Linie, um so die Funktionsvielfalt und die Funktionswechsel der Bibel im Rahmen theologischer, anthropologischer, politischer, künstlerischer, medientheoretischer, hermeneutischer oder juridischer Diskurse vor Augen zu führen.

Ein entscheidendes Ergebnis der Studien lässt sich bereits an dieser Stelle festhalten: Sie alle machen die Bibel als herausragenden Gegenstand einer „applikativen Hermeneutik“ sichtbar, die den Text als immer aktuelle Antwort an sich ständig erneuernde Fragen, Situationen und Kontexte anpasst, (11) so dass man die Geschichte von Lesarten der Bibel letztlich als Geschichte der Produktivität von Missverständnissen schreiben könnte oder als Bewegung einer ständigen Verschiebung, Verengung oder Erweiterung von Bedeutungen, wie sie im locus classicus des Eingangsmonologs von Goethes Faust vorgeführt werden. (12) Darüber hinaus zeigen die Beiträge dieses Bandes einmal mehr, dass die Kenntnis der Bibel ganz offensichtlich nicht nur nicht schadet, sondern bisweilen sogar unabdingbar ist, wenn man die Vergangenheit und die Gegenwart im Positiven wie im Negativen verstehen will.

Unter den vielen der bereits genannten Aspekte, welche die Bibel zum abendländischen Buch der Bücher gemacht haben, sind vier Funktions- und Gebrauchszusammenhänge, denen sich die Einzelstudien dieses Bandes in besonderer Weise zuwenden:

1. Mit der Bibel als Sammelbecken von Themen, Geschichten, Bildern und Topoi befassen sich Ernst Osterkamp s Beitrag zur literarischen Faszinationsgeschichte der Judith-Figur und ihrem jähen Ende, Helmut Pfeiffer s Studie zu Salomes Aufstieg im Fin de siècle, Horst Wenzel s Aufsatz zur spannungsreichen Allegorese der Noah-Geschichte in der mittelalterlichen Ordnung der Welt und Hartmut Böhme s kleine Kulturgeschichte einer vom Himmel gefallenen Göttinnenstatur. Dabei tritt in besonders eindrücklicher Weise die Bedeutung von Eigengesetzlichkeiten literarischer Genres, ästhetischer Konzepte, politischer Gebrauchskontexte und materialer Träger der Rezeption für die wechselvollen Schicksale der biblischen Stoffe in den Mittelpunkt.

2. Wie weitreichend die Bibel Auseinandersetzungen mit den Grenzen und Möglichkeiten der Hermeneutik, mit Techniken des Lesens und der Konstitution von Sinn provoziert hat, machen der Beitrag von Matthias Köckert anhand der innerbiblischen Neulektüren der Abraham-Figur, Hans Jürgen Scheuer s mittelalterliche Spurensuche einer „Hermeneutik der Intransparenz“ sowie Lutz Danneberg s Funktionsgeschichte der Bibel zwischen sakrosanktem und ästhetisch verwertbarem Text anschaulich.

3. Den vielfältigen Einfluss der Bibel auf die Formenwelt von Literatur und Philosophie setzen Gustav Seibt s Neulektüre von Thomas Manns Josephs-Tetralogie und Daniel Weidner s Studie zu Lesarten des Johannes-Evangeliums um 1800 ins Bild. Ihre mehrfachen Transformationen auf dem Feld der palästinensischen Literatur verfolgt der Beitrag von Angelika Neuwirth und zeigt dabei ebenso wie die von Richard Schröder verfolgten Spuren des Gleichnisses vom Unkraut unter dem Weizen die politischen Potenziale biblischer Formen auf.

4. Die Bibel als Textmuster und als mediengeschichtlicher Textfall von Effekten und Utopien der Materialität der Kommunikation sowie der dadurch angeregten künstlerischen Produktivität illustrieren schließlich die Studien Rudolf Preimesberger s zur Cappella Sistina, Hermann Danuser s zu Haydns Schöpfung , Verena Olejniczak Lobsien s Beitrag zur „biblischen Gerechtigkeit auf dem Theater“ zwischen Matthäus und Shakespeare und Alexander Honold s Überlegungen zur narrativen Dimension des Buchs der Bücher.

Für die erfolgreiche Durchführung der Ringvorlesung und für die Drucklegung dieses Sammelbandes haben wir vielen Beteiligten zu danken: dem Innovationsfond und dem Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin für ihre finanzielle Unterstützung; der Evangelischen Akademie zu Berlin, der Katholischen Akademie in Berlin und der Sophien-Gemeinde, Berlin, die uns ihre Kirchen als Veranstaltungsräume zur Verfügung gestellt haben; dem Taschen Verlag (Köln) für die freundliche Genehmigung der Abbildung auf der ersten Umschlagseite, (13) Janika Gelinek, Sonja Helms, Malte Lohmann für ihre organisatorische, Annika Sindram, Christian Thomas und Ingrid Pergande-Kaufmann für ihre redaktionelle Hilfe; Brigitte Peters, die das vorliegende Buch überhaupt erst zum Buch hat werden lassen, sowie allen Beiträgerinnen und Beiträgern, die sich so engagiert auf unser Projekt eingelassen haben.

Anmerkungen

(1) Im Überblick vgl. Georg Langenhorst: Theologie und Literatur. Ein Handbuch. Darm stadt 2005, S. 77 ff. An Überblicks- und Sammelwerken sind etwa zu nennen Peter Calvocoressi: Who's who in der Bibel. München 13 2004; Bibellexikon. Hrsg. von Klaus Koch, Eckart Otto, Jürgen Roloff u. Hans Schmoldt. Stuttgart 1992 ( 1 1978); Sol Liptzin: Biblical Themes in World Literature. Hoboken 1985; Die Bibel im Verständnis der Gegenwartsliteratur. Hrsg. von Johann Holzner u. Udo Zeilinger. St. Pölten/Wien 1988; Paradeigmata. Literarische Typologie des Alten Testaments. Hrsg. von Franz Link. 2 Bde. Berlin 1989; Louis Goosen: Van Abraham tot Zacharia. Thema's uit het Oude Testament in religie, beeldende kunst, literatuur, muziek en theatre. Nijmegen 1990; Welch ein Buch! Die Bibel als Weltliteratur. Hrsg. von Wilhelm Gössmann. Stuttgart 1991; A Dictionary of Biblical Tradition in English Literature. Hrsg. von David Lyle Jeffrey. Grand Rapids/Michigan 1992; Die Bibel in der Kunst. Hrsg. von Horst Schwebel. Stuttgart 1993 ff.; Bibel und Literatur. Hrsg. von Jürgen Ebach u. Richard Faber. München 1995; Tea-Wha Chu: Der Weg zur Literaturtheologie. Eine Auswahlbibliographie für die interdisziplinäre Forschung „Literatur und Theologie“. Regensburg 1996; La Bible en Littérature. Actes du colloque international de Metz. Hrsg. von Pierre-Marie Beaude. Paris 1997; Das Buch und die Bücher. Beiträge zum Verhältnis von Bibel, Religion und Literatur. Hrsg. von Bettina Knauer. Würzburg 1997; The Bible in Literature and Literature in the Bible. Hrsg. von Tibor Fabiny. Zürich 1999; Das Buch der Bücher. Seine Wirkungsgeschichte in der Literatur. Hrsg. von Tom Kleffmann. Göttingen 2004; Die Bibel in der Kunst. Gemälde, Zeichnungen, Graphiken auf DVD-ROM. Berlin 2004.

(2) Die Bibel in der Kunst. Das 20. Jahrhundert. Bildauswahl, Einführung und Erläuterungen von Horst Schwebel. Stuttgart 1994; Die Bibel in der deutschsprachigen Literatur des 20. Jahrhunderts. Hrsg. von Heinrich Schmidinger. 2 Bde. Mainz 1999; Magda Motté: „Esthers Tränen, Judiths Tapferkeit“. Biblische Frauen in der Literatur des 20. Jahrhunderts. Darmstadt 2003; Christoph Gellner: Schriftsteller lesen die Bibel. Die Heilige Schrift in der Literatur des 20. Jahrhunderts. Darmstadt 2004.

(3) Zu diesen Konzepten vgl. Harald Welzer: Das kommunikative Gedächtnis. Eine Theorie der Erinnerung. München 2005, S. 13 ff.

(4) Burkhard Müller: Wir sind Heiden. Warum sich Europa nicht auf christliche Wurzeln berufen sollte. In: Süddeutsche Zeitung vom 24. April 2004, S. 13 (Hervorhebung S. M./ A. P.).

(5) Dazu jüngst ausführlich: Kurt Flasch: Eva und Adam. Wandlungen eines Mythos. München 2005.

(6) Dazu nicht minder ausführlich: Albrecht Koschorke: Die Heilige Familie und ihre Folgen. Ein Versuch. Frankfurt a. M. 3 2001.

(7) Vgl. dazu exempl.: Maria Moog-Grünewald, Verena Olejniczak Lobsien (Hrsg.): Apokalypse. Der Anfang im Ende. Heidelberg 2003.

(8) Niklas Luhmann: Die Wissenschaft der Gesellschaft. Frankfurt a. M. 1992, S. 490 f.

(9) Vgl. dazu Art.: Maria Magdalena. In: Lexikon der christlichen Ikonographie. Hrsg. von Engelbert Kirschbaum Sj. Sonderausgabe Rom u. a. 1990, Bd. 7, Sp. 516–541.

(10) Er geht zurück auf die bereits 1982 in Paris erschienenen Studie von Gérard Genette: Palimpseste. Die Literatur auf zweiter Stufe. Frankfurt a. M. 1993.

(11) Den Begriff der „applikativen Hermeneutik“ übernehmen wir von Odo Marquard: Felix Culpa? – Bemerkungen zu einem Applikationsschicksal von Genesis 3. In: Text und Applikation. Theologie, Jurisprudenz und Literaturwissenschaft im hermeneutischen Gespräch. Hrsg. von Manfred Fuhrmann u. a. München 1981, S. 53–71, hier: S. 53.

(12) Vgl. im Überblick: Henning Graf Reventlow: Epochen der Bibelauslegung. 3 Bde. München 1990 ff.

(13) Die Abbildung wurde der Publikation: Im Anfang war das Wort. Glanz und Pracht illuminierter Bibeln. Hrsg. von Andreas Fingernagel, Köln u. a. 2003, S. 13, entnommen. Bildunterschrift: Neapolitanische Prachtbibel, Cod. 1191, Detail aus fol. 3v: Hieronymus übergibt einem Mönch eine seiner Schriften.

 


 

Band 12 Vorwort


 

Band 12 - Markt. Literarisch
 

Einleitung

Thomas Wegmann

I.

Auch wenn der Name Benjamin mittlerweile zu einer Art Mantra geworden ist, wenn es darum geht, die Widersprüche und Widrigkeiten ästhetischer Moderne zu entfalten, soll er hier am Anfang stehen - und das (auch) aus einem pragmatischen Grund: Das Titelbild des vorliegenden Bandes ist letztlich ihm zu verdanken - genauer gesagt einer Rezension, die er 1926 in der Literarischen Welt publizierte.(1) Ohne diese Rezension wäre der Herausgeber wohl kaum auf den Band Prochainement ouverture...de 62 boutiques littéraires (1925) mit den schönen Illustrationen von Henri Guilac gestoßen. Deswegen und weil man kaum besser in das Thema ‚Markt. Literarisch' einführen kann, sei Benjamins Rezension hier ausführlich zitiert:

"Hat nicht der Dichter wirklich vom Kaufmann mehr als man wahr haben will - mehr als bisweilen vom Produzenten? Ohne Zweifel gibt es deren genug, die da als großer oder kleiner Händler uralte, edle Stoffe oder modische neue unter die Leute bringen und noch dazu den ganzen Apparat des Kaufmanns, das werbende Vorwort und die Schaufensterdekoration der Kapitelchen, das servile ‚Ich' hinterm Ladentisch und die Kalkulationen der Spannung, die Sonntagsruhe hinter jedem sechsten Einfall und das kassierende Inhaltsverzeichnis beanspruchen. Die Schriftsteller aber haben bei solcher Betrachtung mehr zu gewinnen als von einer Mystik der Produktion, die meistens dem Budiker entspricht. Das alles steht nicht in dem Buch, von dem es gilt […]: Henri Guilac hat es gezeichnet, Pierre Mac Orlan es eingeleitet und Simon Kra es verlegt. Die Bildseiten stellen 62 französische Dichter vor ihrem imaginären Kaufladen dar. Hier würde nun jeder Deutsche eine fulminante Satire erwarten. Ihn zu enttäuschen ist an diesem Buch das Pariserische. Denn diese Blätter, durchweg mit der Hand, sehr sauber und sehr leuchtend koloriert, haben eine Gutherzigkeit, die sie beinah für alle 62, die davon betroffen werden, zu einem reinen Vergnügen macht. Sie stehen in Erwartung ihrer Kunden vor der Tür, sehen durchs Ladenfenster oder beugen sich über die Theke. Wie einleuchtend aber, daß niemand erscheint." (2)

Märkte und Kaufläden sind auf den ersten Blick pragmatische Orte. Für Benjamins zweiten Blick sind es aber auch melancholische und charmante Orte, zumal wenn es um die imaginären Kaufläden von Dichtern geht: melancholisch, weil Überfluss und Mangel bei ihnen offenbar so nahe beieinander liegen, weil es immer zu viele Waren und zu wenig Kunden gibt; charmant, weil Waren und Verkäufer, Werk und Autor sich dort auf ihre je eigene Weise inszenieren - und erst in ihrer Inszenierung ihre Wahrheit preisgeben. Denn weder Gebrauchs- noch Tauschwert sind hier entscheidend, sondern jener spezifisch moderne Ausstellungswert, der eine Schaulust evoziert, die ohne Film und Fotografie, ohne Schaufenster und Plakate nicht vorstellbar ist - und vice versa. Zugleich erinnern die literarischen Marktschreierbuden daran, dass alles Dichten auch verkauft sein will, ohne dass Dichter damit zwangsläufig käuflich wären.

II.

Während etwa die moderne Bildende Kunst - zumindest in einigen ihrer Spielarten - die eigene Warenförmigkeit längst zum Gegenstand der Reflexion und Ästhetik gemacht hat, tun sich Literatur und die sie begleitenden Instanzen und Institutionen mit dem Markt nach wie vor schwer. (3) Nicht anders als paradox erscheint denn auch der Stellenwert des Marktes, wenn es um die Genese und Entwicklung einer Literatur geht, deren Autoren durch prozentuale Beteiligungen an den am Markt verkauften Exemplaren honoriert und gleichzeitig unter strenger Missachtung des Marktes von Literaturkritik und -wissenschaft nobilitiert, kritisiert und kanonisiert werden. Doch auch dieses Paradox hat seine Gründe und Hintergründe. Einer von ihnen, und ein zentraler zudem, besteht in einem Wandel der Eigentumsverhältnisse am Text, wie er sich um 1800 allmählich abzeichnet: Die für diese Veränderung entscheidende Argumentation setzt ein mit der Behauptung, dass der Verleger, der ein Buch verkauft, nicht alles verkauft, sondern ein Recht am Buch zurückbehält. Eingedämmt werden sollte damit die Flut der unerlaubten Nachdrucke. Doch im Verlauf der Diskussion wird das Prinzip der unvollständigen Veräußerung auf den Autor übertragen. Dabei verbleibt das Eigentum an der Form der Gedanken unveräußerlich auf Seiten des Autors, was auch immer mit dem konkreten Manuskript geschieht. Folglich wird der Verleger durch den Kontrakt mit dem Autor nicht länger zum Eigentümer der Werke. Er kauft nicht ein für allemal ein Manuskript, sondern erwirbt lediglich eine vertraglich festgelegte Lizenz zum Drucken, Vertreiben und Verkaufen. Formuliert ist mit solchen Überlegungen, an denen Johann Gottlieb Fichte mit seinem Beweis der Unrechtmässigkeit des Büchernachdrucks (1793) entscheidenden Anteil hat, nichts weniger als das bis dato unbekannte Paradigma eines geistigen Eigentums.(4) Erst im Zuge dieses gleichermaßen ästhetisch wie ökonomisch und juristisch ausgefochtenen Prozesses verwandelt sich die Enklave gelehrter Literalität allmählich in moderne Autorschaft. (5) Doch die Freiheiten des freien, das heißt: potenziell für einen anonymen Markt und ein anonymes (Lese-) Publikum produzierenden Schriftstellers gehen einher mit neuen Abhängigkeiten: Das Schreiben gegen Geld wird nicht selten zur ökonomischen Notwendigkeit - und zum ästhetischen Verdachtsmoment. Entsprechend hat die Literaturwissenschaft bis dato das Verhältnis ihres Gegenstands zum Markt - von Ausnahmen abgesehen - entweder als ein kunstfernes ignoriert oder als eines von einseitiger Abhängigkeit traktiert, der sich etwa die zwiespältige Dichotomisierung von hoher und niederer Literatur (6) verdankt. Folglich wird dem Markt weniger die Tatsache zugeschrieben, dass erst durch ihn die Literatur in Deutschland um 1800 allmählich aus feudalen Abhängigkeiten und Gelehrtenrepubliken entlassen wurde, sondern die offenbar leidige Konsequenz, dass Literatur damit allenfalls eine gegenüber dem Markt im doppelten Sinne immer wieder zu behauptende Freiheit, mehr noch aber eine neue Abhängigkeit gefunden hat.

Auf der anderen Seite kommt gerade in Zeiten, da sich die Wirtschaft der Gesellschaft zunehmend spezialisiert und in ihren Strukturen und Abläufen - zumindest für Nicht-Ökonomen - auch abstrakter erscheint, (7) der Markt in der Literatur wieder zu Ehren als ein Ort, an dem sich das Verhältnis von Anthropologischem und Sozialem, Ökonomischem und Ästhetischem noch einmal verdichten lässt. So fand und erfand Peter Handke erst unlängst in seiner viel geschmähten Winterlichen Reise ausgerechnet im vom Krieg gebeutelten Serbien und fern der globalen Marken- und Medienwelt in "truthahngroßen Suppenhühnern" und "märchendicken Flußfischen" die urtümlichen bis üppigen Reize des Marktes und darin wiederum ein Signum des Humanen. (8) Während mithin der globale Markt etwa an der Börse oder im Internet Tauschvorgänge virtualisiert, werden auf Marktplätzen und Bazaren bis heute Handel und Wandel nicht nur sprichwörtlich, sondern bisweilen berückend konkret - und zumindest bei Handke auch zauberhaft eigentlich.

Der Markt steht so zum einen für einen figurativen, räumlich und zeitlich begrenzten Topos, an dem unterschiedlichste Waren ge- und verkauft werden. In diesem Sinne sind Märkte Vereinfachungen, denen selbst das Schriftmedium seine Entstehung vor rund 5000 Jahren verdankt, weil es ebenda der Fixierung ökonomischer Informationen diente. (9) Zum anderen bezeichnet der Markt als symbolisch abgeleiteter Begriff ein komplexes, im weitesten Sinne selbst organisiertes Wirtschaftsgeschehen, das durch Anonymität und Egalität sowie eine diffus unterstellte Gleichzeitigkeit von Instrumentalisier- und Unkontrollierbarkeit auch bedrohlich wirken kann. So fungiert der Markt gleichermaßen als Ort und als dessen Gegensatz, als "Nicht-Ort" (Marc Augé).

In der Literatur nehmen Märkte und Marktplätze spätestens seit dem 18. Jahrhundert eine signifikante Stellung ein (10) - und das in mehrfacher Hinsicht. Dabei ist vor allem zu berücksichtigen, dass Literatur in Deutschland seit dieser Zeit immer weniger in der Lage ist, Märkte und Marktgeschehen teilnahmslos zu beobachten oder allgemein als Allegorie auf die Wechselfälle und Eitelkeiten menschlichen Lebens zu bedichten, wie dies noch im Barock mit dem Topos des Jahrmarkts geschah. Statt dessen wird der Markt allmählich selbst zu einem gewichtigen Bestandteil des literarischen Systems. In nuce lässt sich dieser Wandel einer weniger bekannten Gelegenheitsdichtung des jungen Goethe ablesen: Die erste Fassung, 1774 unter dem Titel Das Jahrmarkts-Fest zu Plundersweilern erschienen, mehr noch die zweite, 1781 unter dem Titel Das Neueste von Plundersweilern erarbeitete Fassung greifen das tradierte Jahrmarkt-Motiv zwar auf, wandeln es aber nicht von ungefähr zu einer Satire auf den zeitgenössischen Literaturbetrieb ab. (11) Die allgemeinen Eitelkeiten des Jahrmarkts werden so - von der ersten zur zweiten Fassung nachhaltig gesteigert - zu einem ganz speziellen Jahrmarkt der Eitelkeiten, nämlich dem der Literatur und des Literaturbetriebs. Dabei wird der Markt nicht mit dem Literaturbetrieb in eins gesetzt, doch dient er diesem immer häufiger als spottender Spiegel oder mahnende Abgrenzungsgröße. Literatur beobachtet den Markt - und ist selbst Teil des Marktes geworden, wie auch in E.T.A. Hoffmanns Erzählung Des Vetters Eckfenster (1822), die ihre Ästhetik nicht zufällig am Rande und mit Hilfe der Zufälle eines Marktes entwickelt.

Indes kompensiert der Kaufakt als marktrelevanter Tauschvorgang Unkenntnis durch Vertrauen, etwa durch das Vertrauen des Käufers gegenüber dem Verkäufer. Wenn sich ab Mitte des 19. Jahrhunderts lokale Märkte durch neue Transport- und Kommunikationstechnologien mehr und mehr zu nationalen oder sogar transnationalen Märkten erweitern, sich also Käufer und Produzent immer seltener gegenüberstehen, versucht eine moderne Markenkultur, eine neue Art des Vertrauens und der Verlässlichkeit zu konstituieren. Sie imitiert gerade in ihren Anfängen das Verkaufsgespräch und kompensiert so die fehlende Face-to-face-Kommunikation zwischen Produzent und Kunde. Markenartikel suggerieren dem Käufer, ohne weitere Prüfung genau die Ware zu bekommen, die er verlangt hat - weitgehend unabhängig von Kaufzeit und -ort. Indem sie solchermaßen Produkte und die Erfahrung mit ihnen medialisieren, lassen sie ältere Formen von Warenkunde und Kennerschaft obsolet werden: Sie inszenieren Geschichten, auch wenn diese letztlich auf Markennamen und -logos reduziert sind. An die Stelle der zeitaufwändigen Begutachtung einzelner Güter tritt so die Begutachtung von Medien, von Namen, Texten und Bildern, die Wiedererkennung von Mustern und Images. Wiewohl Literaturwissenschaft bis heute auf einer eher traditionellen Form von ‚Warenkunde' besteht, wenn sie eine Textkenntnis zu vermitteln sucht, die nicht vorschnell vom Geschriebenen auf den Schreibenden schließt, werden Autorennamen zumindest auf dem Buchmarkt längst als Marken behandelt: Wie bei allen Kaufakten von Markenartikeln ist es ein Vertrauensvorschuss und ein Prüfungsdefizit, das die Kunden etwa zum "neuen Grass" greifen lässt. Denn moderne Literatur findet - und das lange vor Grass - in einem Medienverbund statt, der es erlaubt, am Literaturbetrieb und am Buchmarkt zu partizipieren, ohne die entsprechenden Bücher gelesen zu haben. Stattdessen wurde und wird rezipiert, was Zeitungen und Zeitschriften, später auch Rundfunk und Fernsehen über Autoren und ihre Werke berichten. Im Extremfall übernimmt dabei das Buch die Rolle eines Merchandising-Artikels, den man erwirbt, aber nicht mehr zwangsläufig liest, um all dessen habhaft zu werden, was man zuvor bereits über Rezensionen, Vorabdrucke und Interviews erfahren hat. Namentlich jene Sachbücher, deren Inhalte sich ohne große Reibungsverluste auf einige spektakuläre Thesen, griffige Formeln und einleuchtende Argumentationsfiguren reduzieren lassen, die dann wiederum vor und bei Erscheinen des Buches von anderen Medien massiv verbreitet werden, wie jüngst im Fall von Götz Alys Studie über Hitlers Volksstaat (2005) geschehen, müssen sich die Frage gefallen lassen, ob diese semantische Reduzierbarkeit nicht von vornherein Teil ihres (Marketing-)Konzepts gewesen ist: das Buch als käufliches Surrogat von gebündelter Dauer im ver- und zerstreuten Media-Mix-Infotainment. (13)

III.

Vor diesem knapp skizzierten Hintergrund unternehmen es die folgenden Beiträge, ohne Anspruch auf Vollständigkeit, einzelne Aspekte des vielschichtigen Verhältnisses von Literatur und Markt genauer zu untersuchen - und damit gleichzeitig Potenziale einer Literaturwissenschaft aufzuzeigen, die den Markt weder glorifiziert noch verteufelt, sondern als das nimmt, was er seit langem (auch) ist: ein Umschlagplatz für Literatur genauso wie ein Motiv in literarischen Texten und eine Herausforderung jedweder Kunstautonomie, deren historische Genese er als Exklusionsbewegung umgekehrt doch erst ermöglichte. Am Anfang stehen dabei allgemeine Überlegungen zum Verhältnis von Ästhetik und Ökonomie: Kunst als Sachwalterin des Singulären, Ästhetik wiederum als ihre theoretische Abgrenzung gegenüber bloßer Nützlichkeit und Kommerzialität? Dass diese traditionsreiche Differenz längst ihre normative Gültigkeit eingebüßt hat, zeigt RAINER LESCHKE in seinem grundlegenden Beitrag: An Bedeutung habe sie verloren, weil Ästhetik heute nicht mehr allein zwischen Kunst und Nicht-Kunst unterscheide, sondern sich zunehmend von überholten ästhetischen Modellen distanziere und dabei auch Grenzüberschreitungen in Kauf nehme: "Wenn die Grenzfälle die Regel werden - und das ist seit der Auflösung der Differenz der Fall -, dann hat das betreffende Modell offensichtlich an Ordnungsleistung eingebüßt." Geblieben sei indes die Form des Unterschiedes selbst, ein Unterschied, der seine Orientierung dann nur noch in sich selbst finden könne. Wenn Modernisierungsprozesse und das Prozessieren von Zeichen zunehmend identisch werden, konstituiert und reflektiert die ästhetische Theorie genau das: die Expansion des Ästhetischen in die Alltagswelt, an der die Literatur der Moderne ebenso teil hat wie sie sich davon abgrenzend ausdifferenziert. WERNER WUNDERLICH geht anschließend weiter zurück, indem er das literarische Schicksal des so wirkmächtigen und oft beschworenen homo oeconomicus an zwei populären Stoffen verfolgt, zum einen an der Märchenfigur Hans, zum anderen an literarischen ‚Milchmädchenrechnungen', die erstmals zu Beginn des 13. Jahrhunderts auftauchen: Eine Frau ist mit ihrer Milch unterwegs zum Markt. Sie rechnet sich aus, wie sie den Erlös in florierende Unternehmungen reinvestieren und so immer weiter steigende Profite erzielen wird. Unachtsam geworden, verschüttet sie jedoch ihr Handelsgut - und ihre Rentabilitätshoffnungen verrinnen buchstäblich. Als ‚Milchmädchenrechnung' präsentieren auch Lalebuch (1597) und Schiltbürger (1598) sowie Fabeln von Lafontaine, Gleim oder Michaelis diese Vision, die scheitert, ehe sie umgesetzt werden kann. Diese chimärischen Überlagerungen von Tausch und Täuschung, Preis und Profit ist auch für die Märchenfigur Hans relevant. Denn Glücklichsein infolge wunschloser Zufriedenheit kann auch als einfältig gelten, wie diese Geschichte ungünstig verlaufender Tauschhändel verdeutlicht. Hansens Selbsttäuschung lässt nämlich außer Acht, dass sein Glück für ihn die Art und Weise ist, wie er die Welt sieht, aber nicht, wie diese eingerichtet ist: ein vermeintlicher homo oeconomicus zwar, aber einer, der stolz und stultus zugleich ist.

Um den Markt als Motiv in literarischen Texten, aber auch um die Positionierung von Autoren zwischen Kunstautonomie, Broterwerb und Kommerzverdacht geht es in der zweiten Tranche der Beiträge. Eröffnet wird diese - wie könnte es anders sein - mit einem Beitrag über Johann Wolfgang Goethe. Der hatte rückblickend im 12. Buch von Dichtung und Wahrheit die Lage der deutschen Schriftsteller in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wie folgt skizziert:

"Die Produktion von poetischen Schriften […] wurde als etwas Heiliges angesehn, und man hielt es beinah für Simonie, ein Honorar zu nehmen oder zu steigern. […] Demungeachtet war unter den deutschen Autoren eine allgemeine Bewegung entstanden. Sie verglichen ihren eignen, sehr mäßigen, wo nicht ärmlichen Zustand mit dem Reichtum der angesehenen Buchhändler, sie betrachteten, wie groß der Ruhm eines Gellert, eines Rabener sei, und in welcher häuslichen Enge ein allgemein beliebter deutscher Schriftsteller sich behelfen müsse, wenn er sich nicht durch sonst irgend einen Erwerb das Leben erleichterte." (12)

Das eigene Leben konnte Goethe durch verschiedene Einkünfte erleichtern, war also nicht angewiesen auf die Honorare seiner schriftstellerischen Arbeiten. Dennoch - oder gerade deswegen - entwickelte er, so NORBERT CHRISTIAN WOLF in Anlehnung an die Feld-Theorie von Pierre Bourdieu, das Konzept einer doppelten Ökonomie, nach dem symbolisch gewinnt, wer ökonomisch verliert. Die zentralen Kriterien: Kunstautonomie und Nachhaltigkeit. Damit erfand er explizit gegen den Markt ein Geschäftsmodell, das sich zumindest langfristig und aufs Ganze gesehen auch ökonomisch durchaus rechnen sollte. Jenseits schnell verkäuflicher Bestseller eröffnete er so - ob gewollt oder ungewollt - dem Literaturmarkt ein neues Segment, das in der heutigen Buchhandelssprache mit Begriffen wie ‚Backlist' oder ‚Longseller' belegt wird und zumindest für bestimmte Verlage Jahr für Jahr einen beträchtlichen Teil des Umsatzes ausmacht.

Kaum ein Autor wiederum hat über einen so langen Zeitraum und mehrere Perioden hinweg als Künstler und Kritiker so unverblümt dem literarischen Markt zugearbeitet, sich an diesem aber auch hartnäckig abgearbeitet, wie Ludwig Tieck. Mit 21 Jahren brach er das Studium ab, um sich als freier Schriftsteller durchzuschlagen. Arno Schmidt nannte ihn wegen seiner Gabe, auch ohne eigenes Geld ein luxuriöses Leben zu führen, "ein Pumpgenie" . In seinem Beitrag zeigt HENNING HERRMANN-TRENTEPOHL anhand zweier Texte zentrale Marktstrategien Tiecks auf: Die Merkwürdige Lebensgeschichte Sr. Majestät Abraham Tonelli (1796), am Beginn seiner literarischen Laufbahn geschrieben, ist ein typisches Beispiel dafür, wie Tieck es schon früh immer wieder gelang, auch unter ökonomischen Zwängen Texte zu schaffen, die den Markt zwar bedienen, aber zugleich beträchtliches subversives Potential entfalten. Die Novelle Der Jahrmarkt aus dem Jahre 1832, ein Werk aus der letzten Schaffensperiode des Autors, macht dann den Markt, als Abbild der Gesellschaft, selbst zum Schauplatz und Thema macht und dabei nicht nur eine Erfolgsgeschichte des symbolisch generalisierten Kommunikationsmediums Geld beschreibt, sondern auch die Verfallsgeschichte eines anderen sozialen Systems und seines Mediums, nae;mlich der Religion und des Glaubens.

Der Markt als figurativ begrenzter Schauplatz ist auch das Zentrum von E.T.A. Hoffmanns letzter noch zu Lebzeiten publizierter Erzählung. Durch Des Vetters Eckfenster beobachten zwei Vettern - der eine davon einstmals ein erfolgreicher Schriftsteller - aus erhöhter Position das Marktgeschehen, und der Kommunikationswissenschaftler GERT VOWE beobachtet sie beim Beobachten. Die literarischen Beschreibungen des Marktes dienen ihm als Ansatzpunkte für ein Modell des öffentlichen Raumes: Literatur als Hypothese. Dies verdeutlicht er am Kern eines kommunikationswissenschaftlichen Erklärungsmodells, nämlich am Akteurskonzept - das ist der Begriff, den man sich von den kommunikativ Handelnden macht.

Den Verquickungen von Ökonomie und Individualität, Markt und Selbst-Interesse in Gottfried Kellers Roman Der grüne Heinrich widmet sich FRITZ BREITHAUPT. Seine Lektüre beider Fassungen arbeitet den Wandel in diesen Verhältnissen heraus - und kommt zu dem Ergebnis, dass der Roman zwar auch von der Ausdifferenzierung der verschiedenen Systeme etwa von Kunst und Ökonomie erzählt, dabei aber gleichzeitig - gegenwärtig höchst aktuell - auch die Gefahr einer Entgrenzung der ökonomischen Sphäre konstatiert. Die Antwort auf diese Entgrenzung der Ökonomie im späten 19. Jahrhundert ist eine Aufwertung des reinen Ichs, das sich nicht nur im Reich der Fiktionen als einer der großen Gegenspieler des homo oeconomicus etabliert. Geahndet wird folglich ökonomisches Verhalten, wenn es etwa in die Sphären der Liebe oder der Moral importiert wird. Dort agiert es, entsprechend der Optik des späteren 19. Jahrhunderts, als unerwünschter Fremdkörper.

Die ökonomischen Strategien in der Autorschaftskonzeption von Hermann Broch untersucht BERND BLASCHKE und kommt dabei zu dem Ergebnis, dass Brochs Darstellung und Bewertung des Marktes nicht zuletzt eine Frage der Gattungsästhetik ist. Auf der einen Seite insistiert Broch darauf, dass der Waschzettel für die Schlafwandler unbedingt die Parallele zu James Joyce enthalten müsse, womit er bewusst für Ruhm und Ehre statt für breiten Markterfolg optiert. Auf der anderen Seite geht Broch aber seines privaten Vermögens in der Weltwirtschaftskrise weitgehend verlustig und sieht sich genötigt, durch seine schriftstellerische Arbeit Geld zu verdienen. So schreibt er - heute fast vergessene - Theaterstücke, in denen sich die Handlung stets (tragisch oder komisch) um das Geldverdienen in schwierigen Umständen dreht. Er versucht also, ökonomischen Erfolg ausgerechnet dadurch zu erzielen, dass er die Ökonomie selbst zum Thema machte. Der Markt indes wollte ihm soviel Selbstreflexivität bzw. Beobachtung zweiter Ordnung nicht recht danken - ebenso wenig wie die an Joyce geschulte Ästhetik seiner Romantrilogie.

Der dritte Teil des Bandes nimmt einen zentralen Aspekt moderner Märkte, nämlich die Werbung, genauer in den Blick, weil diese "Kunst, sich bekannt zu machen" (Guy de Maupassant) seit ihren professionellen Anfängen im 19. Jahrhundert nicht nur ihrerseits massiv Anleihen bei der Literatur nahm, sondern gerade in ihrer medialen Praxis, Artefakte des schönen Scheins zu produzieren und dabei gleichzeitig Aufmerksamkeit zu fokussieren, von einer Literatur in der Medienkonkurrenz so kritisch wie affirmativ beobachtet wurde und wird.

Ein wichtiges Scharnier für die Interaktion von Literatur und Werbung bildet die Markenkultur - und dies seit ihren Anfängen und in mindestens zweierlei Hinsicht, wie THOMAS WEGMANN in seinem Beitrag zeigt: Zum einen signalisiert die Markenkultur seit dem letzten Drittel des 19. Jahrhunderts einen grundlegenden Wandel in der kulturellen Wissensformatierung, die - etwa von Friedrich Nietzsche - als Substitution einer gründlichen Produktkenntnis wahrgenommen wurde. Zum anderen fungiert diese Diskussion über Reklame, wie sie sich in bis dato von der Forschung kaum beachteten Essays und Feuilletons vor allem aus den 1920er Jahren niederschlägt, mit Blick auf die Literatur als typische Stellvertreterdiskussion: Was im Bereich der Güter und Waren die Markenartikel destruieren, leistet auf dem Gebiet der Literatur das Paradigma der Information und der Typus des Informierten: Der Informierte liest keine Bücher, statt dessen liest er Theaterkritiken und Rezensionen, Verlagsprospekte und Annoncen, kurz: eine Menge Paratexte. Ähnlich wie der moderne Konsument die Warenkenntnis an die Markenkultur delegiert, delegiert der Informierte seine Literaturkenntnisse an den Literaturbetrieb. All das trägt mit dazu bei, dass Autorennamen wie Markennamen fungieren und gerade für nichtprofessionelle Leser Komplexität reduzieren.

Dem Prinzip der Markenbildung, des Brandings, gehorcht dann auch explizit jene Strategie, die der Verlag Philipp Reclam jun. für seine 1927 gestartete Prosa-Reihe Junge Deutsche einschlug und die von JAN BRANDT genauer untersucht wird. Brandts Beitrag zeigt nicht nur, wie sehr moderne, bildgestützte Marketingmethoden Ende der 1920er Jahre bereits Einzug in den Literaturbetrieb gehalten haben; er zeigt auch, dass der Markt nicht nur in der Lage ist, Literatur an eine allgemeine bürgerliche Öffentlichkeit, also potenziell an alle zu vermitteln, sondern dass und wie durch Marketing dieser Markt wieder segmentiert, also nach bestimmten Produkten und Zielgruppen, Generationen zum Beispiel, aufgeteilt wird. Ähnliches beobachtet etwa zur gleichen Zeit auch Hans Samter in der Literarischen Welt bei einer mehrtägigen Lesereihe im Kaufhaus Karstadt am Berliner Hermannplatz:

So war denn auch deutlich fühlbar ein ständiger Wandel des Publikums. Als z. B. Ernst Toller seine von glühendem Ernst und dichterischem Pathos getragenen Worte seinen Hörern ins Gesicht schleuderte, saßen zu seinen Füßen vorwiegend junge Proletarier. Vicki Baums Plaudereien […] lauschten Damen in Pelzmänteln, Egon Erwin Kischs sachlicher Reportage aus Hollywood mehr Intellektuelle linksgerichteter Kreise, zu denen er selbst gehört. Und als Hans Ostwald aus seinen Sammlungen Berliner Geschichten und Zille-Anekdoten vorlas, saß neben mir ein alter Mann, der aussah wie die Verkörperung des Großvaters Koblank aus Erdmann Graesers schönem Buch. (15)

Vom Autor als Marke, die im real existierenden Literaturbetrieb bestimmte Zielgruppen anspricht, zu den Markennamen als Teil eines literarischen Realismus: Dem zuletzt genannten Aspekt widmet sich MORITZ BASSLER im Spannungsfeld von Syntagma und Paradigma aus dem strukturalistischen Textmodell von Roman Jakobson. Dabei skizziert er drei typische Verhältnisse von literarischen Syntagmen und kulturindustriellen Paradigmen. Letzteres fasst er nicht als codehaft-virtuell, sondern ganz konkret als material gegebenes auf und schlägt so einen Bogen von Fundstellen in Texten Wolfgang Hilbigs und Peter Handkes mit ihrer Semiotik der Vermeidung von Markennamen (1) über ein Gedicht von Rolf Dieter Brinkmann, in dem der Markenname Persil nicht nur ein reales Produkt aufruft, sondern auch metaphorisch für ein (politisch) verdächtiges Sauberkeitsbedürfnis der Bundesrepublik in den späten 1960er Jahren steht (2), bis zu Thomas Meineckes Musik - ein Text, der sich nicht über seine (von Marken geprägte) Kultur stellt, sondern mitten in sie hinein und damit die sprachliche Teilnahme und Teilhabe an dieser (Massen-)Kultur signalisiert (3).

Wie diese Massenkultur ihre Marken bewirbt, untersucht wiederum URS MEYER an konkreten Fallbeispielen, so etwa anhand eines Werbespots für den Kleinstwagen Smart, der nicht nur unter maßgeblicher Beteiligung der Pop-Ikone Robbie Williams zustande kam, sondern sich bei genauerer Betrachtung auch als nachgerade klassizistisch geschlossenes Minidrama mit Exposition, Peripetie, Retardierung, Deus ex machina, Abwendung der Katastrophe und abschließendem Happy End erweist. Das dramatische Reden, so Meyer, gehöre heute wie das lyrische und narrative Reden zum grundlegenden Rüstzeug der werblichen Kommunikation. Weswegen er auch in den gewählten Beispielen vielfältige Bezüge zu traditionsreichen Gattungen wie der Legende, aber auch zu literarischen Ästhetiken und Strömungen wie der Visuellen Poesie oder des Dadaismus nachweisen kann, jedoch oftmals mit belehrender oder strikt unterhaltender Funktion.

Im vierten Teil geht es schließlich darum, verschiedene Instanzen des Kulturbetriebs bzw. des literarischen Feldes - wie etwa das Feuilleton - an drei Beispielen auf mögliche Abhängigkeiten von Markt und Marketing genauer zu untersuchen.

NORBERT BOLZ illustriert und verifiziert seine allgemeinen Überlegungen zum literarischen Kultmarketing am konkreten Beispiel von Hans Magnus Enzensberger, der - das hat erst jüngst wieder das von ihm verantwortete Kosmos-Projekt Alexander von Humboldts gezeigt - sich nicht nur auf Lyrik, Dramatik und Essayistik versteht, sondern all dies und auch die von ihm herausgegebene Andere Bibliothek wirksam mit dem eigenen Namen zu verbinden und zu vermarkten weiß. Entsprechend dekonstruierte Bolz Enzensberger als "Marke HME", dessen Intelligenz auf geistiger Untreue gegenüber dogmatischen Prinzipien und metaphysischem Sinnverlangen basiere, und zeigt so an einer wirkmächtigen Figur des intellektuellen Nachkriegsdeutschlands, dass auch auf dem Markt symbolischer Güter mit Strategien der Markenbildung operiert wird - sowohl auf Produzenten- wie auf Rezipientenseite.

RETO SORG wiederum legt dar, dass und wie Schweizer Autoren gewissermaßen für zwei Märkte schreiben und sich gleichzeitig in zwei Literaturbetrieben bewegen und behaupten müssen: dem (kleinen) der Schweiz und dem (größeren) Deutschlands. Am großen Markt könne dabei nur partizipieren, wer als überregionaler Autor gilt, weswegen die spezifische Angst, sich nicht richtig verkaufen, sprich: nicht richtig deutsch zu können, über eine lange Tradition in der Schweizer Literatur verfügt. Gleichzeitig aber gibt es gegenwärtig eine stark identifikatorische Adaption des Modells der ‚Kleinen Literatur' von Deleuze/Guattari, die sich in den ästhetischen Debatten und intellektuellen Auseinandersetzungen vor allem als Selbstbezüglichkeit und als Klage über diese Selbstbezüglichkeit manifestiert. Diese Grenzgängerei zwischen dem Heimmarkt und dem gesamten deutschsprachigen Markt präge jedenfalls die Schweizer Literatur viel stärker, als man gemeinhin annimmt.

STEPHAN RUSS-MOHL und ANDREA HÖHNE kehren am Ende noch einmal zum homo oeconomicus zurück. Allerdings finden sie diese Kunstfigur nicht in Texten des späten Mittelalters oder der frühen Neuzeit, sondern ganz gegenwärtig im Kulturjournalismus bzw. im Feuilleton. Mit Hilfe der Ökonomik (Rational Choice-Theorie) analysieren sie den Strukturwandel des Feuilletons in den letzten zwei Jahrzehnten, der vor allem durch quantitative Schrumpfung auf der einen sowie stärkerer Berücksichtigung von Lifestyle und Politik auf der anderen Seite gekennzeichnet sei. Ursächlich dafür sei eine Ökonomisierung und Popularisierung des Medienbetriebs, die auch vor den Kultur- und Feuilletonredaktionen nicht Halt gemacht habe. Journalisten seien dabei nicht einfach Opfer des Systems, sondern als eigeninteressierte Individuen auch Gestalter des neuen, marktgerechten Feuilletons: Gedruckt und gesendet wird, was Auflage und Einschaltquoten verheißt, wobei der journalistische homo oeconomicus nicht zuletzt auf den Erhalt seines privilegierten Zugangs zu Kulturgütern und -ereignissen bedacht sei - selbst dann, wenn Werbung für Produkte des Verlagshauses und redaktioneller Teil problematisch verquickt würden, wie etwa im Fall der SZ-Bibliothek und dem Feuilleton des Süddeutschen Zeitung. Das kann, muss man aber nicht moralisch bewerten; als signifikanten Tatbestand zur Kenntnis nehmen, sollte man es indes schon. Denn der ebenso unruhige wie wandlungsfähige homo oeconomicus erweist sich damit einmal mehr als "das haltbarste Exemplar unter all jenen Versuchen, die, wie hoffnungsvoll auch immer, sich anschickten, einen anderen ‚neuen' Menschen in Aussicht zu stellen". (16) Über Kunstfiguren mit Realitätsanspruch lässt sich bis heute kaum Günstigeres sagen.

IV.

Hervorgegangen ist dieser Band aus einem Symposium, das mit Unterstützung der Deutschen Forschungsgemeinschaft und dem Institut für deutsche Literatur an der Humboldt-Universität zu Berlin vom 30.9. bis 2.10.2004 in und mit der literaturWERKstatt Berlin stattfand. Dabei konnte realisiert werden, was im Projektantrag noch als Wunsch formuliert war: ein Forum zu schaffen für den Austausch von Wissenschaftlern verschiedener Universitäten Deutschlands, der Schweiz und den USA und deren unterschiedliche Ansätze zu vernetzen, zu bündeln und zu diskutieren. Dafür gebührt allen Beteiligten großer Dank. Und weil nicht nur Märkte, sondern auch Bücher von Tauschverhältnissen leben, habe ich außerdem und ganz besonders Erhard Schütz zu danken für Rat und Tat, dem Verlag Peter Lang (Bern) für die Aufnahme des Bandes in diese Reihe, Brigitte Peters für ihre Anregungen und die wie immer professionelle Redaktion sowie Natalie Nik-Nafs für ihre umsichtige Arbeit am Manuskript und die Erstellung des Registers.

 

Anmerkungen

(1) Wir danken der Staatsbibliothek zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz, Abteilung Historische Drucke, für die Abbildgenehmigung des von Pierre Mac Orlan und Henri Guilac in Paris herausgegebenen Buches.

(2) Walter Benjamin: Der Kaufmann im Dichter. In: Gesammelte Schriften, hrsg. v. R. Tiedemann, H. Schweppenhäuser, Bd. III, Frankfurt a. M. 1991, S. 46-48, hier S. 47.

(3) Wenn etwa der Schriftsteller Joseph von Westphalen einen Essay mit dem Titel Für Geld schreibe ich alles in einer seriösen Tageszeitung publiziert (Der Tagesspiegel v. 7.4.2000), kann und darf das nur als Ironie oder Provokation durchgehen.

(4) Vgl. zu diesem langwierigen und komplexen Prozess ausführlicher Heinrich Bosse: Autorschaft ist Werkherrschaft. Über die Entstehung des Urheberrechts aus dem Geist der Goethezeit, Paderborn u. a. 1981; Thomas Wegmann: Tauschverhältnisse. Zur Ökonomie des Literarischen und zum Ökonomischen in der Literatur von Gellert bis Goethe, Würzburg 2002, S. 153-186.

(5) Zur jüngsten Diskussion darüber vgl. Texte zur Theorie der Autorschaft, hrsg. v. F. Jannidis u. a., Stuttgart 2000; Autorschaft. Positionen und Revisionen, hrsg. v. H. Detering, Stuttgart, Weimar 2002.

(6) Dazu noch immer einschlägig: Zur Dichotomisierung von hoher und niederer Literatur, hrsg. v. C. Bürger, P. Bürger und J. Schulte-Sasse, Frankfurt a. M. 1982.

(7) So konstatierte jüngst der argentinische Schriftsteller Ricardo Piglia: "Wenn früher die Götter verschlüsselte Botschaften aussandten, die das Individuum nicht verstehen konnte und die es, das Individuum, unweigerlich in den Untergang trieben, so ist es jetzt die Ökonomie mit ihrer esoterischen Sprache, ihrem multiplen Netz geheimer Informationen, widersprüchlicher Versionen und manipulierender Nachrichten, die das Auf und Ab des Markts definieren, die Geldströme und abstrakten Kapitalbewegungen […]" (Neue Zürcher Zeitung v. 25.1.2003)

(8) Vgl. Moritz Baßler: Der deutsche Pop-Roman. Die neuen Archivisten, München 2002, S. 170 f. Für den nigerianischen Literaturnobelpreisträger Wole Soyinka ist sogar die ganze Welt ein Marktplatz, und der wiederum ein Bild für den Austausch von Kulturen und Menschen: "Heilige und Verkäufer waren schon immer Seelenverwandte, Lieferservice für die Bedürfnisse von Leib und Seele." (Wole Soyinka: Samarkand und andere Märkte, Zürich 2004)

(9) Vgl. John McMillan: Reinventing the Bazar. A Natural History of Markets, New York 2002, S. 4.

(10) Zur Koevolution von Wirtschaft und Literatur in dieser Zeit vgl. auch Niels Werber: Der Markt der Musen. In: Beobachtungen der Literatur. Aspekte einer polykontexturalen Literaturwissenschaft, hrsg. v. G. Plumpe, N. Werber, Opladen 1995, S. 183-213.

(11) Vgl. Franziska Herboth: Satiren des Sturm und Drang. Innenansichten des literarischen Feldes zwischen 1770 und 1780, Hannover 2002, S. 157 ff.

(12) Zum gegenwärtigen Verhältnis von Buch und Markt bzw. Marketing vgl. Das BuchMarktBuch, hrsg. v. E. Schütz, Reinbek 2005.

(13) Johann Wolfgang Goethe: Werke. Hamburger Ausgabe, Bd. 9, München 141996, S. 517 f.

(14) Arno Schmidt: ‚Funfzehn': Vom Wunderkind der Sinnlosigkeit. In: Das essayistische Werk zur deutschen Literatur, hrsg. v. d. Arno-Schmidt-Stiftung, Bd. 2, Bargfeld 1988, S. 139-186, hier S. 182. Unlängst hat Doris Reimer durch genaues Quellenstudium gezeigt, dass Tieck in Geldangelegenheiten doch nicht so schlimm war wie sein Ruf. Vgl. Doris Reimer: "der ich nie mich im Handel und dergleichen zu benehmen wußte". Ludwig Tiecks Beziehung zu seinem Berliner Verleger Georg Andreas Reimer. Eine Analyse anhand der Reimerschen Hauptbücher. In: "lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn!" Ludwig Tieck (1773-1853), hrsg. v. Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin (Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik, Bd. 9), Berlin 2004, S. 259-276.

(15) Hans Samter: Dichtung im Warenhaus. In: Die literarische Welt 6 (1930) H. 16/17, S. 7.

(16) Joseph Vogl: Kalkül und Leidenschaft. Poetik des ökonomischen Menschen, München 2002, S. 351.

 


 

Band 11 Vorwort



Band 11 - Lyrik im 19. Jahrhundert. Gattungspoetik als Reflexionsmedium der Kultur

 

STEFFEN MARTUS, STEFAN SCHERER, CLAUDIA STOCKINGER


Einleitung

 

Lyrik im 19. Jahrhundert - Perspektiven der Forschung

I. Die Zeichen der Lyrik im 19. Jahrhundert: ‹Wandrers Nachtlied›

Unser Titelbild zeigt eine Photographie von Wandrers Nachtlied auf der Bretterwand eines Jagdhäuschens bei Ilmenau. Es handelt sich dabei um die Reste der eigenhändigen Niederschrift Goethes. Das 19. Jahrhundert meinte es allerdings nicht gut mit diesen authentischen Spuren seines ‚Dichterfürsten'. Noch bevor die Hütte am 12. August 1870 abgebrannt war, warnte Robert Springer in seiner Schrift über Die klassischen Stätten von Jena und Ilmenau (1869) vor den Gefährdungen der alten Literatur durch die neue Zeit:

Ungehindert haben jene Schmierer, welche Abtritte und öffentliche Denkmäler für gleichermaßen würdig zur Verewigung ihrer Namen erachten, jedes Plätzchen der Bretterwände und Bänke mit Bleistiftkritzeleien und Messereinschnitten bedacht, ja, selbst des Dichters geheiligte Inschrift nicht geschont. Wenn das grandiose Industrieleben auch dieses idyllische Heimplätzchen verschlungen haben und die Eisenbahn sich über Arnstadt bis Ilmenau erstrecken wird, dann wird sich an den Wänden des Bretterhäuschens auch eine neue Poesie entfalten und wir werden auch hier die stabilen Symbola erblicken, welche die Secretions-Anstalten zu zieren pflegen.[1]

Einmal abgesehen davon, daß "des Dichters geheiligte Inschrift" seinerzeit selbst eine tadelnswerte ‚Schmiererei' gewesen sein mag (zumindest solange die prominente Verfasserschaft noch nicht bekannt war): Der Umgang mit der Lyrik der ‚Goethezeit' scheint in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu intim geworden zu sein, und deren Leser scheinen zu vertraulich und mobil, um das Gedicht unbeschadet über die Zeit zu bringen. Nicht mehr vor dem Zugriff seiner Verehrer geschützt, wird es überschrieben, umschrieben und reproduziert, bis es seine originale Gestalt verloren hat, ja unlesbar geworden ist. Die ‚Carte de Visite'[2] des Titelbildes läßt sich damit als Allegorie auf die Lyrik im 19. Jahrhundert lesen.

Auf der Rückseite dieser ‚Carte de Visite' findet sich, gedruckt auf einfachem Papier, folgende Beschreibung:

 

 

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Die Beschreibung präsentiert sich typographisch wie eine Bildunterschrift in der Zeitung, die der Verlag am hochkantigen unteren Rand über sein Logo gesetzt hat - in weinroter Schrift, achsensymmetrisch organisiert und ornamental ausstaffiert: "Photographischer und Stereoskopischer Kunstverlag Moser senior. Erfinder des patentirten und prämiirten Salon-(Dreh-)Stereoscops". Der Verlag, der in den 1860er und 1870er Jahren in Berlin, Unter den Linden 23, im Vordergebäude der Kaisergalerie residierte, bewirbt damit "neue preisgekrönte Original-Photographien, Visitenkarten, Stereoscopbilder etc. von: Berlin u. Potsdam, dem Rhein, Harz, Riesengebirge […]".

Goethes Gedicht ist offenbar längst zur Massenware auf Kunstpostkarten geworden. Abgezogen wohl Ende der 1870er Jahre, macht die kleinformatige Photographie[3] der Handschrift von Wandrers Nachtlied auf einer ‚Kunstkarte' vor allem auf eines aufmerksam: Das Gedicht ist praktisch nicht lesbar.[4] Zwar wird es vom vergleichsweise noch neuen Massenmedium im Original gespeichert, das bei besagtem Brand 1870 verloren gegangen ist. Das photographische Dokument aber läßt sich für die Herstellung eines kritischen Textes nicht verwenden.[5] Es zeigt die Handschrift Goethes aus der Endphase der sogenannten Genie-Zeit, kaum aber mehr ihren ursprünglichen Zustand: Das wahrscheinlich am 6. September 1780 mit Bleistift auf die rohe Holzwand niedergeschriebene Gedicht wurde - ungeschützt der Witterung ausgeliefert - im Laufe der Jahrzehnte wiederholt nachgezogen, also mit groben Strichen ‚renoviert'. Dabei wurde es mit Monogrammen und anderen Lebenszeichen der touristischen Besucher versehen, "so daß, was August Linde 1869 photographiert hat, mit Goethes Handschrift kaum noch etwas zu tun gehabt haben dürfte".[6] Dennoch besticht auch in der medialen Reproduktion die metonymische Logik einer wie auch immer veränderten Spur des Dichters, der sich hier in die Natur selbst einträgt. Das wohl berühmteste Gedicht Goethes, Paradigma für die Lyrik des 19. Jahrhunderts seit der Romantik,[7] tritt direkt in Kontakt mit der Maserung der Natur "im Walde".

Als Besonderheiten nun eben der Photographie[8] fallen gleich auf den ersten Blick andere Zeichen auf: zuerst die Großbuchstaben, mit denen sich die bildungsbürgerlichen Besucher an der ‚Kultstätte'[9] ihrer Verehrung eingeschrieben haben, und zwar sichtlich gravierender als das auratisierte ‚Original'.[10] Ebenso stark tritt die gleichmäßige Lineatur auf den Brettern der Hütte in den Vordergrund: gleichsam als Gitter aus den senkrechten Erhebungen auf der Oberfläche des Holzes. Die indexikalischen Zeichen, die eine maschinelle Nutzbarmachung der Natur hinterläßt, scheinen sich auf der Photographie über die Handschrift zu legen. Aber auch die tieferen Einschnitte wirken an denjenigen Stellen überblendet, wo sich das äußere Licht an der Glasplatte spiegelt, die vor dem Gedicht angebracht worden war.[11] Zwar schützt das Glas die Aura seines Ursprungs am verehrten Ort, selbst wenn diese sich faktisch längst durch die Überschreibungen entwertet hat.[12] Durch die Photographie aber werden auch die Spuren des Originals im Spiel der Lichtreflexe auf der blanken Oberfläche tendenziell ausgelöscht. Die Zeichen verschwinden in den aufgehellten Flecken der Spiegelung. Auf jeden Fall aber zeigen sich deutliche Belichtungsprobleme, bedingt wohl zusätzlich durch den leicht achsenverschobenen Standpunkt des Photographen. Dadurch ist die linke Bildhälfte in ein Dunkel getaucht, das die Kontur der Schrift mit vergleichbarer Wirkung verschwimmen läßt. Jenseits der vollständigen Mimesis des ‚Realen', die die photographische Speicherung der Welt auf einer lichtempfindlichen Platte seit 1839 ermöglicht, eröffnet sich auf den zeichenlosen Flächen ein neuer Raum der Imagination.[13]

Wandrers Nachtlied verliert im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit die Aura unmittelbaren Verstehens. Der massenmedialen Aufbereitung eignen technische Mängel, die die Darstellung fast schon abstrakt werden läßt. Sie schlägt um in eine bloß noch ornamental wirkende Zeichenordnung - an der Grenze zum informationslosen white noise. Auf jeden Fall garantiert die mediale Vervielfältigung nicht, daß das Gedicht lesbar bleibt. Weil sie semantisch kaum überprüfbar ist, erschließt sich die indexikalische Qualität von Schrift und Photographie nur demjenigen, der von der Autorschaft des Gedichts weiß. Erst die rückseitig aufgeklebte Erläuterung stellt die Verbindung zu Goethe her.

Der glänzende Rahmen mit Inschrift macht das Gedicht zum Kunstwerk, indem er auf der ‚Kunstkarte' die lyrisch verhandelte Natur in einen musealen Gegenstand verwandelt. Das wenig über seinen äußeren Rand hinaus geschnittene Photo erscheint dabei selbst wie ein Passepartout gerahmt. (Tatsächlich ist es auf einen monochrom gelben, im Vergleich mit dem fragilen Photopapier sehr kräftigen Pappkarton aufgeklebt.) So verdoppelt sich die Rahmung: Nicht nur das Gedicht, die Photographie selbst wird ausgestellt, und Ilmenau empfiehlt sich mit diesem ‚Objekt' der massentouristischen Heimsuchung.

Faßt man die skizzierten Aspekte zusammen - Archivierung des (hier noch im Raum der Natur selbst) als Kunstwerk ausgestellten Gedichts; Musealisierung durch Rahmung und Glasplatte; (noch unzulängliche) photographische Speicherung der Installation; Lokalisierung des Dichter-Kults; dessen Vermarktung mittels der neuen Massenmedien nach den Kalkülen der anwachsenden Tourismusindustrie; Verunklärung resp. Abstraktion durch Überschreibungen und technologische Vervielfältigung -, faßt man also diese Aspekte zusammen, dann lassen sich der kleinen ‚Carte de Visite' Goethes die lyrikgeschichtlichen Zeichen der Zeit ablesen.

II. Programm

Die Beiträge des vorliegenden Bandes nehmen aus der Perspektive der Lyrik die literarischen Verhältnisse eines Jahrhunderts jenseits der eingefahrenen Epochengrenzen in den Blick. Sie führen divergierende Forschungsansätze zusammen und überprüfen etablierte Wertungsmaßstäbe bzw. Kanonisierungen. Beobachtet wird der Beitrag der Lyrik zur Konstitution von Gefühlen, Geselligkeit, Gesellschaft, Geschichte, Natur, Zeit, Werk u. a. Dabei geht es um die Spielräume und Grenzen, die sich in der Gattung Lyrik - nicht zuletzt auch als Medium einer Wahrnehmungsgeschichte des 19. Jahrhunderts - für diese Problemfelder ergeben.

Zudem möchte der Band am Beispiel der historischen Gattungspoetik zeigen, daß gerade philologische Frageraster kulturwissenschaftliches Potential haben. Als Leitideen dafür dienten das Problem der Trivialisierung als kulturhistorische Kategorie und die Frage nach dem Verhältnis von Mittelmäßigkeit und Modernität: Lyrik muß sich im 19. Jahrhundert gegen die zeitgenössische literarästhetische Absage an die Gattung behaupten, die unter Primitivitätsvorbehalt gerät und als eine im Niedergang begriffene literarische Form betrachtet wird (z. B. Gervinus, Mundt, Gutzkow, Scherer u. a.).[14] Mehr noch als die anderen Gattungen steht Lyrik unter Epigonalitätsverdacht,[15] nicht zuletzt, weil im Laufe des 19. Jahrhunderts Goethe, durchaus mit Schwierigkeiten,[16] als zentrales Vorbild für Nachahmung, Überwindung oder Überbietung installiert wird.[17] Zugleich aber bleibt Lyrik weiterhin Paradigma des Dichterischen und Poetischen schlechthin. Diese Ambivalenz und diese Wertungsmöglichkeiten lassen sich beispielweise an den generischen Hierarchisierungen festmachen.

Während so einige Lyriker des 19. Jahrhunderts wie Ludwig Tieck, Friedrich de la Motte-Fouqué, Gottfried Keller oder Paul Heyse das lyrische Werk nicht aus dem Schatten der Prosa oder übergeordneter Zyklen rücken konnten (wie das etwa Heine oder Droste-Hülshoff gelang), sahen sich gerade Autoren, die dem breiteren literarischen Gedächtnis nach wie vor hauptsächlich als Prosaautoren vertraut sind, immer wieder vornehmlich als Lyriker und wurden auch in ihrer Zeit so verstanden. Theodor Storm, der sich zum "letzte[n] Lyriker" erklärte, bemerkte etwa gegenüber dem Verleger Georg Westermann (nach dem 8. Juli 1868): "Ich bin […] wesentlich Lyriker […]; in meiner Prosa sind die Grenzen wesentlich enger".[18] Dies freilich sind Äußerungen, die vor allem im Privaten gefallen sind. Theodor Fontane jedenfalls meinte über Storm entsprechend, "sein Wesen ist rein lyrischer Natur" - seine "höchste Vorzüglichkeit" liege gerade "nicht in seinen vergleichsweise viel gelesenen und bewunderten Novellen, sondern in seiner Lyrik".[19]

Umgekehrt können programmatische Selbsteinschätzung und faktischer Selbstanspruch so weit auseinanderklaffen, daß die akribische Ausarbeitung der lyrischen Produktion mit der ‚Verachtung' der Lyrik in einem seltsamen Mißverhältnis steht - wie etwa bei Conrad Ferdinand Meyer.[20] Dabei muß neben den Genres innerhalb der Lyrik auch die Rahmung in die Analyse einbezogen werden, denn schon Mehrfachpublikationen machen deutlich, daß der Stellenwert der Gattung selbst in der Synchronie wechseln kann. Ebenso aufschlußreich sind in diachroner Perspektive generische Konjunkturkurven. Heinrich Heine beispielsweise, der seine lyrischen Projekte mit großer Raffinesse und Sensibilität im Spannungsfeld von buchhändlerischen Interessen, Zensurpolitik und ästhetischen Ansprüchen entwarf, zögerte die Ausarbeitung der Neuen Gedichte auch deswegen über die dreißiger Jahre des 19. Jahrhunderts hinaus, weil jetzt Prosa als angemessener Ausdruck der Zeitprobleme galt.[21]

Dennoch oder gerade deswegen: "Lyrik" ist das massenhaft verbreitete literarische Kommunikationsmedium des 19. Jahrhunderts.[22] Auf allen Ebenen der Gesellschaft (von der Panegyrik bis hin zur ‚Arbeiterlyrik') und in allen Segmenten des alltäglichen Lebens (von der Familie über die Vereinslandschaft bis zur Staatspolitik) diente sie als Ferment einer im Umbruch befindlichen Kultur,[23] die bis in ihre grundlegenden Ordnungsmuster irritiert ist.[24] Paradoxerweise erweist sie sich von hier aus gesehen auch in ihren Trivialisierungen als eminent modern und damit als zeitdiagnostisches Instrument, sei es im Prozeß der Nationenbildung oder in der Prägung des familiären Rahmens,[25] sei es in der politischen Propaganda oder in der Diskussion der sozialen Frage.[26]

Dieser funktionsgeschichtlichen Einordnung der Lyrik, dem allgegenwärtigen Medium der Selbstverständigung und zugleich Medium der Gemeinschaftsbildung,[27] entsprechen viele ästhetischen Programme des 19. Jahrhunderts nur zum Teil: Lyrik erhält hier zumeist den Status, primäre Form des ‚Ausdrucks' zu sein - ihre ‚publizistische' Seite[28] fällt durch das poetologische Raster. Als Selbstaussprache des Subjekts setzt sich Lyrik indes der Gefahr der Trivialisierung aus. Darauf reagieren u. a. Versuche, die schlichte Ausdrucksästhetik durch eine Erneuerung von Schillers Idealisierungsästhetik zu ersetzen, die dieser in seiner berühmten Kritik an Bürgers Gedichten entfaltet hatte.[29] Der Lyrik als Gattung der "Geisteskindheit"[30] begegnen im 19. Jahrhundert Positionen, die sie als "vollendetste[ ]" Gattung verstanden wissen wollen,[31] weil sie die ,Versöhnung' von Subjektivität und Allgemeinem leiste.[32] Wie auch immer hier im Detail zu differenzieren ist: Als Stefan George an der Jahrhundertwende die dichterische Höchstleistung mit besonderer Entschiedenheit zum Standard eines literarischen Programms machte, fiel sein Urteil über die lyrikgeschichtliche Situation erwartungsgemäß negativ aus. Der Veralltäglichung von Lyrik und ihren stereotypen Verfahren setzte er die Esoterik seiner Wortkunst und die Beschränkung auf den ausgesuchten Kreis kompetenter Leser entgegen.

Wie weit aber trägt diese Dichotomisierung des literarischen Felds? Lassen sich beide Sichtweisen als zwei Seiten einer Medaille fassen? Die Forschung jedenfalls hat zwei Kanons und zwei relativ getrennte Ansätze etabliert:[33] Konzentrieren sich eher stil- und formgeschichtlich ausgerichtete Studien auf wenige große Lyriker,[34] so hat die Sozialhistorie das Augenmerk auch auf die massenhaft verbreitete Lyrik gelenkt.[35] Beide Richtungen sind sich darin einig, daß weite Teile der Lyrik des 19. Jahrhunderts das künstlerische Niveau der Zeit um 1800 unterschreiten. Unser Band schließt an Versuche der Vermittlung dieser Ansätze an.[36]

Lyrik übernimmt spezifische Orientierungsleistungen für die Reorganisation der Gesellschaftsstruktur, für die Verschiebung der Wissensbestände insbesondere in Folge naturwissenschaftlicher Innovationen, für die politischen Einschnitte oder die veränderten Wahrnehmungsformen im medienhistorischen Wandel. Ihr Beitrag zu dieser Modernisierung steht dabei in einem spannungsvollen Verhältnis zwischen der immer wieder betonten thematischen und formalen Traditionalität der Gattung in diesem Jahrhundert und der seit dem späten 18. Jahrhundert behaupteten Autonomisierung. Anders gesagt: Gerade ihr ungesicherter Status macht die Lyrik des 19. Jahrhunderts vielfach anschlußfähig.[37] Dies kommt in den Blick, wenn sich die kulturhistorisch erweiterte Wahrnehmung mit der philologischen Analyse im Zeichen einer Form- und Gattungsgeschichte verbindet. Aus historischer Perspektivierung liegt dies insofern nahe, als die phantasmatischen Erfahrungen des Verlusts von Einheitlichkeit und Ganzheit im 19. Jahrhundert eine spezifische Reflexion auf Form und Material in der Literatur und in den Künsten überhaupt erst hervorbringen.[38]

George definierte lyrische Qualität über Konzentration in Produktion und Rezeption und übte gerade damit einen enormen kulturellen Einfluß aus.[39] Die Literaturgeschichtsschreibung kanonisierte seine abfällige Haltung gegenüber der Lyrik als einem Massenphänomen des 19. Jahrhunderts. Damit freilich wird lediglich ein ästhetisches Urteil wiederholt, das von der Gartenlaube bis zur Jahrhundertwende zum Epochenkonsens gehörte:[40] Aus Sicht vieler Zeitgenossen - für Immermann, Platen, Rückert oder Lenau, für Geibel, Heyse oder Scheffel - bestimmten "Mittelmäßigkeit und Dilettantismus", Geistesarmut und Geistesplattheit die Lyrik des 19. Jahrhunderts, wie Heinrich und Julius Hart in ihren Kritischen Waffengängen (1882) konzedierten. Die sozialgeschichtliche Forschung bestätigte diese Einschätzung.[41] Ein zeitgenössischer Topos war die Klage, es werde zuviel Lyrik produziert.[42] Die Lyrik des 19. Jahrhunderts jedenfalls scheint in Deutschland - anders als in Frankreich - ihren Beitrag zur "Lyrik als Paradigma der Moderne" verweigert zu haben:[43] Ist damit jedoch nur eine bestimmte "Moderne" gemeint, die um ihre andere Seite verkürzt wird, und wird ‚die' Lyrik des 19. Jahrhunderts damit nicht selektiv konstruiert?[44] Gerät so nicht die differenzierte Quellenlage aus dem Blick, die eine epochenübergreifende Beobachtung der Lyrik des 19. Jahrhunderts ermöglichen würde?[45]

Das literaturkritische Reaktionsmuster, das nur noch das "Versinken unserer Lyrik in dilettantischer Spielerei" zu erkennen vermochte,[46] scheint somit selbst ein erklärungsbedürftiges Phänomen zu sein. Gehört nicht seit der Gelegenheitsdichtung die Polemik gegen die quantitative Explosion der Lyrik und die damit verbundene qualitative Erosion literarischer Standards zum festen Repertoire der Kritik, und dies ganz unabhängig von der zweifellos zu verzeichnenden enormen Ausweitung des Lyrikmarkts im 19. Jahrhundert? Lassen sich nicht bereits seit dem 17. Jahrhundert in den ubiquitär verbreiteten Gedichtformen eine Fülle von epigonalen Trivialisierungen der ‚tonangebenden' Werke auflisten? Entscheidend ist daher auch, welches Gewicht man dem Phänomen der massenhaften Verbreitung spezifischer lyrischer Form- und Motivregister für die historische Qualifizierung des Materials gibt. Die Erforschung der Lyrik des 19. Jahrhunderts fordert insofern eine literaturwissenschaftliche Selbstreflexion heraus, als ihre Charakterisierung im besonderen Maß von den Bezugspunkten abhängt: Eine autor- oder werkzentrierte Perspektive wird zu einer anderen Einschätzung der historischen Lage kommen als ein z. B. eher massenmedial oder rezeptionshistorisch orientierter Blickwinkel[47] - beide Fragestellungen aber haben ihre Berechtigung, beide ergänzen sich, wenn sie nicht mehr gegeneinander ausgespielt, sondern gemäß ihren spezifischen Wahrnehmungsmöglichkeiten eingesetzt werden.

Die Effekte des Kanonisierungsprozesses[48] im Blick auf die Lyrik des 19. Jahrhunderts sind bis heute allein daran ablesbar, welchen Stellenwert die Gattung quantitativ in einer renommierten deutschen Literaturgeschichte erhält: Die epischen Formen werden dort in elf Artikeln behandelt, wohingegen lediglich drei Artikel die Geschichte der Lyrik nachzeichnen.[49] Die "Prosa der Verhältnisse", in die G. W. F. Hegel sein Jahrhundert einziehen sah, prägt offensichtlich auch die germanistische Perspektive. Zudem betrifft der generelle Trend zu Einzeluntersuchungen in der Literaturwissenschaft in besonderem Maß die Erforschung der Lyrik des 19. Jahrhunderts. Den Monographien zu wenigen ‚bedeutenden' Lyrikerinnen und Lyrikern oder zu Dichterkreisen, zu einzelnen Erscheinungsformen (z. B. zur Anthologienkultur), zu spezifischen Segmenten des Themas (z. B. zur Arbeiterlyrik oder zur Geschichtsballade) oder zu epochalen Binnengliederungen steht eine geringe Anzahl von Studien gegenüber, die die Konstellationen von Lyrik im 19. Jahrhundert in synthetisierender Perspektive beobachten. Ein zentrales Anliegen des Bandes ist daher die Ausarbeitung lyrikgeschichtlicher Leitlinien, die sich von etablierten Epochalisierungen nicht irritieren läßt.[50]

III. Gattungspoetik als Reflexionsmedium der Kultur

Der vorliegende Sammelband steht im Zusammenhang der aktuellen Diskussion um die Germanistik zwischen ‚kulturwissenschaftlicher Wende' und ‚Rephilologisierung'.[51] Er stellt das kulturwissenschaftliche Potential einer historischen Formpoetik zur Diskussion. Entgegen der sogenannten ‚nach-' oder ‚gegenhermeneutischen' Wende liest die Kulturwissenschaft gerade literarische Texte oftmals als Belegmaterial, ohne auf die textuelle Vermitteltheit und die diskursiven Bedingungen der Gattungen einzugehen.[52] Auch insofern ist die Lyrik im 19. Jahrhundert ein privilegierter Forschungsgegenstand, weil sich in dieser Zeit die im ästhetischen Diskurs des 18. Jahrhunderts vorbereitete Gattungstrias durchsetzt - das Substantiv ‚Lyrik' taucht überhaupt erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts auf.[53]

Zentrales Anliegen des Bandes ist somit die Frage nach den Konstitutionsbedingungen von Rede- und Schreibmöglichkeiten im Kontext der Gattungsgeschichte. Es geht um die Reflexion von Formgeschichte im Austausch u. a. mit Institutionen-, Gesellschafts- oder Wissenschaftsgeschichte. Damit wollen die Beiträge die ‚Gattung'[54] als etablierte literaturwissenschaftliche Kategorie kulturwissenschaftlich wenden und umgekehrt die philologischen Perspektiven der neueren kulturwissenschaftlichen Herangehensweisen erschließen.[55]

"Gattungswissen"[56] als Gegenstand und Limitationsmedium der Literaturwissenschaft ist von elementarer Bedeutung. Die Textualisierung der Kultur im Rahmen einer kulturwissenschaftlichen ‚Erweiterung' führt zu einem Beziehungsreichtum, dessen Faszination die ‚Grenzen' der historisch je spezifischen Wege der Verteilung und Anschlüsse durch das Wahrnehmungsraster fallen lassen. Wichtig ist dabei: Die Beobachtung von Grenzen bedeutet keine Blickbeschränkung, sondern ermöglicht allererst Wahrnehmung.[57] Die Frage ist also, wie sich medial, sozial, institutionell, disziplinär, politisch oder anderweitig kanalisierte Ordnungen zu den ‚Grenzen' der generischen Ordnung verhalten, die eine Gattung zu einem Knotenpunkt ‚relativ autonomer' Verschaltungen macht.[59] Literarische Texte selektieren aus den "Formen und Orientierungssystemen" der "Lebenswelt" und "erweisen sich durch die Anordnung gewählter Elemente gegenüber solchen Systemen als kontingent".59

Gattungswissen läßt sich zu den "Grundlagen der Textgestaltung"[60] rechnen und zugleich im Zuge der gängigen "kommunikativ-semiotischen" Bestimmungen von Gattungen[61] als "Teil des soziokulturellen Wissensbestandes […] aller Kulturgesellschaften" oder als "Teil[ ] eines kulturellen Funktionsgefüges" konzipieren.[62] Generische Schematisierungen haben kognitive, emotive und kommunikative Dimensionen.[63] Sie markieren die Funktion von Grenzen, weil sie Texte in Beziehung zueinander setzen, indem sie andere Texte abgrenzen.[64]

Die Beiträge fokussieren vor diesem Hintergrund die Frage nach einer historischen Gattungspoetik auf die interdiskursiven Beziehungen von Lyrik. In den Blick geraten komparatistische, institutionengeschichtliche und wissenschaftspolitische Fragestellungen, also die Frage nach dem Stellenwert deutscher Lyrik im Vergleich mit der französischen, englischen und der ‚Wiener' Moderne, nach dem Zusammenhang von Lyrik zu Vergesellschaftungsformen des 19. Jahrhunderts oder nach dem Verhältnis von Lyrik und Historiographie / Geschichtswissenschaft im 19. Jahrhundert. Der lyrische Sonderdiskurs wird gerade durch seine Spezifität dafür privilegiert, in anderen und weiteren Zusammenhängen eine zentrale Funktion zu übernehmen. Von der ‚Lyrisierung' des Geschichtsbildes, das historische Stimmungslagen und Erlebnisqualitäten einbezieht, über die ‚Lyrisierung' des Gesellschaftsbildes, das auf neue Assoziationsformen einer simulierten Nähe unter Bedingungen abstrakter Beziehungen setzt, bis zur ‚Lyrisierung' der Erinnerung, der sich das Problem von Kontinuität im Wandel auf eine spezifisch textuelle Weise stellt, dient die Lyrik als Reflexionsmedium kulturhistorischer Verschiebungen. Die ‚Multifunktionalität' der Lyrik erlaubt entsprechend vielfältige literaturpolitische Einsätze der Gattung, die in flexibler Weise traditionelle und modernistische Dichtungsmodelle lanciert und korrespondierend dazu unterschiedliche Adressatengruppen erreicht.

Längs- und Querschnittuntersuchungen zu semantischen Komplexen und deren lyrischer Codierung (Subjektbildung, Emotionalität, Geschichte, Natur u. a.) sowie zur polemischen Selbstpositionierung der Autoren gegenüber maßgebenden Lyrik-Paradigmen (,Goethe', ,Romantik', Hymnik u. a.) präzisieren das Bild einer Transformationsgeschichte der Lyrik über das gesamte 19. Jahrhundert hinweg, indem sie das Traditionsverhalten zwischen Affirmation und Negation im Gedächtnis der Lyrik beobachten.

Zusammengefaßt: Die Beiträge berücksichtigen die epochalen Konstellationen, die generischen Produktions- und Rezeptionsbedingungen, die interdiskursiven Beziehungen sowie medialen und institutionellen Bedingungen von Lyrik im 19. Jahrhundert. Sie analysieren die Etablierung der Gattung im Zusammenhang von spezifischen Formen des Gruppen- und Traditionsverhaltens, reflektieren Interdependenzen zwischen dem Literatursystem und seinen Umwelten (Ästhetik, Philologie, Historiographie, Gesellschaft, Institutionen) und beziehen komparatistische Aspekte sowie Wechselwirkungen zwischen den Gattungen ein. Damit sollen die generischen Ordnungsraster, die Funktion diskursiver Orte und die Bedingungen der Wahrnehmung von Lyrik im 19. Jahrhundert in Einzelstudien konkret sichtbar gemacht werden.

IV. Zu den Beiträgen

Vor dem Hintergrund dieser Akzentuierungen waren die Beiträger mit einer Reihe von Leitfragen konfrontiert:

- Sind Verlaufsformen lyrischer Produktion für das 19. Jahrhundert zu konstruieren, perspektiviert etwa auf poetologische Programme zwischen Autonomie und gesellschaftlicher Funktion, auf bildungspolitische Fragen, auf thematologische und stilgeschichtliche Aspekte, auf semantische Komplexe oder auf die historische Verteilung des lyrischen Formenspektrums? (Antworten dazu geben die Beiträge von Breuer, Pott, Scherer, Schönert/Hühn, Simon, Stockinger.)

- Wie ist die Gattung Lyrik als Reflexionsmedium spezifischer semantischer Komplexe (Emotionen, Kulturdiskurse) zu beschreiben? (Podewski, Winko)

- Gibt es die Lyrik im 19. Jahrhundert? Welchen Ort hat die Lyrik im Gattungssystem (etwa im Verhältnis zur Prosa)? Welche Funktion kommt der Auflösung von Gattungsgrenzen zu? (Frank, Pott)

- Welche Gestaltungsspielräume läßt die Eigenlogik verschiedener lyrischer Untergattungen zu, welche Diskursivierungszwänge übt sie aus? (Borgstedt, Breuer, Frank, Niefanger, Polaschegg, Simon)

- Welche Anschlußmöglichkeiten an institutionelle Sprachräume - in der Schule, in der Familie, in literarischen Kreisen etc. - bietet sie? (Lauer)

- Welchen Stellenwert erhält die Lyrik im intermedialen Vergleich (Werkausgaben, Anthologien)? Welche Verbreitungs- und Ausdrucksmöglichkeiten eröffnen sich und welche Grenzen werden gezogen? (Kaiser/Michler, Lauer, Martus, Meier)

- Hat die Lyrik besondere gesellschaftliche Funktionen (Öffentlichkeits-, Gemeinschafts- und Nationenbildung)? Wie verhalten sich Gesellschaftsstruktur und lyrische Semantik? (Kaiser/Michler, Lauer, Niefanger)

- Welche regionalen und nationalen Differenzierungen sind notwendig? Kann man etwa von der Nationalität der Formen sprechen? (Kaiser/Michler) - In welchem Verhältnis stehen deutsche Lyrik und europäische Entwicklungen? (Japp, Lampart)

- Welche Traditionen oder kulturellen Paradigmen nutzt die Lyrik zur Selbstauszeichnung und Selbstdegradierung (etwa ,Anakreontik', ,Goethe', ,Romantik', ,Nietzsche'; ästhetische Normen, formuliert von der Literaturkritik und den Philologien)? (Borgstedt, Polaschegg, Scherer, Stockinger)

- Wie sortieren Lyriker ihr virtuelles Publikum durch Publikationsstrategien? Wie positioniert sich der Autor von Lyrik im Kulturbetrieb? Welche Rolle spielen Werkkonzeptionen (z. B. Einzelpublikationen, Werkausgaben oder zyklische Zusammenstellungen, Erzähltexte oder Anthologien)? (Kaiser/Michler, Martus, Meier, Stockinger)

SANDRA POTT beschreibt zentrale Stationen der "Nachgeschichte" der triadischen Gattungslehre. Ausgehend von einem Idealtypus von "Lyrik", der sich aus gelehrten, didaktischen und wissenschaftlichen Poetiken des 19. Jahrhunderts ergibt, verfolgt sie die "Subjektivierung", "Normierung" und "Positivierung / Empirisierung" des Lyrik-Begriffs und holt die dazu korrespondierenden Zuordnungen poetologischer Lyrik von Platen über Storm, Ferdinand von Saar bis zu Otto Erich Hartleben und Otto Julius Bierbaum ein. Dabei wird vor allem auch deutlich, wie die stets vorhandenen Unterschiede und Unstimmigkeiten in der historischen Bestimmung von Lyrik im Laufe des 19. Jahrhunderts aufbrechen.

STEFFEN MARTUS untersucht die Funktion von Lyrik in der Ausbildung eines emphatischen Werkbegriffs, der die historisch spezifische Aufmerksamkeitshaltung des 19. Jahrhunderts reflektiert. An drei Beispielen zeigt der Beitrag, wie der Lyrik umfassende Aufgaben der Leserlenkung und Leserbildung zugetraut werden: am Beispiel von Lyrikeditionen des 16. bis 18. Jahrhunderts, deren Ordnungsprinzipien die Lyrik der frühen Neuzeit zur Lyrik des 19. Jahrhunderts machen; am Beispiel von Ausgaben zeitgenössischer Dichter (Arnim, Eichendorff, Geibel, Grillparzer, Hauff, Heine, F. und A. W. Schlegel, Storm, Tieck); sowie am Beispiel der Werkpolitik Goethes. Demnach soll die Gattung Lyrik ihre Rezipienten zur selektionslosen Aufmerksamkeit und damit zu einer dauerhaft interessierten Gefühlsbindung an den Autor erziehen.

CLAUDIA STOCKINGER analysiert die poetischen und poetologischen Reaktionen auf das übermächtige Vorbild Goethes. Der Beitrag exemplifiziert das ‚Goethe-Verhalten' der Lyrik im 19. Jahrhundert auf unterschiedlichen Ebenen: an Überlegungen zum ‚Volkslied'; an Lenaus Gedicht Hypochonders Mondlied als Beispiel lexikalischer Widerlegung ‚Goethes' in der ersten Jahrhunderthälfte; sowie an Storms Autorbild als ‚letztem Lyriker', das durch einen Akt der polemischen Selbstvergewisserung gegen den Lyriker, Strategen, Lieddichter und Gelegenheitsdichter Goethe entsteht. Der prekäre Status einer unter Epigonalitäts- und Trivialisierungsverdacht geratenen Gattung wird dadurch in das selektiv-elitäre Programm einer literaturwissenschaftlich-philologischen Poesiologie des ‚Erlebnisgedichts' überführt. Auf diese Weise werden eben jene Tendenzen der deutschsprachigen Lyrik seit dem jungen Goethe und der (mittleren) Romantik kanonisiert (‚Wunderhorn-Ton'), deren Fortführung in der ‚zunftmäßigen Liederfabrication' (Paul Heyse) des 19. Jahrhunderts die Vorbehalte der Gattung Lyrik gegenüber allererst begründet hatte.

SIMONE WINKO exemplifiziert ihre Thesen zur Emotionsgeschichte der Lyrik im 19. Jahrhundert an Texten von Tieck, Raabe und George und greift damit den wichtigsten Baustein der Lyrikpoetik auf: die Vorgabe der Gestaltung von Gefühlen. Entgegen den gängigen literaturgeschichtlichen Interessen an Brüchen und Innovationen setzt der Beitrag dabei auf die Beobachtung von Kontinuität; entgegen der einseitig rezeptionsästhetischen Variante der Historiographie der Gefühle geht die Untersuchung davon aus, daß Emotionen Textmerkmale sein können. Aus der Kombination von typischen Verfahren sprachlicher Gestaltung mit kulturellen Schemata ergeben sich eine Reihe von Varianten der Emotionsgestaltung, der sich die Lyrikproduktion des 19. Jahrhunderts sowohl systematisch als auch historisch signifikant zuordnen läßt.

ULRICH BREUER entfaltet eine historische Gattungspoetik der Naturlyrik. Er verfolgt die Entwicklung von der monistisch konzipierten Lyrik als Natur um 1800 zur dualistisch konzipierten Natur als Lyrik an markanten Stationen vor und nach 1848 (Hölderlin, Mörike, Goethe, Heine und Eichendorff sowie Hebbel, Storm, C. F. Meyer, Nietzsche und George). Demnach ist die Naturlyrik als Ausdifferenzierung der Naturpoesie zu verstehen, die sich in spezifischer Weise auf eine vergegenständlichte, nicht mehr als Ursprung begriffene Natur bezieht. Den kulturgeschichtlichen Hintergrund dieser Ausdifferenzierung bildet die Depotenzierung und Nivellierung des normativen Naturmodells im Zuge der technik-, industrie- und wissenschaftsgeschichtlichen Innovationen; den ideengeschichtlich wichtigsten Bezugspunkt markiert Schopenhauers Philosophie, die entscheidende Momente von Reflexion in den Naturbegriff einbaut.

DIRK NIEFANGER zeigt die ‚lyrische' Verhandlung historischen und historiographischen Wissens sowohl in formaler als auch in inhaltlicher Hinsicht auf: Die Relativität der Beobachtung, das Problem der Quellenüberprüfung, der Stellenwert kommunikativer Konstruktion von Ereignissen - diese und andere Merkmale der Behandlung von Geschichte reflektiert auch die Lyrik im 19. Jahrhundert. Wie die Naturlyrik stellt die historische Lyrik dieses Zeitraums ein Forschungsdefizit dar, zumal die vorherrschenden Formen der historischen Lyrik, die Ballade und das Rollengedicht, durch das Raster der gängigen Lyrikdefinitionen fallen. An Gedichten von Freiligrath, Geibel, Heine, Gerok, Hebbel, Meyer oder Fontane läßt sich zeigen, wie die Lyrik im Geschichtsdiskurs des 19. Jahrhunderts und im Rahmen der Historisierung der Lebenswelt komplementäre Funktionen zur Historiographie übernimmt.

GERHARD LAUER erhellt eine spezifische Institutionalisierungsform lyrischer Rede in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts: "Lyrik im Verein" zeigt die Funktion der Gattung für die kulturelle Vergesellschaftung und ihre spezifische Medialität als "Massenkunst". Entgegen der Forschungsthese von der Trivialität der Lyrik des 19. Jahrhunderts plausibilisiert der Beitrag die Gegenthese von der Eigenständigkeit der Gattung als einer modernen Literaturform. Der Konnex von Gattungspoetik und Mediengeschichte erlaubt die historisch angemessene Beobachtung einer literaturgeschichtlichen Kommunikationsform, die mit klaren Mustern adressatenbezogen arbeitet und dadurch gesellschaftlich funktionalisiert wird.

STEFAN SCHERER rekonstruiert eine Entwicklungslinie realistischer Lyrik von 1800 zur Jahrhundertwende (Tieck, Storm, Liliencron) komplementär zu einer Linie formalistischer Lyrik von Platen über C. F. Meyer bis zu George. Der Beitrag zielt auf eine formgeschichtliche Rekonstruktion der Gattung Lyrik über die etablierten epochalen Einheiten des Jahrhunderts hinweg. Die Betrachtung von Autoren und Texten zwischen der (mittleren) Goethezeit und der Frühen Moderne erkennt die Entstehung lyrischer Realistik aus antiromantischen Affekten, die zentrale Merkmale der literarischen Romantik wie Selbstreflexivität und Artifizialität im Rahmen einer Poetik der Simplizität, Vergegenständlichung und selbst wieder artifiziellen Entlyrisierung (als Form der Entpoetisierung) inkorporiert und dadurch im Hegelschen Sinne ‚aufhebt'.

GUSTAV FRANK führt den historischen Wechsel im Verhältnis von Lyrik und Prosa an vier repräsentativen Prosatexten im epochalen Übergang von der Goethezeit zu Vormärz/Biedermeier vor: Am Beispiel von Goethes Wilhelm Meisters Wanderjahren, Heines Nordsee-Gedichten in der Reiseerzählung Die Harzreise, lyrischen Einlagen in Mörikes Maler Nolten und Eichendorffs Dichter und ihre Gesellen läßt sich nachvollziehen, wie die Lyrik für die erzählte Geschichte ihren Wert verliert. Prosa entkoppelt sich ‚um 1850' im Zeichen des Realismus von Lyrik. Frank weist dabei zugleich konkret an den Texten aus, was erst der jüngeren Forschung in den Blick gerät: daß Spätromantik und Vormärz/Biedermeier als komplementäre Formationen einer ebenso komplexen wie ungesicherten Übergangsperiode anzusehen sind.

ANDREA POLASCHEGG geht den Verschränkungen von Gattungspoetik, Orientalismus und Hermeneutik nach und zeigt dabei am Beispiel der Ghasel-Dichtungen Rückerts und Platens, wie lyrische Formen an wissenschaftliche Diskurse auf eine für sie problematische Weise angeschlossen werden. Bezugspunkt für die Evokation thematischer Fremdheit und für die Problematisierung generischer Klassifikation, die beide gleichermaßen Deutungsbedürftigkeit wie Deutungsmöglichkeiten eröffnen, ist Goethes Divan-Dichtung und die dort zu situierende morphologische Bestimmung der "Naturformen der Dichtung". Während Goethe damit die Gratwanderung zwischen gelehrter Verfremdung und poetischer Reizerfahrung gelingt, werden Rückerts und Platens Ghasel-Dichtung auch aufgrund ihrer hochgradigen Formalisierung der Philologie zugeschlagen und damit aus dem Kanon der Lyrik im 19. Jahrhundert ausgeschlossen.

THOMAS BORGSTEDT löst sein Programm einer kulturwissenschaftlich perspektivierten und historisch informierten Gattungspoetik am Beispiel von Platens Sonett-Dichtung ein. Die Sonettpoetik erweist sich in der Romantik als kulturstrategische Operation zur Entwicklung lyrischer Markenzeichen und poetischer Labels in der Wendung gegen französische und antike Vorbilder. Der Beitrag rekonstruiert das damit verbundene Gattungswissen, um auf diese Weise den Dichter der Venedig-Sonette gegen die Forschungstradition, die in Platen unhistorisch vor allem den Formkünstler gesehen hat, als Repräsentanten einer neuartigen, spezifisch modernen Erfahrung zu profilieren. Die strengen Vorgaben des Sonetts sind für ihn nicht Medium der Sublimierung, Verschattung oder gar Verleugnung seiner "homoerotischen ‚Subjektivität'", sondern deren Ausdrucksform, weil die Anverwandlung von und Bezugnahme auf Muster der Sonett-Geschichte Aussagemöglichkeiten eröffnet.

MADLEEN PODEWSKI analysiert die dualistischen Konstellationen von Heinrich Heines letztem Gedicht Sommernachtstraum. In einer genauen Lektüre macht sie Heines lyrisches Bild- und Formenarsenal auf die interdiskursiv geführte Debatte um die Kommunikabilität von Subjektdispositionen hin transparent. Die von Heine aufgerufenen Muster sind dabei für die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts und für die Zusammenhänge der idealistischen Philosophie und Ästhetik durchaus typisch. Vor allem aber charakterisieren sie Heines Werk insgesamt und belegen insofern, daß die Lyrik keine generische Spezifität ausbilden muß. Es geht also in der lyrischen Entfaltung des Gegensatzes von "Hellenen" und "Barbaren" weniger um Bedingungen des lyrischen Sprechens als vielmehr um den Ort subjektiver Rede generell.

ALBERT MEIER bezieht die Gattungsgeschichte im 19. Jahrhundert auf eine ihrer häufigsten Publikationsformen: auf die Anthologie, deren gängige Ausprägungen er Theodor Storms Anthologie-Projekten konfrontiert. Storm reihte sich demnach zu einem Zeitpunkt in die Geschichte der Anthologienkultur ein, an dem diese bereits selbstreferentiell geworden war und die Herausgeber der Sammlungen nicht allein auf die zu sortierende Dichtung, sondern auf schon vorliegende Selektionen Bezug nehmen. Neben den Deutschen Liebesliedern seit Johann Christian Günther geht es dabei vor allem um das 1870 erstmals veröffentlichte Hausbuch aus deutschen Dichtern seit Claudius, das eine eigene regulative Funktion beansprucht: Geschmacksbildung, nicht Ordnungsstiftung ist das erklärte Ziel der Hausbuch-Sammlung, die keinesfalls zur Komplexitätsreduktion in der Orientierung der Leser auf dem zunehmend unübersichtlichen lyrischen Markt beitragen will, sondern zur Archivierung und Tradierung des Mustergültigen.

RALF SIMON rekonstruiert die poetologischen Voraussetzungen der Gattung Hymne, die selbst im 19. Jahrhundert nur eine mehr als lückenhafte, vielfach gebrochene Geschichte aufzuweisen hat. Ausgangs- und Zielpunkt bilden dabei Georges Hymnen, die Simon als "ästhetizistisch invertierte antihymnische Hymnik" liest, also als genaues Negativ zu den generischen Vorgaben der Hymnentradition, das gleichwohl einen latent affirmativen Bezug zu dieser Tradition unterhält. Dies zeigt sich insbesondere in den im 19. JLiebeslahrhundert nicht minder problematischen Reflexionen des Erhabenen, und zwar als unterschwellige Begleiterscheinung der Diskussion des Lächerlichen und des Humors (Jean Paul), der Erhabenheit des Kleinen (Stifter), des Schön-Erhabenen (Vischer u. a.) sowie der Entsinnlichung der Kunst (Mallarmé, Nietzsche u. a.).

FABIAN LAMPART untersucht mit Hölderlins Andenken, Leopardis Alla luna und Keats' Ode on a Grecian Urn paradigmatische Beispiele für die Zeitsemantik der Epoche nach dem Zusammenbruch kohärenter, sinnstiftender Temporalmuster. Dabei geht es nicht allein um thematische Reflexionen von Gedächtnis oder Erinnerung, sondern vor allem um Verfahren der textuellen Organisation, die das Problem der ‚Zeit' lyrisch variieren. Der Bogen führt von der idealistischen Bewältigung der Zeit-Problematik über deren bloße Konstatierung bis hin zur Überwindung der Zeit. Die generischen Grenzen und Möglichkeiten des Umgangs mit Zeit werden auf diese Weise bestimmt als Beitrag zu einer "Typologisierung temporaler Sinnbildung" bzw. einer "Poetik der Zeit".

UWE JAPP beschreibt die Vorreiterrolle Achim von Arnims für den Surrealismus im 20. Jahrhundert im allgemeinen sowie für Breton im besonderen. Damit überprüft er zugleich die Relationierung von literarischer Moderne und Romantik. In Arnims lyrischen Verfahren, die ein "ganz der Materialität der Wort-Kunst vertrauendes Dichten und Fortdichten" erproben, spielen folglich Merkmale wie Heautonomie, Hermetik und Dissonanz oder das Projekt automatisierter Herstellung von Texten eine tragende Rolle. Andere Elemente der surrealistischen Praxis und Programmatik wie die Teleskopage oder Momente einer "polemischen Buffonerie" treten demgegenüber in den Hintergrund, und auch die Möglichkeiten der offensiven Selbstbeschreibung standen dem Romantiker im Kontext seiner Zeit eher eingeschränkt zur Verfügung.

PETER HÜHN und JÖRG SCHÖNERT vergleichen Entwicklungstendenzen der englischen und deutschen Lyrik im Blick auf die Zunahme oder Restriktion des Aussagepotentials lyrischer Texte. Im England des 19. Jahrhunderts zeichnet sich die Komplexität der lyrischen Form vor allem durch die Übernahme narrativer und dramatischer Elemente aus, mithin insbesondere durch die Möglichkeit der Entfaltung von Beobachtungen zweiter Ordnung (z. B. bei Robert Browning, Alfred Tennyson, Felicia Herman, Augusta Webster oder Algernon Swinburne), mit denen die metapoetischen Äußerungen der Zeit nicht Schritt halten. Die deutsche Lyrikgeschichte hingegen tradiert - stabiler noch als im angelsächsischen Raum - in den zeitgenössisch repräsentativen Erscheinungen die Muster der klassisch-romantischen Periode, wie man exemplarisch an den Anthologien Pantheon deutscher Dichter und Hausbuch aus deutschen Dichtern seit Claudius sieht. Erst in den 1880er Jahren wird deutlich, daß die neuen Zeiterfahrungen mit den konventionellen lyrischen Mitteln nicht mehr bewältigt werden können.

MAX KAISER und WERNER MICHLER untersuchen österreichische Lyrikanthologien im Zeitraum 1848 bis 1890 mit Ausblicken bis 1900, um daran Mechanismen der Kanonisierung, der Karrierebildung und Plazierung auf dem literarischen Feld und die Brechung der Programme durch die Feldeffekte aufzuzeigen: Die Lyrikanthologie des 19. Jahrhunderts ist eine "Agentur zur Distribution von Lyrikernamen". Der Beitrag beschreibt, wie die Anthologie als das zentrale Publikationsmedium von Lyrik im 19. Jahrhundert die dichterische Produktion kanalisiert, stabilisiert, forciert und gegebenenfalls restringiert oder wie das Anthologiewesen Kartellbildung provoziert und auf vielfältige Weise die Entwicklung der Literaturgeschichte im ganzen prägt. Auch der Umbruch zur "historischen Moderne seit dem Naturalismus" ist demnach zunächst nicht ohne Auseinandersetzung mit der "mentalitätsprägenden Diskursmacht der Anthologienlyrik" wie mit der Anthologie als deren Medium zu denken (z. B. Wilhelm Arents Moderne Dichter-Charaktere). Die "Jung-Wiener" hingegen geben sich selbst nicht mehr mit einer programmatischen Anthologie als Gruppe zu erkennen.

Die Beiträge dieses Bandes gehen auf Vorträge zurück, die im November 2003 auf einem mehrtätigen Symposion im Brecht-Haus (Literaturforum, Berlin-Mitte) gehalten wurden. Sie wurden für diesen Band überarbeitet und durch neu eingeworbene Beiträge ergänzt. Der Dank der Herausgeber gilt der Fritz Thyssen Stiftung, die das Symposion großzügig und unbürokratisch gefördert hat, und dem Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin; ebenfalls danken möchten wir den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern des Brecht-Hauses sowie Sonja Helms, Rebecca Schaarschmidt, M. Charlotte Heinz und insbesondere Dr. Brigitte Peters für die vorzügliche Betreuung des Tagungsbandes.

 

Anmerkungen

[1] Robert Springer: Die klassischen Stätten von Jena und Ilmenau. Ein Beitrag zur Goethe-Literatur, Berlin 1869, S. 29, zitiert nach Wulf Segebrecht: Johann Wolfgang Goethes Gedicht Über allen Gipfeln ist Ruh und seine Folgen. Zum Gebrauchswert klassischer Lyrik. Text, Materialien, Kommentar, München/Wien 1978, S. 40 f.

[2] Bezeichnung von Bernd Stiegler: Philologie des Auges. Die photographische Entdeckung der Welt im 19. Jahrhundert, München 2001, S. 312/Abb. 79. Wir danken Bernd Stiegler sehr herzlich dafür, daß er uns das Exemplar dieser Karte aus seiner Sammlung für den Titel des vorliegenden Sammelbands zur Verfügung gestellt hat.

[3] 6,4 x 8,7 cm auf der Karte in der Größe 6,8 x 10,1 cm.

[4] Vgl. dagegen die bekanntere Photographie August Lindes aus dem Jahr 1869, die stärkere Kontraste aufweist, bei Segebrecht (wie Anm. 1), S. 192. Besser bewahrt wird die ‚photographische' Qualität durch eine Wiedergabe in: Goethe und seine Welt. Unter Mitwirkung von Ernst Beutler hrsg. v. Hans Wahl und Anton Kippenberg, Leipzig 1932, S. 234. Durch das größere Format bleibt das Gedicht hier lesbar.

[5] Vgl. zu diesem Problem Segebrecht (wie Anm. 1), S. 17 f.

[6] Wulf Segebrecht: Der Erstdruck von Goethes Nachtlied. In: Euphorion 72 (1978), S. 96-101, hier S. 101. In der späteren Publikation schreibt Segebrecht, daß die Photographie Lindes den Zustand dokumentiere, "in dem sich Goethes Inschrift nahezu 90 Jahre nach ihrem Zustandekommen befand, einschließlich aller Übermalungen, Erneuerungen und touristischen Manipulationen, die mit ihr vorgenommen wurden" (Segebrecht [wie Anm. 1], S. 16).

[7] Friedrich A. Kittler: Lullaby of Birdland. In: ders.: Dichter. Mutter. Kind, München 1991, S. 103-118.

[8] Von Barthes als das punctum der Photographie bezeichnet: das absichtslose, überraschende Detail, das Wirklichkeit unmittelbar abbildet und gleichsam körperlich erfahrbar macht, vgl. Roland Barthes: Die helle Kammer. Bemerkung zur Photographie, Frankfurt a. M. 1989 [11980], S. 36, 60.

[9] Bis 1838 blieb die Hütte auf dem Kickelhahn eine ‚Kultstätte' nur für Kenner. 1838 wird Ilmenau zum Badeort erhoben. Seitdem gehört auch das nunmehr so genannte ‚Goethehäuschen' zu den touristischen Attraktionen; zum "Kult des Ortes" vgl. Segebrecht (wie Anm. 1), S. 34-45, zu seiner Erschließung als Sehenswürdigkeit für den Tourismus seit 1838 vgl. S. 39 f.

[10] Der Bericht von Gustav von Loeper teilt mit, daß die Inschrift bereits 1847 "völlig unleserlich, die Bleistiftzüge verwaschen und durch Striche und Übermalungen zerstört" gewesen seien (Gustav von Loeper: Goethes Werke. Zweite Auflage, Berlin 1882, zitiert nach Segebrecht [wie Anm. 1], S. 40).

[11] Eine gerahmte Glasplatte zum Schutz vor weiteren Hinzufügungen und Überschreibungen ist seit 1858 durch Willibald Alexis bezeugt: "Zwar hat man die schöne Reliquie jetzt mit Glas und Rahmen überdeckt, aber nicht vor dem verhindert, daß irgend welcher pietätvolle Tempelschänder (man sagt ein Berliner) mit grobem Zimmermannsbleistift die Urschrift überzogen hat" (Willibald Alexis: Ein April in Thüringen. In: Königl. Privilegierte Berlinische Zeitung, Beilage, 2. Mai 1858, S. 1-2; zitiert nach Segebrecht [wie Anm. 1], S. 40). Die Wirkung der Spiegelreflexe zeigt der Vergleich mit der Photographie Lindes (vgl. dazu Anm. 4), die besonders den unteren linken Rand im großen W noch deutlich profiliert.

[12] Diese materiale Entwertung behindert den "Kult des Orts" aber gerade nicht, sondern steigerte sich am Nachbau der Hütte seit 1874 sogar noch, seitdem dort die Photographie hinter Glas und Rahmen aufgehängt worden war (vgl. Segebrecht [wie Anm. 1], S. 41 f.).

[13] "Die neutrale Präzision des Verfahrens, die Genauigkeit der Wiedergabe werden zum Instrument und Impuls einer Sinnstiftung, eines intensiven Austauschs mit dem Bild. Nicht mehr die Abbildungsqualitäten stehen jetzt im Vordergrund, sondern das, was mit ihrer Hilfe an Reflexionen und Imaginationen - nachträglich - freigesetzt werden kann" (Bernd Busch: Belichtete Welt. Eine Wahrnehmungsgeschichte der Photographie, München/Wien 1989, S. 204 f.).

[14] Vgl. zu zentralen Zuschreibungen den Beitrag von Sandra Pott in vorliegendem Band, der zudem die divergierenden Bestimmungen von Lyrik anmerkt und entsprechende Empfehlungen zum literaturwissenschaftlichen Umgang mit dem Lyrik-Begriff gibt. Vgl. dazu auch dies.: Poetiken. Poetologische Lyrik, Poetik und Ästhetik von Novalis bis Rilke, erscheint Berlin/New York 2004.

[15] Friedrich Sengle: Biedermeierzeit. Deutsche Literatur im Spannungsfeld zwischen Restauration und Revolution 1815-1848, Bd. 2: Die Formenwelt, Stuttgart 1972, S. 467 ff.

[16] Vgl. u. a. Elisabeth Katharina Paefgen: Uhland - Goethe - Geibel. Anmerkungen zur lyrischen Kanonentwicklung im "Echtermeyer" des 19. Jahrhunderts: Volkstümlichkeit - Klassik - Nationales. In: Literaturdidaktik - Lektürekanon - Literaturunterricht, hrsg. v. Detlef C. Kochan, Amsterdam/Atlanta 1990, S. 251-287, hier S. 263.

[17] Vgl. dazu den Beitrag von Claudia Stockinger in vorliegendem Band.

[18] Dieter Lohmeier: Theodor Storms Gedichte. In: Theodor Storm: Sämtliche Werke in vier Bänden, Bd. 1: Gedichte. Novellen. 1848-1867, hrsg. v. D. L., Frankfurt a. M. 1987, S. 744-752, hier S. 744.

[19] Theodor Fontane: Ach, es ist schlimm mit den Dichtern. Über Literatur, Autoren und das Publikum, hrsg. v. Peter Goldammer, Berlin 1999, S. 118, 143.

[20] Vgl. Meyers Abwertung seiner lyrischen Produktion in Briefen (Conrad Ferdinand Meyer: Sämtliche Werke. Historisch-kritische Ausgabe, besorgt von Hans Zeller und Alfred Zäch, Bd. 2: Gedichte. Bericht des Herausgebers. Apparat zu den Abteilungen I und II, Bern 1964, S. 28-31).

[21] Vgl. den Beitrag von Gustav Frank in vorliegendem Band.

[22] Joachim Bark: Der Wuppertaler Dichterkreis. Untersuchungen zum Poeta Minor im 19. Jahrhundert, Bonn 1969, S. IX. Vgl. dazu auch den Beitrag von Jörg Schönert und Peter Hühn in vorliegendem Band.

[23] Sengle (wie Anm. 15), S. 527 ff. Vgl. dazu auch den Beitrag von Gerhard Lauer in vorliegendem Band.

[24] Vgl. dazu den Beitrag von Fabian Lampart in vorliegendem Band.

[25] Anne-Susanne Rischke: Die Lyrik in der "Gartenlaube" 1853-1903. Untersuchungen zu Thematik, Form und Funktion, Frankfurt a. M./Bern 1982.

[26] Friedhelm Rudorf: Poetologische Lyrik und politische Dichtung. Theorie und Probleme der modernen politischen Dichtung in den Reflexionen poetologischer Gedichte von der Aufklärung bis zur Gegenwart, Frankfurt a. M./Bern/New York/Paris 1988.

[27] Jürgen Fohrmann: Lyrik. In: Bürgerlicher Realismus und Gründerzeit 1848-1890, hrsg. v. Edward McInnes und Gerhard Plumpe (Hansers Sozialgeschichte der deutschen Literatur vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart, Bd. 6), München/Wien 1996, S. 394-461, hier S. 443.

[28] Vgl. z. B. Ernst Weber: Lyrik der Befreiungskriege (1812-1815). Gesellschaftspolitische Meinungs- und Willensbildung durch Literatur, Stuttgart 1991, S. 2 f.

[29] Renate Werner: Ästhetische Kunstauffassung am Beispiel des ,Münchner Dichterkreises'. In: Bürgerlicher Realismus und Gründerzeit 1848-1890, hrsg. v. Edward McInnes und Gerhard Plumpe (Hansers Sozialgeschichte der deutschen Literatur vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart, Bd. 6), München/Wien 1996, S. 308-342, hier S. 320 f.

[30] Heinrich Heine: Tassos Tod von Wilhelm Smets. In: Lyriktheorie. Texte vom Barock bis zur Gegenwart, hrsg. v. Ludwig Völker, durchgesehene und bibliographisch ergänzte Ausgabe, Stuttgart 2000, S. 189-191, hier S. 189.

[31] Theodor Storm: Sämtliche Werke in acht Bänden, hrsg. v. Albert Köster, Bd. 8, Leipzig 1920, S. 115.

[32] Fohrmann (wie Anm. 27), S. 419 f.

[33] Rolf Selbmann: Die simulierte Wirklichkeit. Zur Lyrik des Realismus, Bielefeld 1999, S. 23.

[34] U. a. Paul Böckmann: Deutsche Lyrik im 19. Jahrhundert. In: ders.: Dichterische Wege der Subjektivierung. Studien zur deutschen Literatur im 19. und 20. Jahrhundert, hrsg. v. der Deutschen Schillergesellschaft, Tübingen 1999, S. 3-24; Heinz Schlaffer: Lyrik im Realismus. Studien über Raum und Zeit in den Gedichten Mörikes, der Droste und Liliencrons, Bonn 1966; Helmut Koopmann: Die Vorteile des Sprachzerfalls. Zur Sprache der Lyrik im 19. Jahrhundert. In: Das 19. Jahrhundert. Sprachgeschichtliche Wurzeln des heutigen Deutsch, hrsg. v. Rainer Wimmer, Berlin/New York 1991, S. 307-324 u. a.

[35] U. a. Jörg Schönert: Die populären Lyrik-Anthologien in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Zum Zusammenhang von Anthologiewesen und Trivialliteraturforschung. In: Sprachkunst 9 (1978), S. 272-299; Rainer Diehl: Bürgerliche Lyrik und sozialdemokratische Parteilyrik. Die Rezeption der bürgerlichen Lyrik vom Vormärz bis zur Jahrhundertwende und die Parteilyrik der frühen deutschen Sozialdemokratie, unter besonderer Berücksichtigung der kultur- und kunsttheoretischen Auffassungen der Partei, phil. Diss. Bonn 1980; Bark (wie Anm. 22); Günter Häntzschel: Die häusliche Deklamationspraxis. Ein Beitrag zur Sozialgeschichte der Lyrik in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. In: Zur Sozialgeschichte der deutschen Literatur von der Aufklärung bis zur Jahrhundertwende. Einzelstudien, hrsg. v. G. H., John Ormrod und Karl N. Renner, Tübingen 1985, S. 203-233; ders.: Die deutschsprachigen Lyrikanthologien 1840 bis 1914. Sozialgeschichte der Lyrik des 19. Jahrhunderts, Wiesbaden 1997 u. a. - Vgl. dazu auch den Beiträge von Albert Meier, Max Kaiser und Werner Michler in vorliegendem Band.

[36] So z. B. Werner (wie Anm. 29), Fohrmann (wie Anm. 27), Schönert (wie Anm. 35).

[37] Vgl. z. B. Jörg Schönert: "Am Himmel fährt ein kalt Gewölk daher!" Zu Anspruch und Krise des Erfahrungs- und Deutungsmodells ‚Natur' in der deutschsprachigen Lyrik 1850-1890. In: Das schwierige neunzehnte Jahrhundert. Germanistische Tagung zum 65. Geburtstag von Eda Sagarra im August 1998, hrsg. v. Jürgen Barkhoff, Gilbert Carr und Roger Paulin, Tübingen 2000, S. 171-185; Dirk Jürgens: "Im unbefriedeten Ganzen". Zyklen und Sequenzen in der Restaurationszeit. In: Naturlyrik. Über Zyklen und Sequenzen im Werk von Annette von Droste-Hülshoff, Uhland, Lenau und Heine, hrsg. v. Gert Vonhoff, Frankfurt a. M. u. a. 1998, S. 9-17, hier S. 13 ff. - Vgl. dazu auch den Beitrag von Madleen Podewski in vorliegendem Band.

[38] Selbmann (wie Anm. 33), S. 15 ff.

[39] Carola Groppe: Die Macht der Bildung. Das deutsche Bürgertum und der George-Kreis 1890-1933, Köln/Weimar/Wien 1997; Rainer Kolk: Literarische Gruppenbildung. Am Beispiel des George-Kreises 1890-1945, Tübingen 1998.

[40] Johannes Mahr: "Tausend Eisenbahnen hasten … Um Mich. Ich nur bin die Mitte!" Eisenbahngedichte aus der Zeit des Deutschen Kaiserreichs. In: Technik in der Literatur. Ein Forschungsüberblick und zwölf Aufsätze, hrsg. v. Harro Segeberg, Frankfurt a. M. 1987, S. 132-173, hier S. 141 f.; Peter Sprengel: Geschichte der deutschsprachigen Literatur 1870-1900. Von der Reichsgründung bis zur Jahrhundertwende (Geschichte der deutschen Literatur von den Anfängen bis zur Gegenwart, Bd. 9.1), München 1998, S. 533-539.

[41] Günter Häntzschel: "In zarte Frauenhand. Aus den Schätzen der Dichtkunst". Zur Trivialisierung der Lyrik in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. In: ZfdPh 99 (1980), S. 199-226, hier S. 201; Sprengel (wie Anm. 40), S. 533-564.

[42] Dorothea Ruprecht: Untersuchungen zum Lyrikverständnis in Kunsttheorie, Literarhistorie und Literaturkritik zwischen 1830 und 1860, Göttingen 1987, S. 199, 209 u. ö.

[43] Immanente Ästhetik - Ästhetische Reflexion. Lyrik als Paradigma der Moderne. Kolloquium Köln 1964. Vorlagen und Verhandlungen, hrsg. v. Wolfgang Iser, München 1966. - Zwar soll den Herausgebern des Bandes zufolge Lyrik diejenige Gattung sein, in der ein "neues, von Reflexion durchsetztes Formbewußtsein" zwischen 1850 und 1920 sich am "frühesten und zugleich am entschiedensten dokumentiert" (S. 9). Herangezogen werden dann jedoch vor allem französische und englische Autoren des 19. Jahrhunderts.

[44] Vgl. dazu den Beitrag von Uwe Japp in vorliegendem Band.

[45] Selbmann (wie Anm. 33), S. 11 f., 18, 20 f.

[46] Otto Bank: Das Versinken unserer Lyrik in dilettantischer Spielerei. In: ders.: Kritische Wanderungen in drei Kunstgebieten, Bd. 2: Vom Literaturgeist unserer Tage, Leipzig 1866, S. 241-257.

[47] Vgl. z. B. Häntzschel (wie Anm. 41), S. 202. Zur Werkfunktion der Lyrik im 19. Jahrhundert vgl. den Beitrag von Steffen Martus in vorliegendem Band.

[48] Vgl. den Beitrag von Andrea Polaschegg in vorliegendem Band.

[49] Bürgerlicher Realismus und Gründerzeit 1848-1890, hrsg. v. Edward McInnes und Gerhard Plumpe (Hansers Sozialgeschichte der deutschen Literatur vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart, Bd. 6), München/Wien 1996; Zwischen Restauration und Revolution 1815-1848, hrsg. v. Gert Sautermeister und Ulrich Schmid (Hansers Sozialgeschichte der deutschen Literatur vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart, Bd. 5), München/Wien 1998.

[50] Vgl. dazu insbesondere die Beiträge von Ulrich Breuer, Dirk Niefanger, Stefan Scherer, Ralf Simon und Simone Winko in vorliegendem Band.

[51] Vgl. dazu: Grenzen der Germanistik. DFG-Symposion 2003, hrsg. v. Walter Erhart, Stuttgart/Weimar (im Druck).

[52] Vgl. dazu den Beitrag von Thomas Borgstedt in vorliegendem Band.

[53] Dieter Burdorf: Lyriktheorie. In: Reallexikon der deutschen Literaturwissenschaft, hrsg. v. Harald Fricke, Bd. 2, Berlin/New York 2000, S. 502-505, hier S. 502.

[54] Vgl. zum aktuellen Forschungsstand in historischer und systematischer Perspektive Stefan Trappen: Gattungspoetik. Studien zur Poetik des 16. bis 19. Jahrhunderts und zur Geschichte der triadischen Gattungslehre, Heidelberg 2001; Rüdiger Zymner: Gattungstheorie. Probleme und Positionen der Literaturwissenschaft, Paderborn 2003.

[55] Vgl. etwa Klaus W. Hempfer: Gattungstheorie. Information und Synthese, München 1973; Wilhelm Voßkamp: Methoden und Probleme der Romansoziologie. Über Möglichkeiten einer Romansoziologie als Gattungssoziologie. In: IASL 3 (1978), S. 1-37.

[56] Achim Barsch: Komponenten des Literatursystems: Zur Frage des Gegenstandsbereichs der Literaturwissenschaft. In: Systemtheorie der Literatur, hrsg. v. Jürgen Fohrmann und Harro Müller, München 1996, S. 134-158, S. 156 f., vgl. auch S. 145 und 149 zum Begriff der "literarischen Konvention" im Blick auf die Funktion von Gattungen.

[57] So im Blick auf den New Historicism kritisch angemerkt von Catherine Belsey: Von den Widersprüchen der Sprache. Eine Entgegnung auf Stephen Greenblatt. In: Stephen Greenblatt: Was ist Literaturgeschichte? Mit einem Kommentar von Catherine Belsey, Frankfurt a. M. 2000, S. 51-72, z. B. S. 68.

[58] Vgl. z. B. Erich Köhler: Gattungssystem und Gesellschaftssystem. In: Romanistische Zeitschrift für Literaturgeschichte (1977), S. 7-22, S. 11; Wilhelm Voßkamp: Gattungen. In: Literaturwissenschaft. Ein Grundkurs, hrsg. v. Helmut Brackert und Jörn Stückrath, Reinbek bei Hamburg 1992, S. 253-269, S. 258 f.

[59] Wilhelm Voßkamp: Literaturwissenschaft als Kulturwissenschaft. In: Konzepte der Kulturwissenschaften. Theoretische Grundlagen - Ansätze - Perspektiven, hrsg. v. Ansgar Nünning und Vera Nünning, Stuttgart/Weimar 2003, S. 73-85, S. 80 f.

[60] So der Obertitel des entsprechenden Rubrums in: Grundzüge der Literaturwissenschaft, hrsg. v. Heinz Ludwig Arnold und Heinrich Detering, München 1996, S. 205.

[61] Hempfer (wie Anm. 55), S. 89 ff.; ders.: Gattung. In: Reallexikon der deutschen Literaturwissenschaft, hrsg. von Klaus Weimar, Bd. 1, Berlin/New York 1997, S. 651-655, S. 654.

[62] Trappen (wie Anm. 54), S. 2, 10.

[63] Siegfried J. Schmidt/Siegfried Weischenberg: Mediengattungen, Berichterstattungsmuster, Darstellungsformen. In: Die Wirklichkeit der Medien. Eine Einführung in die Kommunikationswissenschaft, hrsg. v. Klaus Mertens u. a., Opladen 1994, S. 212-236, S. 213 ff.

[64] So nach Tzvetan Todorov: "Die Gattungen sind genau die Relais, an denen das Werk in Beziehung zum Universum der Literatur tritt" (Einführung in die fantastische Literatur, Frankfurt a. M. 1992, S. 11).

 


Band 10 Vorwort


 

Band 10 - „Von der Unzerstörbarkeit des Menschen“.


VORWORT

     
Das Motto des Tagungsbandes Von der Unzerstörbarkeit des Menschen ist einer Rezension entnommen, die Ingeborg Drewitz zu Alexander Solschenizyns Krebsstation (1968) verfaßt hat – zu einer Zeit, als sie von der eigenen Erkrankung bereits wußte, sich dadurch in ihren vielfältigen Aktivitäten jedoch kaum bremsen ließ. Es ist weniger eine trotzige Behauptung denn eine utopische Formel, mit der sich Ingeborg Drewitz zu einem Zeitpunkt Mut zu machen versuchte, als sie nicht nur feststellen mußte, daß die eigenen Kräfte zu schwinden begannen. Auch das literarisch-politische Feld, in dem sie fast vierzig Jahre eine beeindruckende vita activa geführt hat, begann sich so zu verändern, daß viele der Positionen, die sie als Autorin eingenommen hatte, von einer jüngeren Generation als überholt beiseite geschoben wurden. Als Ingeborg Drewitz 1986 starb, war es bereits still um eine Autorin geworden, die wie kaum eine andere in verschiedenen öffentlichen Funktionen das politisch-kulturelle Leben in West-Berlin und der Bundesrepublik geprägt und dabei ein hohes öffentliches Ansehen erworben hatte, das jedoch nach ihrem Tod rasch zu verblassen begann. Die Gründe für diesen zweiten ‚öffentlichen‘ Tod sind vielfältig: Sie reichen von der schwierigen Autorschaft von Frauen im allgemeinen und den problematischen Mechanismen von Erinnern und Vergessen im literarischen Feld im besonderen bis hin zu den Spezifika eines moralisch-politischen Habitus, der untrennbar mit den Erfahrungen des Faschismus und der Nachkriegszeit verbunden ist.
      
Die internationale Tagung, die im November 2003 anläßlich des achtzigjährigen Geburtstages der Autorin an der Humboldt-Universität zu Berlin als Kooperationsveranstaltung zwischen der Ohio State University und der Humboldt-Universität stattfand, hat es sich zur Aufgabe gemacht, Ingeborg Drewitz mit ihrem literarischen Werk und ihren kulturellen, sozialen und politischen Aktivitäten wieder ins öffentliche Bewußtsein der Gegenwart zurückzuholen. Beide Veranstalterinnen haben die Autorin noch persönlich kennengelernt, ohne jedoch zum Freundes- oder engeren Bekanntenkreis gehört zu haben. Infolgedessen ging es ihnen nicht um die Glorifizierung einer zu Unrecht vergessenen Autorin, sondern um die kritische Rekonstruktion eines Lebenswerks, das in gewisser Weise symptomatisch für die schwierigen Bedingungen weiblicher Autorschaft in der Nachkriegszeit stehen kann. Mit Bedacht haben die beiden Organisatorinnen daher – neben ausgewiesenen Expert(inn)en für die Nachkriegsliteratur bzw. die Literatur von Frauen – gezielt jüngere Wissenschaftler(innen) aus dem In- und Ausland eingeladen, um einen produktiven wissenschaftlichen Diskurs zwischen den Generationen und den verschiedenen theoretischen Lagern zu initiieren. Begleitend zu der Tagung fand an der Humboldt-Universität ein Seminar zu Ingeborg Drewitz im literarischen Feld der Nachkriegszeit statt. Die Studierenden nahmen nicht nur aktiv an der Tagung teil, sondern lieferten auch so vorzügliche Arbeiten, daß ein Teil von ihnen Aufnahme in den Tagungsband gefunden hat. Die vorliegende Publikation setzt sich also aus den zwanzig auf dem Symposium gehaltenen und überarbeiteten Vorträgen sowie aus vier ausgewählten studentischen Beiträgen zusammen; hinzu kommt der Beitrag eines Kollegen von der Humboldt-Universität, der an der Tagung nicht teilnehmen konnte und seinen Aufsatz zu Ingeborg Drewitz’ Bekenntnis zu Margret Boveri erst für den Tagungsband fertiggestellt hat.
      
Der Tagungsort bot sich aus verschiedenen Gründen an: Ingeborg Drewitz ist in Berlin geboren und aufgewachsen. Hier hat sie die meiste Zeit ihres Lebens verbracht und eine herausgehobene Rolle im öffentlichen Leben gespielt. Darüber hinaus hat sie die Stadt und ihre Menschen immer wieder zum Thema ihrer Texte gemacht. Ihr Nachlaß befindet sich in der Akademie der Künste, und es gibt eine Reihe von Orten, die an sie als Autorin erinnern. Überdies ist Ingeborg Drewitz mit der Humboldt-Universität in besonderer Weise verbunden – freilich in einer Art, die für beide Seiten kein Ruhmesblatt in ihrer Geschichte darstellt. Kurz vor Kriegsende im April 1944 hat Ingeborg Drewitz an der Friedrich-Wilhelms-Universität in Berlin, Fachgruppe „Deutschkunde“, mit einer Arbeit über Kolbenheyer promoviert und gehört damit zu jener Generation von Intellektuellen, die keineswegs so unbelastet vom faschistischen Gedankengut waren, wie sie dies im nachhinein gerne gewesen wären. Die Dissertation, die sich ebenso wie eine Reihe von frühen Mitschriften und Aufzeichnungen aus der Studienzeit im Nachlaß befindet, zeigt, welchen weiten Weg Ingeborg Drewitz von einer angepaßten jungen Studentin bis hin zur engagierten Kämpferin für Menschenrechte zurückgelegt hat und erklärt vielleicht im nachhinein ein wenig die merkwürdige Unrast, die sich durch das Leben der Autorin nach 1945 zieht. Natürlich entwertet die Entdeckung dieser jugendlichen Verstrickung in die faschistische Ideologie nicht die spätere Lebensleistung der Autorin. Ganz im Gegenteil. Sie verweist vielmehr auf die Brüche in einem Leben, das nicht so geradlinig verlaufen ist, wie man dies aus der Rückschau wünschen mag.
     
Die Organisation und Durchführung eines so großen Symposiums sowie die Herstellung des dazugehörigen Tagungsbandes wäre ohne Hilfestellung von verschiedenen Seiten nicht möglich gewesen. Zu danken ist zunächst der Ohio State University und der Humboldt-Universität sowie der Deutschen Forschungsgemeinschaft und der Humboldt-Stiftung für ihre finanzielle Unterstützung. Dank gebührt Sabine Imhof, Kerstin Krull und Silvia Striebing für ihre tatkräftige Unterstützung im Vorfeld und im Verlauf der Tagung ebenso wie Julia Freytag und Alexandra Tacke, die als studentische Hilfskräfte für den reibungslosen Ablauf der Tagung gesorgt und zu der freundlichen und entspannten Atmosphäre während des Symposiums maßgeblich beigetragen haben. Der Tagungsband hätte ohne die bewährte Professionalität von Dr. Brigitte Peters und ohne die Mithilfe von Svea Bräunert, Dörte Richter und Uta Kabelitz weder in der Schnelligkeit noch mit der Sorgfalt produziert werden können, die alle Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik auszeichnet. Auch die Hilfsbereitschaft, mit der Frau Gabriele Zenke von der Akademie der Künste, die die Teilnehmer und Teilnehmerinnen bei ihren Recherchen im Ingeborg-Drewitz-Archiv unterstützte, war von nicht zu unterschätzender Bedeutung für die Qualität und Originalität der Beiträge, die alle mehr oder minder intensiv auf die noch weitgehend unerschlossenen Bestände des Archivs zurückgreifen konnten und damit erstmals ein umfassendes, auf breiter Materialkenntnis basierendes neues Bild der Autorin, ihres Werkes und ihrer Aktivitäten liefern. Unser ganz spezieller Dank gilt den Töchtern von Ingeborg Drewitz, insbesondere Jutta Hoppe, die die Tagung nicht nur mit Interesse und Engagement begleitete, sondern auch großzügig die Zitation aus dem handschriftlichen Nachlaß erlaubte und eine umfassende Abdruckgenehmigung für bislang unveröffentlichte Texte und Bilder erteilte.

Barbara Becker-Cantarino, Inge Stephan
Ohio und Berlin, Mai 2004

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[1] Die Rezension befindet sich im Archiv der Akademie der Künste, Berlin, Ingeborg-Drewitz-Archiv, Nachlaß, Kasten 110.

[2] Der Begriff spielt an auf Hannah Arendt: Vita activa oder vom tätigen Leben, München 111999.

[3] Barbara Hahn: Unter falschem Namen. Von der schwierigen Autorschaft der Frauen, Frankfurt a. M. 1991.

[4] Daß Frauen als Autorinnen im literarischen Feld mit besonderen Schwierigkeiten zu kämpfen haben, läßt sich zumindest indirekt aus den Ausführungen von Bourdieu entnehmen, mit denen er am Ende seines Lebens seine Feldtheorie genderspezifisch ergänzt hatte. Vgl. Pierre Bourdieu: Die männliche Herrschaft. In: Irene Dölling, Beate Krais (Hrsg.): Ein alltägliches Spiel. Geschlechter-konstruktionen in der sozialen Praxis, Frankfurt a. M. 1997, S. 153-217. Zum Zusammenhang von Geschlecht undGedächtnis vgl. auch Christina von Braun, Inge Stephan (Hrsg.): Gender @ Wissen, Köln, Wien 2004.

[5] Es handelt sich um die Beiträge von Patricia Ebel, Svea Bräunert, Gregor Eppinger, und Dörte Richter. Ausdrücklich gedankt sei auch dem Fotographen Stijepo Pavlina für die Veröffentlichung des Drewitz-Fotos (S. 409).

[6] Vgl. auch die Ausstellung „Vom Ausschluss zum Abschluss. Berliner Germanistinnen 1900 bis 1945. Studienalltag und Lebenswege“ im Foyer der Humboldt-Universität zu Berlin vom 6.4.–8.4.2004.

[7 ] Vgl. Christoph König (Hrsg.): Internationales Germanisten-lexikon 1800 bis 1950, 3 Bde., Berlin 1994 und die lebhaften Debatten um die verschwiegene und verdrängte NS-Vergangenheit von einflußreichen Intellektuellen wie z. B. Walter Jens und Walter Höllerer, die im übrigen nicht ohne Scheinheiligkeit in den Medien geführt wird.

 


 

Band 9 Vorwort


 

Band 09 - „lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn!-" Ludwig Tieck (1773-1853)


lNGE STEPHAN

Vorwort

     
"Nun, nach Goethes Tod, ist er der erste Dichter Deutschlands!“ – diese emphatische Behauptung, mit der Justinus Kerner Ludwig Tieck gegen die Kritik der revolutionär gesonnenen Vormärz-Generation am „königlich Sächsischen Hofrath“ zu verteidigen suchte, macht auf ein Rezeptionsmuster aufmerksam, das sich nicht nur in Hinsicht auf Tieck als ambivalent erweisen sollte: Die Ausrichtung am „Olympier“ Goethe, so schmeichelhaft sie im Einzelfall auch gemeint sein mochte, privilegierte eine Autorposition und ein Literaturverständnis, das auf Kosten derjenigen Autoren ging, deren literarische Praxis diesem Modell von Autorschaft nicht entsprach.

Im Falle Tiecks verstellte sie den Blick für die Wahrnehmung gerade der Vielfalt und Fülle, die den Reichtum seines Werks ausmachen. Tatsächlich war Ludwig Tieck, der von den Brüdern Schlegel zum „König der Romantik“ ausgerufen wurde, nicht der Nachfolger Goethes – auch wenn er dies vielleicht gern gewesen wäre und diesen immerhin über zwanzig Jahre überlebte –, sondern er war bereits lange vor seinem Tod ein ‚König ohne Land‘, wie der „Imperator“ Goethe hellsichtig und nicht ohne Häme bereits 1808 in einem Gespräch mit Falk bemerkte.

Als Weltbürger, der sich als Mittler zwischen den Kulturen verstand und sich als Übersetzer von Shakespeare und Cervantes einen Namen gemacht hat, wie als aufmerksamer Philologe und Zeitgenosse, der sich für das literarische Erbe des Minnesangs, der Volksbücher und Märchen ebenso engagierte wie für die Anerkennung von Autoren, die dem Typus des „klassischen“ Autors nicht entsprachen (Novalis, Kleist, Lenz), läßt sich Tieck nicht in ein enges Verständnis von „Nationalliteratur“ hineinpressen.

Auch seine literarische Praxis, die alle Gattungen umfaßt und wie ein Seismograph auf die turbulenten Umbruchszeiten zwischen 1790 und 1850 reagierte, ist so vielgestaltig, daß es bereits den Zeitgenossen schwerfiel, sie auf einen Nenner zu bringen. Der „ Garten der Poesie “, den Tieck in seiner Komödie Prinz Zerbino (1799) liebevoll ironisch entworfen hatte, enthält vieles, was einer am klassisch-idealistischen Kanon geschulten Nachwelt als störendes Unkraut erscheinen mochte, von der Perspektive der Gegenwart her gesehen. Es enthält aber gerade dieses Unkraut Keime, die erst in der Moderne zur Blüte aufgehen sollten: Tieck nimmt das Unheimliche, das Doppeldeutige, Gewaltsame und Gespaltene in seinen Erzählungen thematisch vorweg, entwickelt lange vor dem „poetischen Realismus“ ein wegweisendes Prosakonzept und experimentiert mit anti-illusionistischen Schreibweisen des 20. Jahrhunderts in seinen Komödien wie z.B. in Die verkehrte Welt (1800).

Stärker als die Fülle und Widersprüchlichkeit des Werks, die die Rezeption des Autors bis heute erschwert, hat dem Autor die Tatsache geschadet, daß er ein unterhaltsamer Erzähler war, dessen Werke sich erfolgreich auf dem Markt behaupten konnten. Damit war in Deutschland das spätere Verdikt von Gundolf – „er fing an als Unterhaltungsschriftsteller niedrigen Niveaus [...] er hörte auf als Literaturgreis und Unterhaltungsschriftsteller hohen Niveaus“ – gleichsam vorprogrammiert. Es hat Tieck zum dubiosen Zivilisationsliteraten und gewissenlosen Konjunkturritter abgestempelt und dazu beigetragen, daß der Autor zu einer „zerstückelten Leiche im Koffer der Literaturgeschichte“ wurde, wie der französische Tieck-Forscher Robert Minder (1902-1980) zu Recht beklagte. Bis heute gibt es keine zuverlässige Edition oder auch nur wissenschaftlichen Ansprüchen genügenden Teilausgaben von Tiecks Werken, die gerade für eine sich kulturwissenschaftlich öffnende Germanistik eine Reihe von Überraschungen bereithalten könnten.

Erste Initiativen zur Rehabilitation des Autors kamen daher nicht zufällig aus dem Ausland: Edwin H. Zeydels Biographie Ludwig Tieck. The German Romanticist (1935) und Robert Minders Monographie Un poète romantique allemand. Ludwig Tieck (1936) setzten Maßstäbe, die von der deutschen Literaturwissenschaft erst mit großer Verspätung zur Kenntnis genommen wurden. Auch Marianne Thalmann, die nach 1945 aus dem amerikanischen Exil nach Europa zurückkehrte und sich unermüdlich für die Popularisierung von Tieck einsetzte, hatte noch mit den Vorurteilen zu kämpfen, die sich um Tieck bereits zu Lebzeiten gebildet und während des Faschismus weiter verfestigt hatten. Die von ihr herausgegebene vierbändige Tieck-Ausgabe (1963-1966) wurde jedoch zum Geheimtip für eine Generation jüngerer Wissenschaftler(innen), die nach 1968 den Anschluß an die internationale Forschung suchte.

Der hier vorgelegte Tagungsband, der auf ein Symposium anläßlich des 150. Todestages des Dichters zurückgeht, versteht sich als Teil, der sich seit den 60er Jahren in Ost- und Westdeutschland abzeichnenden Bemühungen, Tiecks Werke für die Gegenwart kritisch zu erschließen und für neuere wissenschaftlich Diskurse anschlußfähig zu machen. Er versammelt Beiträge renommierter Tieck-Forscher(innen) sowie älterer und jüngerer Literaturwissenschaftler(innen) und ist als Bestandsaufnahme gedacht, die den Blick auf eine neue Sicht auf Autor und Werk freigeben soll. Dabei legt der Band, dem als Motto die Aufforderung Tiecks „lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn! –“ (1)vorangestellt ist, ein ausdrückliches Gewicht auf das Erbe der Aufklärung, dem Tieck sich bis in die „realistische“ Prosa seines Spätwerks verpflichtet fühlte. Daß dieses Symposium in Berlin, der Stadt, in der Tieck nicht nur geboren und gestorben ist und mit der ihn eine lange, wechselvolle Geschichte verband, stattgefunden hat, versteht sich dabei ebenso als nachgetragene, längst überfällige Würdigung einer imponierenden Lebensleistung wie die Aufnahme des Tagungsbandes in die Publikationsreihe der Zeitschrift für Germanistik , in der die besonderen wissenschaftlichen Aktivitäten von Angehörigen des Instituts für deutsche Literatur dokumentiert werden.

Eine Publikation wie die vorliegende ist ohne die Unterstützung vieler Kolleg(inn)en und Institutionen nicht denkbar. Gedankt sei zunächst Heidrun Markert für die Organisation und Durchführung der Konferenz: Ludwig Tieck (1773-1853): Spannweite und Vielseitigkeit seines Schaffens (9.-11. April 2003) und der Stiftung Preußische Seehandlung, die diese Tagung großzügig finanzierte. Nur auf der Grundlage dieser wissenschaftlichen Veranstaltung wurde diese Publikation überhaupt erst möglich. Gedankt sei dem Verlag Peter Lang, Bern, für die Möglichkeit, ohne Druckkostenzuschüsse diesen Tieck-Sonderband zu verlegen; gedankt sei Christiane Caemmerer von der Staatsbibliothek Preußischer Kulturbesitz Berlin für die fachkundige Beratung und Vermittlung des Titelbildes; (2) dem Komponisten Fred Kallemein für den fachgerechten Noten-Satz der Tieckschen Lieder; (3)Uta Kabelitz für die Unterstützung bei der Herstellung des Registers, unseren Praktikanten Corinna Koch, Jan Steeger und Ingo Brokmann für die sorgfältigen Korrekturgänge und Brigitte Peters, die alle Arbeiten – wie immer – professonell koordinierte.

(1) "lasst uns, da es uns vergönnt ist, vernünftig seyn! –“. In: Die Wundersüchtigen. In: Ludwig Tieck's Schriften, Bd. XXIII, Berlin 1853, S. 294.

(2)Stahlstich. Gemalt 1834 von Carl Christian Vogel von Vogelstein (1786-1868). Gestochen von Lazarus Gottlieb Stichling (1812-1863). Veröffentlicht bei Breitkopf & Härtel, Leipzig o.J. Druck bei E.A. Brockhaus. Wir danken der Staatsbibliothek zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz – Handschriftenabteilung für die erteilte Abdruckgenehmigung des Porträts: Signatur: Portr. Slg/Lit. gr/Tieck, L.

(3) Vgl. den Beitrag von Walter Salmen.

 


 

Band 8 Vorwort



Band 08 - Kunst der Bewegung / Kinästhetische Wahrnehmung und Probehandeln in virtuellen Welten

 

Christina Lechtermann, Carsten Morsch

Nichts ist älter in der Natur als die Bewegung,
und über dieselbe gibt es weder wenig
noch geringe Schriften der Philosophen.
(Galilei, Discorsi)


EINFÜHRUNG

Bewegung bestimmt uns in einem weit höheren Maße als wir unsere Bewegungen bestimmen. Willkürlich geführt, als Teil eines Rituals oder einer Technik, als Form der Kommunikation oder als Ortsveränderung unterliegt sie beschreibbaren Regeln und erlernbaren Restriktionen. Zugleich jedoch werden wir bewegt, bewegt sich der Leib unwillkürlich, ohne daß es uns in jedem Fall wahrnehmbar wäre; schon Wahrnehmung selbst ist ja ohne Bewegung nicht denkbar.
       
Der Begriff der ‚Kinästhetik‘ setzt an dieser Stelle an und ermöglicht eine Fragestellung, die in besonderer Weise Wahrnehmung und Bewegung als Gemeinsames in den Blick nimmt. Abgeleitet von ‚Kinästhesie‘ (H. Ch. Bastian), der Fähigkeit also, die Position und Richtung von Körperteilen und ihren Bewegungen zu kontrollieren und zu steuern, bezeichnet er, eng gefaßt, die Lehre von den Bewegungssensationen, kann jedoch, umfassender, alle Formen der Körperempfindung meinen. Die wissenschaftliche Geschichte dieses Begriffes reicht zurück in die Psychologie und Physiologie des 19. Jahrhunderts. Versuche, den Bewegungsapparat bzw. die Muskeln und Gelenke nicht nur als motorisch, sondern auch als sensibel zu denken, beginnen bereits lange bevor diese Phänomene mit dem Begriff der ‚Kinästhesie‘ gefaßt werden. Lange als ‚Muskelsinn‘ diskutiert, wird damit ein Rezeptorensystem von Gelenken, Muskeln, Sehnen und dem zentralen Nervensystem bezeichnet, das die Lage der Körperglieder zueinander, die Position des Köpers im Raum sowie Richtung, Aktivität, Geschwindigkeit, Kraft und Widerstand in bezug auf koordinierte motorische Handlungsverläufe prüft. Es wurde damit ein ‚Nervenzirkel‘ gefunden, der sich zusammensetzt aus den Informationen der Rezeptorensysteme einerseits und der Kontrolle des Gehirns über den Verlauf der ausgeführten Bewegung andererseits.
       
Eine wichtige Differenzierung erfuhren die Überlegungen Bells, Bastians und anderer noch im 19. Jahrhundert durch Arbeiten von Müller, Helmholtz und Wundt. [1] Sie übertrugen unter dem Begriff der ‚motorischen Innervation‘ die Vorstellung von einem sensiblen Organ für motorische, propriozeptive, viszerale Informationen auf die zuständigen Regionen im Gehirn und im zentralen Nervensystem und eröffneten damit die Möglichkeit, auch diejenigen Bewegungsimpulse in den Blick zu nehmen, die gar nicht zur Ausführung gelangen, sondern als schwächere Erregungsmuster im Gehirn angelegt sind, ohne daß sie die Körperglieder je erreichen. Die motorischen Zentren selbst konnten nunmehr als sensibel gedacht werden in dem Sinne, daß etwa durch die Wahrnehmung der Bewegungen eines anderen nicht nur dieselben motorischen Erregungsmuster im Betrachter stimuliert würden, sondern daß dieser schwache Impuls ausreiche, um eine Bewegungswahrnehmung in ihm zu erzeugen. Die Psychologie entwickelte im Anschluß daran die Vorstellung vom Lernen durch ‚Einfühlung‘, die davon ausgeht, daß eben dieser spürbare motorische Mitvollzug fremder Bewegungen, ganz gleich ob sie tatsächlich wahrgenommen oder nur imaginiert werden, [2] unser Wissen vom anderen, von seinen Befindlichkeiten und Handlungen, aber auch soziales Rollenwissen überhaupt erst ermöglicht. [3] Heute kennt man die spezifischen Zellverbünde, die für diese Übertragung zuständig sind, als ‚Spiegelzellen‘. Es sind Neuronen, die schwach meßbare Nervenimpulse in der gleichen Muskulatur (und den gleichen Zellverbünden) erzeugen, wie sie im beobachteten Vorbild aktiv sind, das eine Handlung oder Bewegung ausführt. [4]
       
Kinästhetik ist vor diesem Hintergrund beschreibbar als die Lehre über eine bestimmte Sensation, einen Sinn, der den anderen zur Seite tritt und mitbestimmt, wie man seine Umwelt und sich in ihr wahrnimmt; und sie ist zugleich mehr als das, sie ist die Lehre davon, wie Wahrnehmungsroutinen überhaupt erst erlernt werden, indem ihr Nachvollzug am eigenen Körper darin einübt, wie man in einem bestimmten historischen Moment und in einer bestimmten Gemeinschaft den Dingen und dem Anderen begegnet.
       
An eben dieser Stelle jedoch ist die Leistung neurophysiologischer und neuropsychologischer Beschreibungen von Bewegung und Bewegungsempfindung notwendig begrenzt, denn das, was Bewegung in unserem Verhältnis zur Welt ausmacht, geht nicht auf in muskulären und neuronalen Prozessen. Als Phänomene bestimmen Bewegung und Bewegungswahrnehmung grundlegend unsere Art und Weise, von der Welt Besitz zu nehmen und sich ihr hinzugeben. Merleau-Ponty sieht in diesem Sinne in verschiedenen Bewegungsformen (z.B. Zeigen oder Greifen) Grundformen des leiblichen ‚Zur-Welt-Seins‘ realisiert. Sie sind damit konstitutiv für die Wahrnehmung insgesamt, die als ‚spüren‘ im doppelten Sinne von berühren und erleiden verstanden wird und die darüber hinaus immer zugleich ‚etwas‘ und ‚sich‘ spüren meint. Diese kommunikative Dimension der Bewegung durchzieht die phä-nomenologische Philosophie bis hin zu Gernot Böhmes Ästhetik der Atmosphäre. Schon in Husserls Entwürfen spielen in diesem Sinne die Begriffe des ‚Kinästhetischen Feldes‘ oder ‚Horizonts‘ bzw. der ‚kin-ästhetischen Motivation‘ eine entscheidende Rolle. [5]
       
Bewegung, inklusive ihre Wahrnehmung und Kontrolle, ist zugleich ein wichtiges Thema der historischen Anthropologie, wo sie beschreibt, wie sich Menschen in unterschiedlichen Gesellschaften ‚ihres Körpers bedienen‘. Vor diesem Fragehorizont sind Bewegung und Bewegungswahrnehmung als ‚Techniken des Körpers‘ mit der Geschichte der Instrumente und Kulturtechniken verbunden (Marcel Mauss), als ‚soziale Motorik‘ mit der Geschichte der Zivilisation und Affektkontrolle (Norbert Elias), als ‚Übung‘ und Disziplin mit der Geschichte der Macht (Michel Foucault) usw. [6] Daß Bewegung zugleich einen wichtigen Aspekt der Geschichte der Kommunikation darstellt, dokumentieren die ungezählten Analysen über Mimik sowie die Kulturgeschichten und Handbücher der Geste.
       
Doch nicht nur für die Untersuchung historischer Körperpraktiken ist die Bewegung zentral, sondern ebenfalls für eine Geschichte der Wahrnehmung selbst, die diese nicht als anthropologische Konstante versteht, sondern in ihrer Abhängigkeit von verschiedenen Kulturtechniken, Kommunikationsbedingungen, den medialen Gegebenheiten und in ihrer Relation zu kulturell je unterschiedlichen Vorstellungen über die Wahrnehmung. Gerade eine solche Historisierung von Wahrnehmung verdeutlicht nämlich, daß Wahrnehmung nicht – wie die Blickroutine des festgelegten Betrachterstandpunktes oder das cartesianische Paradigma der camera obscura es nahelegen – von Bewegung isoliert werden kann, sondern Wahrnehmung in Bewegung ist.
       
Für diejenigen Disziplinen, die sich ihrem Material vor dem größeren Horizont der Ästhetik nähern, wird Kinästhetik zunehmend relevant für die Frage danach, wie Bild und Text, Architektur und Mode, Ritual und Zeremonie usw. Sinn im Modus des Sinnlichen herstellen. Einem solchen Ansatz liegt die Überzeugung zugrunde, daß Sinn nicht – wie im Blick durch ein Fenster – in einem (störungsfreien) Jenseits der Sinne auffindbar vorliegt, daß er nicht durch ein geistiges Auge im Transparentwerden des Sinnlichen erfaßt, sondern darin allererst erzeugt wird. Das Sinnliche wird also, so Sybille Krämer, als performative Verkörperung des Sinns verstanden, die ihn nicht zur ‚Erscheinung bringt sondern vollzieht‘. [7]
       
Kinästhetik kann vor dieser Folie als Suchbegriff verstanden werden, der danach fragt, wie jemand durch Medien als Wahrnehmender, das heißt, als Hörender oder Lesender, als Sehender und (sich) Spürender in Bewegung versetzt werden kann – nicht zuletzt, um Bewegungsroutinen einzuüben oder zu irritieren; ein Suchbegriff, der erlaubt, auf mediale Strategien zu fokussieren, die kinästhetische Wahrnehmungserfahrungen an- und überbieten können.
       
Medien werden seit Beginn ihrer theoretischen Reflexion immer wieder als Möglichkeit beschrieben, die körperliche Reichweite ihrer Benutzer zu verlängern. Schließt man, wie zum Beispiel Marshall McLuhan oder Michel Serres, Fahrzeuge und vergleichbare Transportsysteme hier mit ein, so ist der Zusammenhang zwischen Medien und Bewegung unmittelbar evident. Doch er gilt auch dort, wo man von der grundlegenden Funktion von Medien ausgeht, Dinge wahrnehmbar zu machen (Krämer). Etwas wahrnehmbar machen bedeutet – denkt man Wahrnehmung im oben beschriebenen Sinne als dynamischen Prozeß – zugleich, Bewegung und Bewegungsempfindungen zu initiieren.
       
Schon vor dem Beginn der aktuellen Medientheorie befragte der Paragone der Künste in diesem Sinne Medien immer auch auf ihr Verhältnis zur Bewegung und differenzierte sie anhand ihrer Leistungen hinsichtlich der Darstellung und Initiierung von Bewegung. Lessings Laokoon gehört zu dieser Debatte ebenso wie Herders Aufsatz zur Plastik, Schillers Brief über Drama und Epos oder Balász Arbeiten zu Bild und Film. Diese Reihe, die keinen Anspruch auf Vollständigkeit haben kann, wird verlängert in der Auseinandersetzung über das Interaktionsangebot, das gerade die neuesten Medien zur Verfügung stellen. Eine solche Differenzierung, die Medien nach ihren Darstellungsinhalten und Rezeptionsweisen spezifischen Sinnen zuordnet und zugleich ihrer Fähigkeit nach unterscheidet, Bewegung wahrnehmbar zu machen, schließt nicht nur die Medien selbst monadisch gegeneinander ab, sondern isoliert sie auch von ihren Benutzern und Rezipienten in der Hinsicht, daß nur der einzelne Sinnesreiz, also Klang, Licht, Druck- und Bewegungsempfindung, der durch einen bestimmten Inhalt oder eine bestimmte Rezeptionsform vermittelt wird, in den Blick gerät. Die Momente, in denen Medien Synthesen eingehen, in denen ihre Darstellungs- und Rezeptionsweisen durch symbiotische Verhältnisse bestimmt werden, bleiben auf diese Weise ebenso notwendig ausgeblendet wie die Leistungen der Imagination und des Gedächtnisses ihrer Benutzer, wie die (Körper-) Praktiken, die den Umgang mit ihnen regulieren, und die Wunschkonstellationen, die sie umgeben.
       
Für eine Geschichte der Medien, die nicht vor allem an Massenmedien orientiert und auf die technischen Aspekte von Medialität reduziert ist und auch mittelalterliche Medienformationen in den Blick nehmen will, greift dies zu kurz. Wo Texte zusammen mit Bild und Aufführung erst zum Werk werden, wo Bilder ebenso wie Texte und Aufführungen zugleich einen Auftrag an die Imaginatio und Memoria ihrer Benutzer beinhalten, wo Bücher zur Diäthetik gehören und Bilder ihren Betrachtern entgegenkommen, um sie zu umarmen, stellt das Material selbst die Leistungen solcher Theorien in Frage, die nicht grundsätzlich mit Intermedialität, transmedialen Darstellungsstrategien und transkriptiven Verfahren rechnen. [8]
       
Darum versuchen wir, Kinästhetik als transmediales Phänomen zu verstehen, als eine grundlegende Fähigkeit von Medien, Bewegung wahrnehmbar zu machen und zwar als Darstellungsinhalt und Erfahrungs-angebot zugleich. Medien unterscheiden sich dann nicht durch das, was sie wahrnehmbar machen können, sondern hinsichtlich der Frage, wie, in welchen (medialen) Allianzen, im Kontext welcher Praktiken ihres Gebrauchs und mittels welcher Darstellungsstrategien sie Dinge wahrnehmbar machen: d.h. ob sie, wie etwa ein Fresko, der tatsächlichen Körperbewegung bedürfen, um überhaupt rezipiert zu werden, ob und wie sie mit der Imagination ihrer Rezipienten zusammenarbeiten, um Bewegungswahrnehmungen zu evozieren, ob ihre Rezeption in ein Ritual oder Fest eingebunden ist oder bestimmten Handlungsanweisungen oder Vorannahmen folgt. So gerät in den Blick, wie Medien Bewegungswahrnehmungen anbieten und wie diese andererseits aktualisiert werden. Um dieses je spezifische Zusammenspiel von Begegnungsangeboten und den damit eingeforderten Antwortbewegungen beschreibbar zu machen, das der doppelten Bestimmung von Wahrnehmung als Handeln und Erleiden korrespondiert, haben wir dem Titel des vorliegenden Bandes die Wendung auf die ‚virtuellen Welten‘ eingeschrieben.
       
Die neue Aufmerksamkeit für ‚virtuelle Realitäten‘ in der sog. Medien- und Informationsgesellschaft hat dazu geführt, daß der Begriff des Virtuellen konzeptuell immer einseitiger an den Computer als Ort und Medium einer technischen Wirklichkeitskonstruktion rückgebunden und dadurch – vor allem im alltäglichen Sprachgebrauch – ein Gegensatz zwischen Virtualität und Wirklichkeit aufgebaut wurde. Etymologisch dagegen reicht der Begriff auf lat. virtus zurück, also auf ‚Tugend‘, ‚Kraft‘ und ‚Vermögen‘. Im Mittellateinischen bezeichnet virtualis das, ‚was nachAnlage oder Vermögen der Möglichkeit nach vorhanden ist‘, also: ‚mögliche Wirklichkeit‘ oder, vielleicht genauer, ‚mögliche Möglichkeit‘. Virtuell ist also etwas, das möglich, aber (noch) nicht aktualisiert ist. Das Virtuelle steht nicht dem Wirklichen, sondern dem Aktuellen gegenüber. Virtuelle Welten sind Angebote, Wahrnehmungswelten im Status der Latenz, Möglichkeiten, die nicht notwendigerweise eintreten, d.h. sich aktualisieren müssen.
       
Virtualität hat nichts mit Simulation zu tun, sie behauptet keine Wirklichkeit, hat keinen Anspruch auf Referentialität. Von der Fiktion unterscheidet sie sich dabei durch das wesentliche Merkmal, daß der Beobachter hier nicht ausgeschlossen oder auf einen bestimmten Punkt festgelegt von außen Einblick in eine fertige Welt nimmt, sondern selbst produktiv am Entstehen virtueller Welten beteiligt ist, sie durch seinen Respons verändert und überhaupt erst vollendet. [9] Elena Esposito verwies in diesem Zusammenhang darauf, daß ‚virtuell‘ sich in der Optik auf die im Spiegel reflektierten Bilder bezieht, und daß virtuelle Welten, wie Spiegel, nicht eine ‚alternative Realität repräsentieren‘, sondern eine ‚reale Realität präsentieren‘, die die Möglichkeiten der Wahrnehmung erweitert und es erlaubt, den Blickwinkel auf die Wahrnehmung selbst zu verschieben. „Der Benutzer virtueller Wirklichkeit“ müsse entsprechend „wissen, daß die Realität, mit der er zu tun hat, von seinen Interventionen abhängig ist und nicht autonom existiert. Er wird dann dazu geführt, über seine aktive Rolle bei der Strukturierung seiner Bezugsrealität zu reflektieren“. [10]
       
Dem korrespondiert der in der Vormoderne gängige Topos, daß nicht nur am vorbildhaften Gegenüber oder an der blendenden Schönheit der Minnedame der immersive Blick des Betrachters reflexiv auf ihn selbst zurückgeworfen wird, sondern daß auch Texte ‚Spiegel‘ sind, die diese Erweiterung der Wahrnehmung, diese Verschiebung des Blickpunktes leisten können. [11] Sie ermöglichen es, sich im Umgang mit ihnen, im Prozeß der Aktualisierung der Wahrnehmungsmöglichkeiten, die sie anbieten, ebenso zu verändern, wie man im Beobachten und Nachahmen der Gesten, Worte und Haltungen des besten Ritters am Hof zugleich ein anderer wird und seine Umgebung mit prägt. Abstrakter: Der Text, indem er zurückzublicken scheint, macht wahrnehmbar, was durch seine narrativen Strategien induziert und vom Leser/Hörer aktualisiert worden ist: Bewegungen, die im Bereich des Imaginären und Affektiven spürbar bleiben und dort wirklich und wahrnehmbar sind, als Muskelimpuls, als Tonusveränderung des Körpers, als Erregung. Und ebenso wird das Bild erst vollständig, sobald der Betrachter, durch den Blick einer Assistenzfigur oder ein deiktisches Element dazu aufgefordert, seiner eigenen körperlichen Reaktion gewahr und damit selbst zum Teil des Bildes wird, der Heilsgeschichte, die es erzählt, dem Passionstheater, das es aufführt, oder der Choreographie des Begehrens, die es inszeniert.
       
Die Frage nach der Virtualität von Medien zielt auf die Verfahren ab, durch die sie Interaktionsangebote aus dem Hier und Jetzt lösen und in Bereiche der Latenz transponieren, die ebenso die Erfahrung distanzierter Beobachtung ermöglichen, wie das Erlebnis aufgeschobenen Begehrens. Das Angebot kinästhetischer Wahrnehmungserfahrungen gehört, so denken wir, zentral zu ihnen: Wie sie gestaltet sein können, durch welche Praktiken und Vorstellungen vom Körper sie je geprägt sind, welche Strategien Medien etablieren, um sie zu indizieren und induzieren, und in welchen Diskursen die Bedingung ihrer Möglichkeit diskutiert wird, gehört zu den Fragen, die durch die Beiträge in diesem Band auf vielfältige Weise gestellt und beantwortet worden sind.
       
Im vorliegenden Band treten Kulturwissenschaft, Medientheorie, Kunst- und Literaturwissenschaft, Linguistik und Philosophie ins Gespräch. Dies geht zurück auf eine Arbeitstagung, die wir im November 2002 an der Humboldt-Universität zu Berlin durchgeführt haben. Die vielfältigen Verknüpfungen, die sich dabei ergeben, kann ein Buch ohnehin nur bedingt wiedergeben. Wir sind der Tatsache, daß man die Beiträger(innen) hier überdies nicht im Kreis, sondern nur im Nacheinander anordnen kann, notgedrungen so begegnet, daß wir eine vor allem materialorientierte und inhaltlich gruppierende Reihung durchgesetzt haben. Wenn wir abschließend nun wenigstens einen alternativen Lektüreweg vorschlagen, soll dies über die Kurzvorstellung der Beiträge hinaus die Aufforderung dazu sein, auch andere Navigationsmöglichkeiten zu aktualisieren. Bewegung ermöglicht – eben auch in diesem Sinne – wirklich Interdisziplinarität.
       
Einen Schwerpunkt freilich hat der Band in der Germanistischen Mediävistik, von deren Materialien her Kinästhetik und Virtualität für uns als Tagungsorganisatoren und Herausgeber erst relevant geworden sind. Ein großer Teil der Beiträge knüpft hier an und fragt danach, wie Texte oder Text-Bild-Verbände ihre Benutzer zum Eintritt in virtuelle Welten einladen oder über diese Möglichkeit reflektieren. Ihnen gemeinsam ist, daß sie Sprache nicht als vom Körper isoliert verstehen, sondern sie als audiovisuelles Dispositiv [12] auffassen, ihr also die Fähigkeit zuschreiben, die Sinne in Bewegung zu bringen.
       
Haiko Wandhoff demonstriert am Beispiel des Palästinalieds Walthers von der Vogelweide, wie mittelalterliche Texte in diesem Sinne ‚fingieren‘, also eine historisch sehr spezifische Form von Bildern schaffen und damit auch Räume entstehen lassen können, die ein imaginäres Eintreten provozieren, in dem sie – als Imitatio Christi, auf dessen Fußspuren im Heiligen Land – Eine Pilgerreise im virtuellen Raum anbieten. Dem Rezipienten werden dabei nicht nur Verkörperungsangebote über das Rollen-Ich eröffnet, der Reiseweg kann auch je nach Festlegung der Strophenfolgen variieren, also interaktiv mitbestimmt werden.
       
Der Beitrag von Gisela Fehrmann und Ludwig Jäger Sprachbewegung und Raumerinnerung bildet für solche Fragen eine wichtige Fundierung, indem er eine Analyse Zur topographischen Medialität der Gebärdensprache mit den paläoanthropologischen und neurowissenschaftlichen Befunden verbindet, daß Sprache sich nicht in erster Linie der Vokalisationsfähigkeit, sondern dem gestischen Vermögen verdankt. So kann die These untermauert werden, daß die kognitive Architektur des Menschen durch raumbezogene Strategien der Gebärdensprache geprägt sei und sich von hier aus Modelle, wie etwa die räumliche Strukturierung von Gedächtnisinhalten, auch anthropologisch erläutern lassen.
       
Wie die visuellen und räumlichen Aspekte von Sprache in historisch unterschiedlichen Momenten als Auftrag an die Benutzer von Texten formuliert sein können, fragt der Beitrag von Jörg Jochen Berns Inneres Theater und Mnemonik in Antike und früher Neuzeit. Er verfolgt das christliche Modell eines Inneren- bzw. Seelen-Theaters von Tertullian über Cassiodor und Ignatius von Loyola bis hin zu Friedrich Spee, in dem sich inneres Sehen und die memoria (auch zukünftigen Geschehens) mit der Selbstrepräsentation des Imaginierenden verbinden, der so nicht nur Zuschauer, sondern auch Akteur auf einer inneren Bühne ist. Deutlich wird so das Konzept einer selbstbewegten und bewegenden Imagination auf der Basis von Sprache, deren Spannweite vom tableau vivant bis zum furiosen Spektakel reichen kann.
       
Auf welche Weise mittelalterliche höfische Texte im Zusammenspiel mit ihren Illustrationen die Aufforderung zur Interaktion als Angebot formulieren, untersucht der Beitrag von Horst Wenzel wan die vrumen liute sint/ unde suln sin spigel dem chint. Zum Verhältnis von Zeigen und Wahrnehmen im Welschen Gast des Thomasin von Zerclaere. Er fragt danach, wie die räumlich-visuelle Dimension von Sprache gesichert und verstärkt werden kann, um das Zeigen im Raum der Kopräsenz, das den höfischen Körperpraktiken des Lernens am Vorbild zugrunde liegt, im Ikonotext der Handschrift neu zu entwerfen. Aus dem Material heraus wird im Hinblick auf deiktische Prozeduren so ein ebenso historisch spezifisches wie medienanthropologisch grundlegendes Zusammenwirken von Appellstruktur und Imagination faßbar – hier als Belehrung durch Teilhabe und Distanz im Wechselspiel von Text und Bild.
       
Eine andere räumlich-visuelle Strategie körperlicher Adressierung stellt Nadia Ghattas vor. Unter der Überschrift Polyfokalität des Textes: Kinästhetische Aspekte im Yvain und Iwein zeigt sie, im Vergleich des Hartmannschen Romans mit der Vorlage von Chrétien de Troyes, wie narrative Visualisierungsstrategien und versrhythmische Dynamik in ein Spannungsverhältnis treten können, das Bewegung mediatisiert und Bewegungswahrnehmungen ermöglichen soll, gerade dort, wo schriftlich konzipierte und mündlich aktualisierte Sprache zusammentreten. Der Beitrag tritt damit älteren Forschungsmeinungen entgegen, die behaupten, die mittelhochdeutsche Fassung des Stoffes gäbe zugunsten einer Idealisierung des Helden die Lebendigkeit ihrer Quelle preis.
       
Eine sehr wichtige theoretische Ergänzung und Bestätigung solcher Ansätze bietet für uns der sprachphilosophische Entwurf Sybille Krämers, der Sprache konsequent als ‚verkörperte Sprache‘ auffaßt. Mit ihren Thesen Zur Kinästhesie der verkörperten Sprache problematisiert sie eine intellektualistische Sprachauffassung, wie de Saussure u.a. sie formulierten, und konfrontiert sie mit den Positionen Colin Samples, Henri Meschonnics, Brian Rotmans und Friedrich Nietzsches, die die Signifikanz mimetischer Bedeutung, die Modalität des Rhythmus und die gestischen, ikonischen und prosodischen Aspekte von Sprache betonen. Solche Konzepte der ‚Verschwisterung von Sprachgebrauch und Körperlichkeit‘ ermöglichen es, danach zu fragen, wie Aspekte verkörperter Sprache in unterschiedlichen Medien realisiert werden können.
       
Durchaus analog dazu befragen alle literaturwissenschaftlichen Beiträge des Bandes ihr Material daraufhin, wie auch die verschriftete Sprache einer zeitlich und räumlich zerdehnten Kommunikationssituation die Körperlichkeit der face-to-face Situation im Medium herstellt oder eben diesen Moment problematisiert.

Im Beitrag von Carsten Morsch Bewegte Betrachter. Kinästhetische Erfahrung im Schauraum mittelalterlicher Texte wird dies relevant, wenn er versucht, die grundlegende Parallelität von Wahrnehmung und Lektüre als Bewegung und Begegnung in mittelalterlichen Texturen aufzuweisen. Gerade im Aufbau und Bruch von Wahrnehmungsroutinen scheinen dabei transmediale Strategien darauf hinzuarbeiten, daß dem Rezipienten etwas entgegentritt, ihm den Blick auf seine eigene Wahrnehmung gestattet und ihn so im umfassenden Sinne in das Dargestellte verwickelt.
       
Eine durch die Erfahrung der Teilhabe initiierte Blickwende des Rezipienten auf die eigene Wahrnehmung thematisiert, unter umgekehrten Vorzeichen, Hildegard Kellers Beitrag Vom Kampf gegen einen Unsichtbaren. Er exploriert im Dreischritt Freie Wildbahn – höfisches Epos – mittelalterliches Rechtsritual Erzählen als ‚Kunst der Unterscheidung‘, die Bewegungen im Modus der Blindheit für den Leser/Hörer zum ‚Ereignis-Eräugnis‘ werden läßt, ihn in den Betrachterkreis der Erzählung aufnimmt, ihm jedoch zugleich seine privilegierte Position, seine Möglichkeit zu ‚reflektierbarem Vergnügen‘ am Dargestellten vermittelt. Der Iwein Hartmanns von Aue, der dies am weitesten vorantreibt, steht hier im Zentrum.
       
Dem antwortet der Beitrag Schmerz und Imagination von Christina Lechtermann. Auf der Basis mittelalterlicher Vorstellungen von dolor und tristitia diskutiert er narrative Strategien der Präsenz. Dabei gerät in den Blick, wie die Wahrnehmung von Schmerz und seinen Bewegungsexzessen nicht nur im Raum der Kopräsenz, sondern auch in der imaginativen Aktualisierung von Texten als eine Form leiblichen (sich) Spürens beschreibbar werden kann, in der die mediale Differenz kollabiert.
       
In engem Dialog zu diesen Aufsätzen steht der Beitrag von Stephan Müller Als die Bilder laufen lernten, der nach der Effektivität von Medien als Möglichkeiten der Beobachtung von Bewegung fragt. Indem er die Erzählung vom Untergang der Heruler bei Paulus Diaconus mit einem Beispiel medialer Selbstreflexivität der jüngsten TV-Geschichte konfrontiert, stellt er die Frage nach dem prekären Status und der Diskussion Über die Möglichkeit literarischer Rede im Mittelalter und verweist darauf, daß das Bewußtsein der Differenz, das für unser Verhältnis zu Medien konstitutiv scheint, ins Wanken gebracht werden kann und historisch immer neu ausgehandelt werden muß.
       
Daß die hier diskutierten Beispiele im Kontext einer seit der Antike andauernden Debatte über das Verhältnis von Bewegung und Medien stehen, zeigt Peter Matussek und verdeutlicht dabei, daß es nicht notwendig ‚bewegte Bilder‘ sein müssen, die bewegen. In einem Durchgang durch Animationstechniken im historischen Vergleich setzt er am Beispiel des Pygmalion-Mythos Bewegte und bewegende Bilder in ein Spannungsverhältnis zueinander und konfrontiert sie mit den jeweiligen, historisch unterschiedlichen Konzepten von Bewegtheit.
       
Wie neuere und neueste Medien, wie Texte und Text-Bild-Verbünde, so formulieren auch Bilder, Bildnisse und Architekturen im Zusammenspiel mit anderen Medien und im Hinblick auf die Rezeptionsroutinen ihrer Benutzer die Aufforderung zur Interaktion. Wie erstere legen sie Möglichkeiten der Aktualisierung an, die erst im Umgang mit ihnen vollzogen und verwirklicht werden. Dementsprechend korrespondieren in diesem Band den bereits vorgestellten Beiträgen solche, die auf die Narrativik der Bilder und die Konstitution von Räumen als Zusammenspiel von Erzählung und Bewegung fokussieren.
       
Unmittelbar anschlußfähig an die Historisierung von Bewegung und Bewegtheit durch Peter Matussek ist in dieser Hinsicht der Beitrag von Thomas Rahn Der Wandel von der Bewegungssuggestion zur Schauplatzdominanz . Er zeigt anhand von Turnierdarstellungen der frühen Neuzeit, wie sich der Fokus druckgraphischer Kampfszenen vom Turniergeschehen auf die es umgebende herrscherliche Architektur verschiebt und wie damit bildliche Strategien der Darstellung von Bewegung, die auf eine imaginative Vervollständigung durch den Betrachter abzielen, sowie die Dynamisierung des Betrachterblicks selbst langfristig durch eine Bildtopik fürstlichen ‚Überblicks und fürstlicher Überpräsenz‘ abgelöst werden, in der jede Bewegung herrscherlicher Kontrolle unterliegt und ihre Darstellung zu einem Dispositiv der Macht wird.
       
Komplementär dazu zeigt Sarah Romeykes Analyse des Tristanteppichs I von Wienhausen Bildern folgen und zwischen den Zeilen lesen, inwieweit unterschiedlichen Rezeptionsmodi des großdimensionierten Textils auch unterschiedliche Lesarten korrespondieren können. Während sich einem bewegten Betrachter des Teppichs sukzessive eine Fassung des Tristanstoffes eröffnet, die allerdings keiner der bekannten Textfassungen präzise entspricht, werden für den stillgestellten Blick, der den Teppich als ganzes erfaßt bzw. die nahegelegte Leserichtung aufgibt, Strukturen sichtbar, die Szenen in den Mittelpunkt rücken, deren Ikonographie in den Bereich der (Frauen-)Mystik weist. Je nach Rezeptionsbewegung treten so einerseits die höfisch-weltlichen, andererseits die mystisch-geistlichen Aspekte des Stoffes hervor und gewährleisten eine doppelte Lesbarkeit des Bildprogramms.
       
Daß die Kunstgeschichte nicht nur mit Überlagerungen, sondern auch mit unterschiedlichen, immer neuen Aktualisierungen von Wahrnehmungsräumen rechnen muß, entwickelt der Beitrag von Christof L. Diedrichs an der Wahrnehmung des mittelalterlichen Kirchenraums. Er zeigt, in welcher Weise die verschiedenen Orte einer Kirche oder Kathedrale sowohl durch eine – im Sinne des liturgischen Jahres – zeitliche, wie auch durch eine räumliche Folie überlagert und zugleich durch die Erfahrungen des Gemeindemitglieds, etwa bei der Beichte an der Kirchentür, der Taufe oder der Buße, aufgeladen werden. Die Belegung des architekturalen Orts durch symbolische und institutionell sanktionierte Zeichen einerseits und andererseits durch affektgeladene, personale Erlebnisse der Kirchenbesucher wird in ihrer Gesamtheit, auch im Sinne Gernot Böhmes, als Atmosphäre gefaßt, die Raum erst herstellt.
     
Im Rahmen der Tagung demonstrierte uns Robert Felfes Beitrag Blicke in die Vergangenheit – Naturgeschichte zu Fuß die kinästhetische Wahrnehmung in musealen Räumen im Museum für Naturkunde zu Berlin, sein Essay hier führt uns durch eine Reihe bildlicher Repräsentationen solcher Erfahrungsräume. In einem Durchgang durch historisch unterschiedliche Inszenierungsformen des Wissens wird der Zusammenhang zwischen den Bewegungsformen der Besucher im Raum und ihren jeweiligen Körperpraktiken im Umgang mit den Exponaten sichtbar. Bewegung, Sehen und (Be-)Greifen konstituierten den interaktiven Charakter frühneuzeitlicher Wissensräume; dem korrespondiert hier die Darstellungsform des Bildessays, der Bewegung und taktile Manipulation von seinen Benutzern einfordert.
       
Der vorliegende Band und die ihm zugrunde liegende Tagung wurden ermöglicht durch die finanzielle Förderung der Deutschen Forschungsgemeinschaft im Rahmen des Sonderforschungsbereiches 447 Kulturen des Performativen. ‚Performative Turns‘ im Mittelalter, in der frühen Neuzeit und in der Moderne. Für ihre Unterstützung zu danken haben wir in diesem Zusammenhang auch dessen Sprecherin, Erika Fischer-Lichte, den Geschäftsführern, Gertrud Lehnert und Jens Roselt, und insbesondere dem überragenden Sekretariat von Sabine Lange. Es ist uns ein Bedürfnis, an dieser Stelle auch nochmals denen zu danken, die in der Vorbereitung und Durchführung der Arbeitstagung geholfen haben, eine ebenso intensive wie herzliche Atmosphäre und den nachfolgenden Überlegungen einen Raum zu schaffen – herzlichen Dank: für Unterkunft und Gastfreundschaft dem Hermann von Helmholtz-Zentrum für Kulturtechnik, seinem geschäftsführenden Direktor Jochen Brüning, der Geschäftsleitung von Cornelia Weber und vor allem dem Sekretariat von Ulrike Stief; für den nächtlichen Gang der Tagung durch Saurierskelette und Dioramen dem Museum für Naturkunde zu Berlin; für die Gestaltung unserer Homepage Wiebke Elbe; für moralische und tatkräftige Unterstützung Jürgen Fröhlich und Veronika Roller; für materielle Stützen auch dem Walter de Gruyter Verlag, insbesondere Heiko Hartmann, dem Böhlau Verlag und José; für die vielfältige Hilfe bei der Tagungsdurchführung unseren Kollegen am ‚Lehrstuhl Wenzel‘, Almuth Meissner, Julia Plappert, Urte Scheunemann, Jörn Münkner und Moritz Wedell; für intellektuelle Navigationshilfen den Sektionsleiterinnen, Eva Cescutti (IFK Wien) und Edith Wenzel (RWTH Aachen), und allen Teilnehmerinnen und Teilnehmern der Tagung.
       
Den Herausgebern der Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik danken wir für ihr Vertrauen dem wissenschaftlichen Nachwuchs gegenüber, ebenso wie dem Verlag Peter Lang (Bern), der diesen Band ohne Druckkostenzuschuß angenommen hat; allen voran aber Brigitte Peters, die diese Publikation mit einer ermutigenden Herzlichkeit, mit ihrer kreativen Professionalität und wunderbaren Geduld aufgenommen und realisiert hat. Alle orthographischen und formalen Fehler gehen unmittelbar auf die Herausgeber zurück, denn wir hatten mit Astrid Heuer, Kathrin Kiesele, Silke Mestern, Julia Plappert, Nicola Hauck und Jörn Brüggemann Lektoren an der Seite, die man jedem Verlag nur wünschen kann.

Alles, was gelungen ist, ist vor allen Horst Wenzel zu verdanken.

 

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[1] H. Charlton Bastian: The muscular sense. In: Brain 10 (1887), S. 1-88; 119-137; ders.: On the muscular sense and the physiology of thinking. In: British Medical Journal (1869), S. 394-396 und 437-439; Charles Bell: On the nervous circle which connects the voluntary muscles with the brain. In: Philosophical Transactions of the Royal Society of London 116 (1826), S. 163-173; Johannes Müller: Handbuch der Physiologie des Menschen. Coblenz 1837, 2, S. 500ff.; Willhelm Wundt: Lehrbuch der Physiologie des Menschen, 4. Aufl. Erlangen 1878, S. 600ff.

[2] William B. Carpenter: Principles of Mental Physiology. London 1879, S. 187. Als Carpenter-Effekt bekannt ist v.a. das sog. ideomotorische Gesetz.

[3] Theodor Lipps: Das Wissen von fremden Ichen. In: Psychologische Untersuchungen, Bd. 1. Leipzig 1907, S. 694 -722; George Herbert Mead: Mind, Self and Society. Chicago 1934; Jacob L. Moreno: Die Grundlagen der Soziometrie. Wege zur Neuordnung der Gesellschaft. Köln, Opladen 1954.

[4] Vgl. Michael A. Arbib und Giacomo Rizzolatti: »Neuronal Expectations: A Possible Evolutionary Path from Manual Skills to Language«. In: Communication and Cognition 29 (1997), S. 393-424. Vgl. auch den Beitrag von Gisela Fehrmann und Ludwig Jaeger in diesem Band.

[5] Maurice Merleau-Ponty: Phänomenologie der Wahrnehmung. Berlin 1966 (franz. 1945); Gernot Böhme: Atmosphäre. Essays zur neuen Ästhetik. Frankfurt am Main 1995; Dieter Mersch: Aisthetik und Responsivität. Zum Verhältnis von medialer und amedialer Wahrnehmung. In: Wahrnehmung und Medialität, hrsg. v. Erika Fischer-Lichte, Christian Horn, Sandra Umathum, Matthias Warstat. Tübingen, Basel 2001, S. 273-299; Edmund Husserl: Gesammelte Werke. Husserliana, Bd. XI. Den Haag 1966, S. 3-24; Bd. XVI. Den Haag 1973, S. 97ff.

[6] Marcel Mauss: Die Techniken des Körpers. In: ders.: Soziologie und Anthropologie, Bd. 2. Frankfurt am Main 1978, S. 199-222; Norbert Elias: Über den Prozeß der Zivilisation. Soziogenetische und psychogenetische Untersuchungen. 2. Auflage Bern 1969; Michel Foucault: Überwachen und Strafen. Die Geburt des Gefängnisses. Frankfurt am Main 1976.

[7] Sybille Krämer: ‚Performativität‘ und ‚Verkörperung‘. Über zwei Leitideen für eine Reflexion der Medien. In: Medien 3. Neue Vorträge zur Medienkultur, hrsg. v. Claus Pias. Weimar 2000, S. 185-201; dies.: Sinnlichkeit, Denken, Medien: Von der „Sinnlichkeit als Erkenntnis“ zur „Sinnlichkeit als Performanz“. In: Der Sinn der Sinne, hrsg. v. Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland (Schriftenreihe Forum, Bd. 8). Göttingen 1998, S. 24-39; zur ‚leibphilosophischen Wende‘ in der Ästhetik s. grundlegend: Hartmut Böhme: Einführung in die Ästhetik. In: Paragrana Bd. 4 (1995) H. 32, S. 240–254; Erika Fischer-Lichte: Für eine Ästhetik des Performativen. In: Kultur-Analysen. Interventionen 10, hrsg. v. Jörg Huber. Zürich, Wien, New York 2001, S. 21-43.

[8] Wolfgang Müller-Funk, Hans Ulrich Reck (Hg.): Inszenierte Imagination: Beiträge zu einer historischen Anthropologie der Medien. Wien, New York 1996; Jens Schröter: Intermedialität. Facetten und Probleme eines aktuellen medienwissenschaftlichen Begriffs. In: montage/av 7 (1998) 2, S. 129-154; zum Begriff der ‚Wunschkonstellation‘ s. Hartmut Winkler: Docuverse. Zur Medientheorie der Computer. Regensburg 1997; zu dem der ‚Transkription‘ s. Ludwig Jäger: Transkriptivität. Zur medialen Logik der kulturellen Semantik. In: Transkribieren. Medien/Lektüre, hrsg. von Ludwig Jäger, Georg Stanitzek. München 2002, 19-41.

[9] Wir folgen in dieser Definition Elena Esposito: Fiktion und Virtualität. In: Medien, Computer, Realität. Wirklichkeitsvorstellungen und neue Medien, hrsg. von Sybille Krämer. Frankfurt am Main 1998, S. 269-296; dies: Die Wahrnehmung der Virtualität. Perzeptionsaspekte der interaktiven Kommunikation. In: Schnittstelle. Medien und Kulturwissenschaften, hrsg. v. Georg Stanitzek, Wilhelm Voßkamp. Köln 2001, S. 116-131.

[10] Esposito 1998 (wie Anm. 9), S. 288. – Ganz ähnlich entwickelt diesen Zusammenhang Sybille Krämer: Zentralperspektive, Kalkül, Virtuelle Realität. Sieben Thesen über die Weltbildimplikationen symbolischer Formen. In: Medien – Welten – Wirklichkeiten, hrsg. v. G. Vattimo, W. Welsch. München 1998, S. 27-37, S. 32f.: These 5: „Computer als Medium: ein interaktiver Spiegel symbolischer Welten“ – „Virtuelle Realitäten sind eine Technik, interaktive Spiegelungen symbolischer Welten möglich zu machen.“

[11] Vgl. zu den historischen Veränderungen im Verhältnis von Wahrnehmung und Kommunikation unter der Perspektive der Virtualität auch Elena Esposito 2001 (wie Anm. 9). Esposito betont, daß ein solches Modell der Lektüre auch kompatibel sei „mit der Vorstellung von einem ‚expansiven Text‘, der [...] die Interventionen der Leser“ akzeptiere, und verweist dafür auf Mary J. Carruthers: The Book of Memory, Meditation, Rhetoric and the Making of Images 400-1200. Cambridge 1990, S. 214. Vgl. Esposito 1998 (wie Anm. 9), S. 288. – Zur Differenzierung der Verhältnisse von Vor- und Postmoderne ebd., S. 289: „Der mittelalterliche Leser konnte sich im Text ‚spiegeln‘, weil er kein Bedürfnis spürte, seine Perspektive von der im Text ausgedrückten Perspektive zu unterscheiden. Der ‚Hyperleser‘ benutzt die Kommunikation nicht, um sich mit einer äußeren Perspektive auseinanderzusetzen, sondern um seine eigene Beobachtungsfähigkeit anzureichern und komplexer zu machen.“

[12] Vgl. Ludwig Jäger: Sprache als Medium. Über die Sprache als audio-visuelles Dispositiv des Medialen. In: Audiovisualität vor und nach Gutenberg. Zur Kulturgeschichte der medialen Umbrüche, hrsg. v. Horst Wenzel, Wilfried Seipel, Gottart Wunberg. Wien 2001, S. 19-42.

 

 


 

Band 7 Vorwort


 

Band 07- "Die Wunde Lenz". J.M.R. Lenz. Leben, Werk und Rezeption


EINLEITUNG

„Es ist wahr und wird bleiben, mögen auch Jahrhunderte über meinen armen Schädel verachtungsvoll hinwegschreiten“, schreibt Jakob Michael Reinhold Lenz an Herder anläßlich der Übersendung seines Dramas Die Soldaten. [1] In dieser Formulierung stecken die Erfahrung des Autors, im literarischen Feld der eigenen Zeit nicht wirklich anerkannt zu sein, und zugleich das trotzige Aufbegehren dagegen, welches zu der Selbststilisierung als ein Genie führt, dessen Wert darin liegt, erst in ferner Zukunft verstanden zu werden. Bekanntlich ist Lenz’ umfangreiches Werk in der Forschung lange vernachlässigt worden. Dies betrifft nicht nur die abwertenden Urteile über Autor und Werk, sondern vor allem auch die unzulängliche Edition des Werkes. Es gibt keine historisch-kritische Ausgabe; wichtige Teile des Werkes sind nicht oder unzulänglich in Leseausgaben ediert; bei nicht allen Texten, die als von Lenz ausgegeben werden, ist seine Autorschaft sicher.

Inzwischen hat sich die Forschung zu dem Sturm-und-Drang-Autor Jakob Michael Reinhold Lenz enorm verbreitert. Offensichtlich ist sein Werk ein Forschungsgegenstand, über den es sich lohnt zu arbeiten. Mit z. T. unterschiedlichen Begründungen ist in Lenz’ Texten eine Modernität erkannt worden, die ihn aus seinem Umfeld heraushebt, wenngleich die historische Intertextualität und die Einbindung in zeitgenössische Diskurse ein wichtiger Forschungsgegenstand bleiben. Neben Studien zu einzelnen Werken und Erweiterungen des übergreifenden Lenz-Bildes sind verstärkt bisher unbekannte oder unveröffentlichte Texte dieses Autors publiziert worden. Ferner gibt es erste ernsthafte Bemühungen um eine historisch-kritische Edition von Einzeltexten, Werkteilen bzw. des Gesamtwerkes. [2]

Philologisch und editorisch korrekte Texte und gegebenenfalls auch die Präsentation der Werkgenese sind bekanntlich unabdingbare Voraussetzungen für die Deutung und kritische Würdigung des Autors. Den Stand wichtiger editorischer Bemühungen zu dokumentieren, bildet den ersten Schwerpunkt dieses Bandes. Die vier Beiträge von Christoph Weiß, Gesa Weinert, Heribert Tommek und Gert Vonhoff belegen die Notwendigkeit editorischer Bemühungen wie auch die Schwierigkeiten, die sich ihnen entgegenstellen. Christoph Weiß berichtet über sein abgeschlossenes DFG-Projekt einer Verfilmung sämtlicher Handschriften (als Voraussetzung für eine spätere Edition), über die Schwierigkeiten ihrer Auswertung, die Probleme der Zuordnung weiterer Texte zu Lenz und an Beispielen über die editorischen Fehlentscheidungen der Vergangenheit. Gesa Weinert thematisiert ihre kurz vor dem Abschluß stehende verdienstvolle Edition der Gedichte Lenz’, die noch unbekannte Texte, neue Lesarten und Fassungen enthalten wird, und beschreibt ihr editorisches Konzept. Heribert Tommek setzt den Plan einer Edition der Moskauer Schriften in Beziehung zu einer (notwendigen) Neubewertung der Rolle Lenz’ in Moskau. Gert Vonhoff erörtert die Struktur und die möglichen Vorteile einer digitalen Gesamtausgabe.

Einen weiteren Schwerpunkt des Bandes bilden die Biographie des Autors und die geistigen Einflüsse. Heinrich Bosses Beitrag enthält neue Fakten und Hintergrundinformationen zu Lenz’ Zeit in Königsberg. James Gibbons denkt mit den Lettres à Maurepas Lenz’ Pläne zu einer Militärreform mit denen zu einer Landwirtschaftsreform zusammen, er kann damit bisher unbekannte Aspekte von Lenz’ Projekten in Weimar belegen. Hans-Ulrich Wagner fragt nach dem Verhältnis des „Genies“ Lenz zum Geld angesichts seiner permanenten Geldnot. Gerhard Bauer versucht den eigentümlichen Habitus Lenz’ in Konfrontation mit Merck und Kaufmann zu bestimmen. Den wichtigen Einfluß Hamanns auf Lenz sieht Hans Graubner in einer „Anthropologie der Fehlbarkeit“ und in einer theologischen Interpretation der Sexualität. Nach dem wichtigen Einfluß von Plautus auf das Werk fragen Angela Sittel und David Hill – am Beispiel der Aussteuer bzw. als übergreifendes Vorbild für die Dramenpraxis.

Einen dritten Schwerpunkt bilden neue Interpretationen einzelner Texte oder Genres. Die Spezifika von Lenz’ Lyrik verdeutlicht Inge Stephan u. a. an der eigentümlich „modernen“ Spaltung zwischen dem handelnden und leidenden Ich der Gedichte und dem lyrischen Ich als Beobachter. Zwei Beiträge gelten der Prosa. Zerbin wird von Roland Krebs mit Marmontels Genre der „moralischen Erzählung“ und mit Helvetius’ materialistischem Menschenbild konfrontiert. Hans-Gerd Winter untersucht den Landprediger als „Erinnerungstext“ an eine Aufklärungspraxis, die in Geltung und Reichweite als obsolet gilt. Den Dramen sind ebenfalls zwei Beiträge gewidmet. Gert Sautermeisters Interpreta­tion wertet die bisher eher vernachlässigte Komödie Die Freunde machen den Philosophen auf. Günter Niggl geht erneut der Frage nach „Ständebild und Ständekritik“ nach.

Einen breiten Raum nimmt der Schwerpunkt Freundschaft/Liebe/ Sexualität ein – ein Bereich, der in der Forschung schon länger intensiv diskutiert wird. Martin Kagel belegt Lenz’ kritische Rezeption des zeitgenössischen Modells der Freundschaft. Christine Künzel zeigt Korrespondenzen und Widersprüche zwischen den zeitgenössischen juristischen und literarischen Diskursen über sexuelle Gewalt auf. Claudia Benthien untersucht die auffällig weit entwickelte Körpersprache in Lenz’ Texten. Brita Hempel beschreibt die widersprüchlichen Motivationen, aus denen heraus Lenz in seinem Soldatenprojekt rigide Vorschriften entwickelt, um das „sittliche“ Handeln der Beteiligten zu erzwingen. Johannes F. Lehmann ordnet den Diskurs über Freundschaft und Liebe in den übergreifenden über Glückseligkeit ein und fragt nach Lenz’ Abweichungen gegenüber dem diesbezüglichen aufklärerischen Diskurs.

Aspekte der Lenz-Rezeption bilden einen letzten Schwerpunkt. Heidrun Markert untersucht die Rolle Jégor von Sivers’ als Lenz-Forscher. Ariane Martin zeigt auf, daß es schon sehr früh ein affirmatives Bild des „modernen“ Lenz gegeben hat und fragt nach der ungebrochenen Attraktivität des Dichters als Leidenden und als säkularisierte Christusfigur. Der Beitrag der amerikanischen Germanistin Helga Madland faßt die Perspektiven ihrer weit zurückreichenden Bemühungen um Lenz zusammen und akzentuiert ihren persönlichen Abschied von der Forschung. Jan Knopf konfrontiert am Beispiel des Hofmeisters und seiner Bearbeitung Lenz und Brecht. Der Beitrag des israelischen Theaterwissenschaftlers Gad Kaynar beschreibt die sehr spezifischen Bedingungen und Intentionen einer Aufführung der Soldaten an der Universität Tel Aviv. Einen Beitrag zur länderspezifischen Lenz-Rezeption liefert Ken-IchiSato mit seinem Vortrag über Lenz in Japan.

Charakteristisch für den augenblicklichen Zustand der Lenz-Edition, aber auch ein Indiz für das deutliche Fortschreiten der Forschung ist, daß in mehreren Beiträgen mit unbekannten Textversionen oder mit bisher unbekannten bzw. nicht edierten Texten argumentiert wird – z. B. bezüglich des bekannten Gedichtes An das Herz (vgl. den Beitrag von Gesa Weinert) und der Projekte Lettres à Maurepas (vgl. den Beitrag von James Gibbons) und Loix des femmessoldats (vgl. den Beitrag von Brita Hempel). – Der Anhang des Bandes enthält eine von Gesa Weinert verfaßte Aufstellung der umfangreichen und weit verzweigten Lenziana in der Biblioteka Jagiellónska in Kraków – wertvoll für jeden, der dort recherchieren möchte – sowie die Adresse der Lenz-Website, die Christoph Weiß eingerichtet hat und die Kontaktadresse zur Lenz/Storm and Stress Society. Eine Auswahlbibliographie zu Autor und Werk dient der weiteren Orientierung.
      
Der Band Die Wunde Lenz versammelt die Beiträge zu einer Tagung, die vom 23. bis 25. Mai 2002 aus Anlaß des 210. Todestages Lenz’ im Berliner Brecht-Haus stattgefunden hat. Inge Stephan und Hans-Gerd Winter haben bereits 1992 – im 200. Todesjahr – eine internationale Tagung in Hamburg veranstaltet. Deren Beiträge sind unter dem Titel ‹Unaufhörlich Lenz gelesen…›. Studien zu Leben und Werk von J. M. R. Lenz erschienen. [3]
      
Zitiert dieser Titel Franz Kafka, [4] knüpft der vorliegende Band an eine Formulierung Heiner Müllers an. Dieser beschreibt in Die Wunde Woyzeck Büchners Drama als ein „schnelles Gewitter, das aus einer anderen Zeit kommt, Lenz im Gepäck, den erloschenen Blitz aus Livland“. [5] Der Titel Die Wunde Lenz wurde gewählt, weil er die Faszination, aber auch die Momente der Verstörung signalisiert, die von einer Lektüre der Texte Lenz’ immer noch ausgehen, den Sog, der auch Kafka „unaufhörlich Lenz“ lesen ließ. Bereits die Tagung fand unter diesem Titel statt, so daß die Bereitschaft zu den einzelnen Beiträgen, vor allem auch ihre Struktur durch die Assoziationen, die diese Formulierung auslöst, beeinflußt sein können. Wenn die Metapher der Wunde auf die Biographie des Autors bezogen wird, zielt sie auf Verletzung und Krankheit. Lenz würde damit als säkularisierte Leidensfigur erscheinen – eine Zuschreibung, für die es bereits eine weit zurückreichende Tradition gibt (vgl. den Beitrag von Ariane Martin). Die Erfahrungen von Zerstörung und Entwertung des Subjekts in der Moderne lassen uns immer noch offen sein für diese Tradition. Allerdings besteht dabei die Gefahr, ein sehr verkürztes Bild von Autor und Werk zu entwerfen. Auf die Texte und Projekte bezogen, verweist „die Wunde Lenz“ auf die „Ansätze“, „die nicht zur Wirkung gebrachten Unternehmungen“, [6] das eigentümlich „Offene“ seiner Entwürfe. Lenz ist in seinen besten Texten von der zeitgenössischen Autonomieästhetik weit entfernt. Nicht zufällig ist die Körpersprache bei ihm weit entwickelt (vgl. den Beitrag von Claudia Benthien), nehmen doch alle Werke und Vorhaben mehr oder weniger sein „halbes Dasein mit“. [7] Tiefe Menschenliebe kann darin verbunden sein mit einer Neigung zu Phantasien massiven Zwangs und Selbst-Zwangs. Die Metapher der Wunde deutet auch Lenz’ Ästhetik des Fragmentarischen und Widersprüchlichen an, die einerseits tief in den Ambivalenzen der Diskurse des 18. Jahrhunderts verankert ist, andererseits aber schon auf die Moderne vorausweist. Wie konsequent Lenz z. B. in den zeitgenössischen Diskursen über Aufklärung, Freundschaft, Liebe, Literatur, Theater zu nicht auflösbaren Ambivalenzen vorstößt, wird in den Beiträgen des Bandes ebenso deutlich wie seine Ästhetik des Bruchs, der Ironie, des inneren Widerspruchs.
      
Eine Tagung und ein Tagungsband wie der vorliegende sind ohne die Unterstützung von den verschiedensten Seiten nicht denkbar. Gedankt sei zunächst dem Institut für deutsche Literatur an der Humboldt-Universität zu Berlin, vor allem aber der Deutschen Forschungsgemeinschaft, die durch die Bereitstellung von Räumen und finanziellen Mitteln die Tagung überhaupt erst ermöglicht haben. Dank geht auch an Dr. Therese Hörnigk vom Brecht-Haus in Berlin für ihre großzügige Gastfreundschaft. Sabine Imhof hat die Veranstaltung von der ersten Planung bis zur erfolgreichen Durchführung mit großem Engagement organisatorisch betreut. Julia Freytag, die einige Jahre zuvor als Gustchen in einer bemerkenswerten Hofmeister -Aufführung in Berlin bereits erste Erfahrungen mit dem Autor sammeln konnte, [8] hat sie dabei zusammen mit Nicola Gaedicke, Johanna Urzedowski sowie Grit Horn unterstützt. Der Tagungsband selbst hätte ohne den unermüdlichen Einsatz von Dr. Brigitte Peters, der Redakteurin der Zeitschrift für Germanistik, und die Mithilfe von Dr. Heidrun Markert, Yvonne Dietl sowie Janika Gelinek weder in der Schnelligkeit noch in der Sorgfalt vorgelegt werden können. Ihnen allen sei noch einmal ausdrücklich und herzlich gedankt. Für die Vermittlung des Titelbildes und die Abdruckrechte danken wir Christoph Weiß und der Stiftung Weimarer Klassik. [9]
      
Mit der Tagung haben sich die beiden Herausgeber – und dies sei an dieser Stelle nicht verschwiegen – auch einen langgehegten persönlichen Wunsch erfüllt. Anknüpfend an eine mehr als zwanzigjährige freundschaftliche Zusammenarbeit auf verschiedenen Gebieten, sind sie zu dem Autor zurückgekehrt, der sie ursprünglich zusammengeführt hat. [10] Statt sich gegenseitig mit in wieder in Mode gekommenen Festschriften zu feiern, haben sie sich entschlossen, diese „Festschrift“ gemeinsam einem Autor zu widmen, der ihrer Meinung nach kein „vorübergehendes Meteor“ ist, sondern zu den „Sternen“ gehört, die nach Brechts Notiz über Das Werk der kleineren Genien einen festen Platz am Literaturhimmel haben. [11]

 

Inge Stephan und Hans-Gerd Winter
Berlin/Hamburg im Oktober 2002

 

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[1] Lenz an Herder am 23. 7. 1775. In: Jakob Michael Reinhold Lenz. Werke und Schriften, hrsg. v. Sigrid Damm, Bd. 3, Leipzig 1987, S. 329.

[2] Immerhin gibt es inzwischen eine Ausgabe, die die Erstdrucke von Lenz’ Werken versammelt, ausgenommen die Drucke in Zeitschriften: Jakob Michael Reinhold Lenz. Werke in 12 Bdn., Faksimiles der Erstausgaben seiner zu Lebzeiten selbständig erschienenen Texte, hrsg. v. Christoph Weiß, St. Ingbert 2001.

[3] „Unaufhörlich Lenz gelesen…“. Studien zu Leben und Werk von J. M. R. Lenz, Stuttgart, Weimar 1994.

[4] Tagebucheintrag Franz Kafkas am 21. 8. 1912. In: Gesammelte Werke, hrsg. v. Max Brod, Bd. 4, Frankfurt a. M., New York 1954, S. 285.

[5] Heiner Müller: Die Wunde Woyzeck. In: Heiner Müller Material, Texte und Kommentar, hrsg. Frank Hörnigk, Leipzig 1989, S. 115.

[6] Heiner Müller in: Gesammelte Irrtümer, Interviews und Gespräche, Frankfurt a. M. 1986, S. 25.

[7] Vgl. Anm. 1.

[8] Produktion der Studiobühne der Freien Universität Berlin. Im Theaterdoc, Moabit 1996 (Regie: Götz Zuber-Goos).

[9] Vgl. das Lenz-Porträt auf der 1. Umschlagseite. Die Radierung (um 1775) stammt von Georg Friedrich Schmoll (nachgew. 1754-1785 Zürich), Inventar-Nr.: KGr/02164.

[10] Inge Stephan, Hans-Gerd Winter (Hrsg.): „Ein vorübergehendes Meteor“? J. M. R. Lenz und seine Rezeption in Deutschland, Stuttgart 1984.

[11] Bertolt Brecht: Aufsätze zur Literatur 1934-1946. Werke, Bd. 19, S. 465: „Man versteht nichts von der Literatur, wenn man nur die ganz Großen gelten läßt. Ein Himmel nur mit Sternen erster Größe ist kein Himmel. Man mag bei Lenz nicht finden, was man bei Goethe findet, aber man findet auch bei Goethe nicht, was bei Lenz.“

 


 

Band 6 Vorwort



Band 06 - Reflexe und Reflexionen von Modernität 1933 – 1945 zurück


VORWORT

Nach der in den letzten zwanzig Jahren – zuerst in den Geschichts- und Sozialwissenschaften und dann forciert in den Literatur- und Medienwissenschaften – intensiv und kontrovers geführten Debatte über die vermeintliche oder tatsächliche Modernität des ‚Dritten Reiches‘ scheint der Begriff der Modernität in Anwendung auf die NS-Zeit heute viel von seinem Erklärungswert und auch von seinem Provokationspotential eingebüßt zu haben. Dies mag zum einen daran liegen, daß man erkannt hat, wie differente Sichtweisen und Wertungen oftmals nur aus unterschiedlichen Begriffsdefinitionen hervorgegangen sind. Zum anderen haben die unter dem Paradigma von Modernität geführten Forschungen in allen Bereichen des NS-Staates Heteronomien von ‚modernen‘ und ‚anti-modernen‘ Tendenzen aufgezeigt. Statt zu eindeutigen Bestimmungen oder gar einer Umwertung zu führen, hat die Debatte gerade das Ende von Eindeutigkeit befördert, tradierte Dichotomien aufgelöst und die Gleichzeitigkeit und Verquickung gegenläufiger technologisch-ökonomischer, ideologischer und kultureller Entwicklungen als spezifisches Merkmal des ‚Dritten Reiches‘ in den Blick gerückt.

Auch der Titel Reflexe und Reflexionen von Modernität soll keine pauschale Neubewertung der Kultur im ‚Dritten Reich‘ anzeigen. Er umreißt vielmehr ein kulturwissenschaftliches Forschungsfeld, das sich im Zusammenhang mit dieser Debatte herausgebildet hat. Anders als in den Geschichts- und Sozialwissenschaften, anders aber auch als in der bislang üblichen literaturwissenschaftlichen Behandlung des ‚Dritten Reiches‘ wird Modernität hier primär als kulturelles Phänomen gefaßt – als Gegenstand diskursiver und ästhetischer Konstruktionen, in denen unterschiedliche ästhetische, wissenschaftliche und ideologische Konzepte in oft widersprüchlicher Weise verbunden sind. Für die Literatur- und Medienwissenschaften lag die Anregung und Innovation der Debatte weniger in der Neuinterpretation bekannter Texte oder Filme als darin, daß sie der Forschung neue Gegenstände und Kontexte erschlossen hat. Dabei rückte vor allem der Bereich der Unterhaltungskultur und Massenmedien in das Zentrum des Interesses, wodurch sich gerade der Germanistik Perspektiven öffneten, die durch die Fixierung am literar-ästhetischen Modernebegriff lange Zeit blockiert waren (Helmuth Kiesel).

Die Beiträge dieses Bandes stellen verschiedene Facetten dieses Forschungsfeldes vor. Ein Schwerpunkt liegt auf der Modernität als Gegenstand massenmedialer Inszenierungen. In der populären Unterhaltungskultur präsentierte sich das ‚Dritte Reich‘ selbst als modern. An zentralen Figuren dieser aus der Weimarer Republik überkommenen modernen Zerstreuungskultur – wie dem Rennfahrer (Uwe Day), dem Flieger (Erhard Schütz) oder der modernen Frau (Julia Bertschik) – wird erkennbar, wie die politisch-ideologische Forderung nach volksgemeinschaftlicher und militärischer Formierung mit den gegenläufigen Wünschen nach Individualisierung, Distraktion und Konsum teils konkurriert und teils vermittelt ist. Andere phantasmatische und theoretische Konstruktionen mit massenmedialer Verbreitung – wie der Ameisentopos (Stephan Porombka) oder der Mythos der ‚jüdischen Weltverschwörung‘ (Ralf Klausnitzer) – lassen sich als Modelle zur Bewältigung krisenhafter Modernitätserfahrung und zur Überwindung ‚der‘ Moderne verstehen. Neben der inszenierten Modernität rückt damit die reflektierte Modernität in den Blick. Untersuchungen des Modernediskurses (Carl Wege) und Technikdiskurses (Gregor Streim) in Feuilleton und Publizistik der dreißiger Jahre zeigen, daß das ‚Dritte Reich‘ nicht erst im historischen Rückblick, sondern schon von den zeitgenössischen Intellektuellen auf unterschiedliche und ambivalente Weise mit dem ökonomisch-technologischen Modernisierungsprozeß in Beziehung gesetzt wurde.

Politisch-ideologische Interessen und ästhetische Programme standen im ‚Dritten Reich‘ in spannungsvollen und wechselnden Relationen zu den modernen technologischen und arbeitsökonomischen Strukturen der Massenmedien: beispielsweise im Filmsektor, wo die filmpolitische Forderung nach professioneller Arbeitsteilung zwischen Autoren und Drehbuchschreibern auf den Widerstand der ‚Dichter‘ stieß (Jörg Döring) und ein Hollywood ähnelndes Starsystem gefördert wurde, das gleichermaßen den Anforderungen von wirtschaftlicher Effizienz und von propagandistischer Funktionalität genügen sollte (Stephen Lowry). Bedienten sich die Nazis – am entschiedensten Goebbels – einerseits der unter Bedingungen ökonomischer Konkurrenz entwickelten medialen Werbetechniken (Walter Delabar), so wurden andererseits spektakuläre technologische Entwicklungen wie das Fernsehen wegen ihrer zweifelhaften propagandistischen Wirkung aus politischen Gründen verzögert, wenn nicht gar behindert (Karl Prümm).

Ähnliche Spannungen kennzeichnen die Stellung ästhetisch moderner Programme im Kontext von medientechnischer Modernisierung und ideologischer Lenkung. So versuchte Walter Ruttmann in seinen in der NS-Zeit gedrehten Filmen anfangs, die Mittel der filmästhetischen Avantgarde propagandistisch einzusetzen, um sie dann sukzessive zu verabschieden (Irmbert Schenk), während Ernst Barlach sich mit seinem Bekenntnis zur literarästhetischen Moderne in Opposition sowohl zur nazistischen Kulturpolitik als auch zur Unterhaltungskultur des ‚Dritten Reiches‘ setzte (Ralf Schnell). Ernst Kreneks Sicht auf die Massenkultur der dreißiger Jahre changierte dagegen zwischen radikaler Kulturkritik und Faszination durch die technischen Möglichkeiten des jungen Mediums Radio (Meret Foster). Schließlich läßt der Fall des Redakteurs der Krakauer Zeitung U. E. Struckmann erkennen, wie sich im Spielraum zwischen den konkurrierenden politischen Instanzen ein gemäßigter ästhetischer Modernismus im Bereich des Feuilletons durchsetzen ließ (Hubert Orlowski).

Die Beiträge des vorliegenden Bandes [Das Titelbild zeigt einen der legendären ‚Silberpfeile‘ von Mercedes-Benz aus den dreißiger Jahren. Es wurde entnommen aus Karl Ludvigsen (Hrsg.): Mercedes-Benz, Rennwagen und Sportwagen, dt. Bearbeitung v. Stefan Knittel, Gerlingen: Bleicher Verlag, 2. Aufl., 1982, S. 115: „Großer Preis von Deutschland 1937. Lang macht mit diesem zu spät ausgeführten Reifenwechsel die Chancen auf einen Dreifach-Sieg für Mercedes (1. Caracciola, 2. v. Brauchitsch) zunichte.“] gehen auf eine Tagung mit dem Titel „Reflexe und Reflexionen der Modernisierung“ zurück, die vom 9.–11.11.2001 im Literaturhaus Berlin stattfand und die gemeinsam mit dem Institut für Kommunikationsgeschichte und angewandte Kulturwissenschaften an der Freien Universität Berlin durchgeführt wurde. An dieser Stelle möchten wir allen Personen danken, die uns bei der Durchführung der Tagung und der Realisierung des Bandes unterstützt haben: Natalie Nik-Nafs, Susanne Rendel, Andy Hahnemann, vor allem aber Yvonne Dietl und Brigitte Peters. Der Deutschen Forschungsgemeinschaft wie auch der Humboldt-Universität zu Berlin und dem Verlag Walter de Gruyter danken wir für die finanzielle Unterstützung, den Mitarbeitern des Literaturhauses Berlin für die freundliche Aufnahme in ihren Räumen. Unser besonderer Dank gilt Jost Hermand, der nicht nur mit seinem Engagement in der Diskussion, sondern auch mit seiner Bereitschaft, nachträglich einen Beitrag zu dem Band beizusteuern, uns eine besondere Ehre erwiesen hat.

 

Erhard Schütz und Gregor Streim

April 2002

 

 


 

Band 5 Vorwort

 


 

Wechselwirkungen. Kunst und Wissenschaft in Berlin und Weimar im Zeichen Goethes


Ernst Osterkamp

VORWORT

Sommer 1810 bemühte sich die zuständige Ernennungskommission da­rum, den Göttinger Historiker Georg Sartorius für die neugegründete Ber­liner Universität zu gewinnen. Wilhelm von Humboldt wußte, daß Sartorius freund­schaftliche Verbindungen zu Goethe unterhielt; Goethe war 1809 Pate von dessen zweitem Sohn Wolfgang geworden. Kein Wunder also, daß Sartorius Goethe um dessen Rat im Hinblick auf die nun anstehende wichtige Entscheidung bat! Goethes Reaktion war, wie das Konzept des Antwortbriefs vom 19. Juli 1810 zeigt, von verheerender Eindeutigkeit:

Ich bin zwar weit entfernt, Jemanden bey einem so wichtigen Schritte zu rathen; aber wie die Dinge stehen, so glaube ich kann man Jedermann mit gutem Gewissen abrathen, an den gegenwärtigen Berliner Verhältnissen Theil zu nehmen. Wer einmal darinn steckt, mag schwimmen und waten wie es gehen will. Aber einen solchen Zustand zu wählen, würde frevelhaft seyn. Ich habe hier Gelegenheit durch mehr oder weniger offene Erzählung und Mittheilung, mir einen allgemeinen Begriff zu machen, wie es dort aussieht, und das Resultat davon ist, Sie recht dringend zu bitten, daß Sie sich ja nicht übereilen möchten, sich nicht möchten blenden lassen, durch scheinbar gute Bedingungen. Das Detail mag und kann ich dem Papier nicht anvertrauen. Vielleicht kommt das Mögliche und Wahrscheinliche nur zu bald an den Tag. [WA IV, 21, S. 352.]

Sartorius hat, was niemanden überraschen wird, den Ruf nach Berlin nicht an­genommen. Wir wissen nicht, auf wessen „mehr oder weniger offene Er­zählung“ Goethe seinen Ratschlag stützte; vermutlich war es der grämliche Friedrich August Wolf, den Humboldt auch für die Universität zu gewinnen suchte. Aber selbst wenn es Wolfs übellauniges Votum gewesen ist, auf das Goethe zurückgriff, so hätten diesem doch viele positive Stimmen über die Universitätsgründung entgegengestanden, etwa die des Freundes Zelter und vor allem diejenige Humboldts selbst, der seit 1794 zu Goethes engerem Freundeskreis zählte. Aber, so zeigt der Brief an Sartorius mit seinen düsteren Andeutungen, es muß bei Goethe ein gut funktionierender Mechanismus am Werke gewesen sein, der ihn jedes negative Urteil über die Stadt Berlin als Bestätigung eines tiefverwurzelten Mißtrauens empfinden ließ. So sind denn Goethes Briefe bis heute für jeden Berliner mit Hang zum Lokalmasochismus beliebte Fundorte für loci classici der Berlin-Schelte geblieben.

Die Frage, wie es zu dieser profunden Abneigung gegen Berlin gekommen ist, wäre uninteressant, wenn Goethe andererseits nicht jederzeit gern bereit gewesen wäre, sie außer Kraft zu setzen, wenn sich Gelegenheitenboten, mit Berlinern in ein schöpferisches Wechselverhältnis zu treten. Wo ein produktives Individuum ihm in künstlerischem oder wissenschaftlichem Austausch begegnete, hat er immer nur das produktive Individuum in ihm gesehen und nicht etwa auch den Berliner oder die Berlinerin; allenfalls hat er sich verwundert gefragt, wie man in den „gränzenlos zerstreuenden“ Verhältnissen einer Großstadt leben und dennoch fruchtbar sein könne. [ An Zelter, 18.2.1821; WA IV, 34, S. 129.] Es kennzeichnet deshalb die politische, künstlerische und wissenschaftliche Bedeutung der Metropole Berlin, daß Goethe zumal seit dem Ausgang des 18. Jahrhunderts zu keiner anderen Stadt Europas – sieht man von dem Sonderfall Roms ab, das er liebte – eine derart kreative Beziehung entwickelt hat wie zu Berlin, das er schon im August 1775, drei Jahre bevor er die Stadt kennenlernte, mit schaudernder Faszination in einem Brief an die deutsche Sappho Anna Luisa Karsch ein „Sodom“ genannt hat. [WA IV, 2, S. 282.] Der gegenseitige Austausch zwischen Weimar und diesem Sodom, der sich aus einem überaus spannungsvollen Ineinander von Anziehung und Abstoßung ergab, bildete den Gegenstand eines Symposiums, das anläßlich der 250. Wiederkehr von Goethes Geburts­tag die Humboldt-Universität zu Berlin und das Konzerthaus Berlin vom 9. bis zum 12. Juni 1999 veranstalteten und dessen Ergebnisse in diesem Band versammelt sind.

„Sodom“: das war eine Titulatur, der eine große Karriere bevorstand. Sodom war das mythische Modell, das im 19. Jahrhundert der kulturkonservative Blick, der aus der Provinz auf die Metropole fiel, in jeder großen Stadt wiedererkannte. Natürlich schwingt in dieser spielerischen Mythisierung Berlins zum Sodom der Moderne im Falle des jungen Goethe die Ironie des bibelfesten Stürmers und Drängers mit, der in der großen Stadt vor allem ein denaturierendes Kultur-Konzentrat und damit den absoluten Gegensatz zur befreienden Natur erblickt. Aber gerade weil dies so ist, kann Berlin für Goethe zum Inbegriff der modernen Großstadt schlechthin werden: ihrer Ver­lockungen und Risiken, ihrer Zerstreuungen und Gefahren für das Subjekt und dessen Selbstfindung. Jedes Urteil Goethes über Berlin ist, mag es auch noch so sehr von einer manchmal staunenswerten Kenntnis der spezifischen Verhältnisse in der Stadt diktiert sein, ein Urteil über die moderne Groß­stadt überhaupt. Das kann auch gar nicht anders sein; schließlich hat er keine andere moderne Großstadt kennengelernt und war er auch über keine andere Großstadt so gut informiert wie über Berlin. Mit Ausnahme Neapels, in dem die urbane Situation aber eine ganz andere war, ist Berlin die einzige wirklich große Stadt gewesen, die Goethe jemals betreten hat.

Deshalb sollte man sich auch fragen, ob Goethes gern zitierte herbe Urteile über die Berliner nicht in Wahrheit den Typus des modernen Großstädters generell charakterisieren, der nicht mehr in ständisch geordneten Verhältnissen lebt, sondern in einer Konkurrenzgesellschaft mit ihren eigenen Strategien der Konfliktregulierung: „Es lebt aber, wie ich an allem merke“, so Goethe am 4. Dezember 1823 über die Berliner, „dort ein so verwegener Menschenschlag beisammen, daß man mit der Delikatesse nicht weit reicht, sondern daß man Haare auf den Zähnen haben und mitunter etwas grob sein muß, um sich über Wasser zu halten.“ [Goethes Gespräche. Bd. 3, S. 48] Mit anderen Worten: die Berliner sind nicht aufgrund eines lokalen Triebschicksals so, wie sie sind, sondern weil die Verhältnisse der modernen Großstadt Verhaltensstrategien erzwingen, denen der Minister Goethe in seiner kleinen Residenz so noch nicht ausgesetzt war.

Goethe hat aber auch erkannt, daß die Verhältnisse der Großstadt noch einen anderen Menschentypus hervorbringen, wie er so ebenfalls in der Provinz nicht vorkommt, und Großstädtern dieses Schlages hat Goethe Bewunderung, Vertrauen, ja auch Verehrung entgegengebracht. Diese Menschen nannte er „tüchtig“, und den Inbegriff eines derart tüchtigen Mannes bildete sein Freund Zelter. An Zelter hat er am 11. Mai 1820 geschrieben:

Ich glaube gerne, daß du in der bewegten Stadt sehr zerstreut wirst; alles macht Forderungen an den, der etwas vermag, und darüber zersplittert er sein Vermögen; doch verstehst du gar wohl dich wieder zusammenzuhalten. [WA IV, 33, S. 26]

Tüchtig ist, mit anderen Worten, derjenige, der in den zersplitterten Verhältnissen der Großstadt mit ihrer „velociferischen“ Beschleunigung des Lebens deren Möglichkeiten und Energien für sich auszunützen in der Lage ist und sie in einer Konzentration der Kräfte produktiv zu machen versteht. Goethe hat sich selbst nicht zu dieser Art tüchtiger Menschen gezählt, und es ist auch klar warum: Die Verhältnisse selbst in seiner kleinen thüringischen Re­sidenz Weimar hatten sich während des ersten Weimarer Jahrzehnts für ihn schon als so zerstreuend erwiesen und damit seine dichterische Produktivität derart blockiert, daß er sich dieser traumatisierenden Erfahrung nur durch die Flucht nach Italien zu entziehen vermochte. In Sorge um die eigene Schaffenskraft blickte er deshalb auf die zerstreuenden Verhältnisse der Me­tro­pole mit ihren vielen äußeren Geschäftigkeiten, und mit staunender Bewun­derung blickte er zugleich auf jene tüchtigen Menschen, die die zerstreuenden Kräfte der großen Stadt zu neuen, bisher ungekannten Formen künst­lerischer und wissenschaftlicher Tätigkeit zu bündeln verstanden. In keiner Stadt Deutschlands lebten auch nur annähernd so viele in diesem Sinne tüchtige Menschen – Künstler, Wissenschaftler, Politiker –, mit denen Goethe auf vielfache Weise in produktivem Austausch stand, wie in der preußischen Residenz, die er nach dem ersten und einzigen Besuch im Mai 1778 ein weiteres Mal zu besuchen standhaft sich weigerte.

Dafür aber kam diese Stadt zu ihm: in Gestalt all der Berliner Künstler, Wis­senschaftler, Musiker, Schauspieler, Journalisten, Generäle und Politiker, die ihn mit ihren Berichten und Einwirkungen in vielfacher prismatischer Bre­chung mit großer Intensität am Leben der Stadt teilnehmen ließen. Die monumentale Korrespondenz mit Zelter, die weit davon entfernt ist, ihrer Bedeutung entsprechend gekannt zu sein, ist das vielleicht bedeutendste Zeug­nis für das kulturelle Leben Berlins in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts und ist doch nur ein Element dieses vielgestaltigen Austauschs.

Auf der anderen Seite war Goethe in Berlin, wenn auch nicht in Person, so doch in Gestalt seiner Werke auf eine Weise gegenwärtig wie in keiner anderen Stadt. Die „Salons“ der Henriette Herz und der Rahel Varnhagen waren die Zentren der deutschen Goethe-Verehrung. In Berlin bemühte sich der Fürst Radziwill über zwei Jahrzehnte lang um eine Vertonung des Faust und um die Organisation von Privataufführungen des Faust im Schloß Monbijou, an denen er zeitweise fast die gesamte königliche Familie beteiligte – dies zu einer Zeit, als im sonstigen Deutschland kein Theater im Ernst darüber nachdachte, Faust aufzuführen. In Berlin stand das musikalische Leben von Reichardt bis Mendelssohn im Zeichen der Goethe-Verehrung. Die Berliner bil­denden Künstler hatten es zeitweise nicht leicht mit Goethe; das hat sie aber in ihrem Selbstbewußtsein nicht geschwächt und damit zugleich in ihrer Goethe-Verehrung nur bestärkt. Einer der bewährtesten Freunde Goethes entwarf die geistige Konzeption der neuen Berliner Universität; deren Berufungspolitik dokumentiert – sagen wir es vorsichtig – von Fichte bis Hegel eine gewisse Goethe-Nähe; der Berliner Weltstar der Wissenschaft, Alexander von Humboldt, hat sich dem Goetheschen Gedankenkosmos so tief eingeschrieben, daß dieser schon 1809 eine seiner geheimnisvollsten Figuren, Ottilie in den Wahlverwandtschaften, sich wünschen läßt, „nur einmal Humboldten erzählen“ zu hören, [MA 9, S. 457] während Humboldt selbst noch vierzig Jahre später das große Kapitel über Naturbeschreibung, das den zweiten Band seines Kosmos überschriebenen Entwurfs einer physischen Weltbeschreibung eröffnet, in einer hymnischen Evokation Goethes als des „großen Meisters“ der poetischen Naturvergegenwärtigung kulminieren läßt. [Humboldt: Kosmos. 2. Bd., S. 75] Gneisenau – um schließlich noch in militärische Regionen zu gehen, die ja auch zu Berlin ge­hören – liest Faust wenige Monate nach dessen Erscheinen bereits im Januar 1809 und leiht das Drama dann Clausewitz; später entfaltet sich ein engerer persönlicher Kontakt Gneisenaus zu Goethe. [Vgl. hierzu Weniger: Goethe und die Generale]

Berlin: Dies war nicht die Welt des überzeugten Kleinstädters Goethe, denn es war nach der in den neunziger Jahren des 18. Jahrhunderts einsetzenden staunenswerten Entfaltung der literarischen, künstlerischen, wissenschaftlichen und philosophischen Produktivität Berlins die Stadt der Moderne, von der Goethe nicht allein eine mentale, sondern auch eine lebensgeschichtliche Barriere trennte. An die Stelle der bald nach dem Tod Friedrichs II. sklerotisch in sich zusammensackenden Spätaufklärung trat eine junge Künstlergeneration, die schon geistig im Zeichen des Goetheschen Wer­kes erzogen worden war. Dies war freilich nicht mehr Goethes Generation, so daß Goe­the sich immer auf eine spannungsvolle Weise in einem Zustand der Ungleichzeitigkeit zu Berlin befand. Damit wiederholte sich gewissermaßen seitenverkehrt die Situation seines Berliner Besuchs im Jahre 1778, als der Dichter als junger Mann in eine ganz von seiner Vätergeneration ge­prägte kulturelle Landschaft gelangte und sie besichtigte wie ein Museum jener Kultur, die radikal zu erneuern er sich vorgenommen hatte. Die Karschin (geb. 1722), Daniel Chodowiecki (geb. 1726) und Anton Graff (geb. 1736), die er damals besuchte, wurzelten in einer spätaufklärerischen Kultur, die er längst hinter sich gebracht hatte. So fehlte es Goethe in Berlin an produktiven Generationsgenossen – mit der einen Ausnahme des allzu früh verstorbenen Karl Philipp Moritz –, und hierin muß man wohl auch einen Grund für seine Reserviertheit gegenüber der Stadt erkennen.

Um so dankbarer war er für die Verehrung, die ihm in der Stadt entgegengebracht wurde, und umso dankbarer hat er auch die zahllosen künstlerischen und wissenschaftlichen Impulse, die ihm aus Berlin entgegenflossen, aufgenommen, ohne seine eigenen künstlerischen und wissenschaftlichen In­tentio­nen von ihnen noch umformen zu lassen. Er war sich seiner Dankesschuld gegenüber dieser Stadt sehr wohl bewußt. Eines der schön­sten Zeugnis­se hierfür bildet der große Prolog zu Eröffnung des Berliner Theaters im Mai 1821, jenes Schauspielhauses also, in dem das Symposium, das in dem vor­liegenden Band dokumentiert wird, stattgefunden hat.

Goethe ist der Bitte des Grafen Brühl, für die Eröffnung des Schauspielhauses im Mai 1821 einen Prolog zu schreiben, bereitwillig nachgekommen, und zwar deshalb, weil er genau wußte, daß hiermit in der Wechselwirkung von Berlin und Weimar eine einzigartige künstlerische Konstellation entstand, wie sie so nie mehr wie­derkehren würde: im Zusammenwirken von Poesie (Goethe), Theater (Brühl), Architektur (Schinkel) und bildender Kunst (Friedrich Tieck und Rauch). Für die Ausgabe letzter Hand hat er „Aufklärende Bemerkungen“ über seinen „Prolog für Berlin“ konzipiert; dort heißt es:

Das Interesse an dem Bau des neuen Berliner Schauspielhauses nach jener unglücklichen Einäscherung, war allgemein und bei mir vorzüglich. Da ich mit dem H. General-Intendanten seit dessen frühsten Jahren in treuer freundschaftlichster Verbindung gelebt; den Baumeister H. Schinkel und dessen außerordentliches Talent zu ehren verstand, ferner mit denen zum Schmuck vorzüglich berufenen Bildhauern Herrn Tieck und Rauch in anmutigen Wechselverhältnis war, und durch Bekanntschaft mit dem Plan, Aufrissen, Durchschnitten das Vorzügliche hoffen durfte; so säumte ich nicht einen Augenblick dem Wunsch des H. Grafen Brühl zu willfahren und einen Prolog zu Eröffnung der neuen Bühne zu schreiben. [MA 13.1, S. 777]

„Anmutiges Wechselverhältnis“: Dies Goethesche Wort kennzeichnet den Geist der Zusammenarbeit zwischen der Humboldt-Universität zu Berlin und dem Konzerthaus Berlin, aus dem der Plan zu einem Symposium über die Wechselwirkungen von Kunst und Wissenschaften zwischen Berlin und Weimar zur Zeit Goethes erwuchs. Das Symposium war als wissenschaftliche Begleitveranstaltung zum Konzertprojekt Goethe-Spuren des Konzerthauses Berlin in der Spielzeit 1998/99 geplant; es nahm das Goethe-Gedenkjahr 1999 zum Anlaß, an die vielfältigen kulturellen Prägungen zu erinnern, die die Stadt Berlin durch Goethe erfahren hat, aber auch an die zahlreichen künstlerischen und wissenschaftlichen Impulse, die von Berlin aus auf Goethe einwirkten.

Goethe und Berlin: Dies ist – wofür bereits der Berliner Lokalpatriotismus gesorgt hat – keineswegs ein neues und ganz unerforschtes Thema. [Die solideste Einführung in das Thema gibt nach wie vor der Artikel Berlin von Johanna Petschat. Die breiteste Dokumentation einschlägigen Materials bei Erna Arnhold: Goethes Berliner Beziehungen. Auf besonders schöne Weise informiert über Goethes Berliner Aufenthalt der Katalog zur Ausstellung Goethe/Berlin/Mai 1778 in der Staatsbibliothek zu Berlin 2001 (Detemple: Goethe/Berlin/Mai 1778); ihm ist auch die Umschlagillustration dieses Buchs entnommen: das von Georg Melchior Kraus gezeichnete, von Daniel Chodowiecki gestochene Portrait Goethes aus dem Jahre 1776]

Dennoch sind, über die Dokumentation der persönlichen Verbindungen zwi­schen Berlin und Weimar hinaus, die produktiven Konsequenzen des re­gen Austauschs zwischen dem entschiedenen Kleinstädter Goethe und den „gränzenlos zerstreuenden“ Verhältnissen der Großstadt Berlin auf den Ge­bieten der Literatur und des Theaters, der Wissenschaft, bildenden Künste und Musik kaum je in den Blick genommen worden; hier hat das Stereotyp von Goethes lebenslanger Abneigung gegen Berlin also wichtige Forschungs­perspektiven auf ergebnisreiche Wechselwirkungen verstellt. Diese Wechselwirkungen in ihren für beide Seiten produktiven Resultaten in exemplarischen Einzelstudien auszuleuchten, war das Ziel des interdisziplinären Symposiums, dessen Referate hier, in zum Teil erheblich überarbeiteter und er­weiterter Fassung, veröffentlicht werden. Außer den Beiträgern zu diesem Band waren an der Tagung, die im Kleinen Saal des Konzerthauses und im Senatssaal der Humboldt-Universität stattfand, Lothar Müller (Berlin) und Cyrus Hamlin (Yale) als weitere Referenten, Hermann Danuser (Berlin) und Theodore Ziolkowski (Princeton) als Diskussionsleiter beteiligt. Ihnen allen gebührt für das Gelingen des Symposiums, das breites Interesse auf sich zog, sehr herzlicher Dank. Besonders danken möchte ich Frank Schneider, dem Intendanten des Konzerthauses, und Heike Hoffmann, der künstlerischen Direktorin des Konzerthauses, für die hervorragende Zusammenarbeit bei der Planung und Durchführung der Tagung. Zu danken habe ich des weiteren der Stiftung Preußische Seehandlung für die großzügige finanzielle Unterstützung und meinen Mitarbeitern Steffen Martus und Andrea Polaschegg für die redaktionelle Betreuung des Bandes.

 

Ernst Osterkamp

Berlin, im Januar 2002

 


 

Band 4 Vorwort


 

Dichterische Politik. Studien zu Rudolf Borchardt

 

KAI KAUFFMANN


Vorwort

„Unser Unterschied ist, dass bei Ihnen alle Politik ein Gegenstand ist, für den Sie sich von dem Centrum Ihres Inneren aus auch noch interessieren können, weil Wege dorthin führen oder sich finden lassen. Für mich ist sie Centrum meiner Natur, das von wo aus nach überallhin Wege führen.“

(Rudolf Borchardt an Alfred von Heymel, 25. Oktober 1908)

Der Fall scheint geklärt, das Urteil gesprochen: Rudolf Borchardt (1877 bis 1945), der sich sein Leben lang zu den Ideen des Konservatismus, Monarchismus und Nationalismus bekannte, ist spätestens seit 1945 als politischer Schriftsteller ‚erledigt‘. In der Tat hätte er wenig zum Aufbau der liberalen Demokratie in der Bundesrepublik Deutschland (oder gar der sozialistischen Diktatur in der DDR) beisteuern können. Als Werner Kraft und Theodor W. Adorno in den sechziger Jahren versuchten, Borchardt vor dem Vergessenwerden zu ‚retten‘, (1) mußten sie den Dichter vor dem Politiker in Schutz nehmen. Wer Borchardt las und über ihn schrieb, konzentrierte sich auf die Gedichte, die Adorno in einer Auswahl herausgegeben hatte, und die Erzählungen. Die politische Prosa war anathema.

Seitdem die Ausgabe der Gesammelten Werke in vierzehn Bänden vorliegt und die Edition der Gesammelten Briefe voranschreitet, erweitert sich die Rezeption. Zweifellos haben auch die Ereignisse von 1989, mit denen auch manche Mauer in den Köpfen fiel, dazu beigetragen, daß Borchardt sowohl in der wissenschaftlichen als auch in der feuilletonistischen Diskussion wieder eine größere Rolle spielt. Als sich Botho Strauß in seinem Anschwellenden Bocksgesang (1993) auf Borchardt berief, (2) schien es für einen kurzen Moment so, als könnte dieser Autor sogar zum Kronzeugen eines künftigen Konservatismus werden. Freilich stellte sich die Debatte bald als Sturm im Wasserglas des Feuilletons heraus. Der politische Schriftsteller Borchardt, bei dem die Gegenseite nicht lange nach schockierenden Äußerungen zu suchen brauchte, verschwand wieder im Giftschrank der Geschichte.

Wenn in den hier versammelten Beiträgen die ‚dichterische Politik‘ Rudolf Borchardts untersucht wird, so geht es auch nicht um eine irgendwie geartete Aktualität des Konservatismus. Man muß nur die Reden über Schöpferische Restauration (1927) und Führung (1931) lesen, um zu wissen, daß von Borchardt nichts für die politische Theorie und Praxis der Demokratie zu erben ist, wenngleich man sich auch umgekehrt vor seiner vorschnellen Abstempelung als Faschisten oder gar Nationalsozialisten hüten sollte. Vielmehr geht es darum, die Amalgamierung von Dichtung und Politik in Borchardts literarischem Werk zu verstehen, die er selbst auf die Formel ‚dichterische Politik‘ gebracht hat, (3) und darum, diese Konzeption im historischen Feld des Ästhetizismus, des Nationalismus, der Konservativen Revolution, der Politischen Geographie, der Politischen Anthropologie und anderer Diskurse und Ideologien seiner Zeit zu verorten.

Als Leitthese dieses Sammelbandes kann gelten, daß die von Werner Kraft und Theodor W. Adorno versuchte Trennung zwischen einem ‚guten‘ Dichter und einem ‚schlechten‘ Politiker gerade nicht möglich ist. In Borchardts Kulturprogramm der ‚schöpferischen Restauration‘, das er kurz nach der Jahrhundertwende entwickelte und dann Stück für Stück in seinem Werk umsetzte, ist die Dichtung immer auch eine politische Konstruktion, die Politik immer auch eine dichterische Phantasmagorie. Deswegen beschränken sich die Beiträge des Bandes nicht auf die klassischen Themen der Politik, etwa den Begriff der Nation (Wolfgang Schuller), die Idee des Fürsten (Gregor Streim) oder die Konzeption der politischen Geographie (Kai Kauffmann). Über den Bereich der explizit politischen Dichtung hinaus (Ulrich Ott) suchen sie nach impliziten Beziehungen, so in den Dramen, Erzählungen und Gartenphantasien, die eine Dialektik des kulturell ‚Reinen‘ und ‚Unreinen‘ entfalten (Alexander Kissler), oder in den Übersetzungen, die einen imaginären Raum der Völker-Freundschaft schaffen (Franck Hofmann). Der Begriff der ‚Übersetzung‘ ist besonders gut geeignet, die Verwandlungen der Dichtung in Politik, der Politik in Dichtung zu beschreiben.

Die Beiträge über Borchardt und die wilhelminischen Intellektuellen (Berthold Petzinna), die Tradition des deutschen Antimodernismus (Richard Herzinger) und die Parallele zu Ezra Pound (Markus Bernauer) ergänzen die Aufsätze, die vor einigen Jahren in dem von Ernst Osterkamp herausgegebenen Tagungsband Rudolf Borchardt und seine Zeitgenossen (4) veröffentlicht worden sind. Sie bestätigen den Befund, daß Borchardt keineswegs so isoliert im literarischen, kulturellen und politischen Leben seiner Zeit stand, wie er selbst behauptete und die Mit- und Nachwelt glaubte. Dennoch ist seine Selbststilisierung als ‚Unzeitgemäßer‘ oder, wie er gerne auf Englisch sagte, um seinen Abstand von der deutschen Gegenwart zu betonen, als ‚outsider‘ nicht nur eine nietzscheanische Pose des Dichter-Politikers. Für sein Handeln ist charakteristisch, daß er sich niemals einer Gruppe, etwa dem Stefan-George-Kreis oder gar einer Partei angeschlossen hat, für sein Denken und Schreiben, daß alle Diskurse und Ideologien, die er aufnimmt, in eigene Ideen und Phantasmen verwandelt und gegen ihr übliches Verständnis gewendet werden. Borchardt war so konservativ, daß er alles Bestehende umstürzen wollte, so nationalistisch, daß er Deutschland in Europa aufzuheben suchte, so monarchistisch, daß er keinen einzigen Herrscher der Geschichte wirklich gelten ließ, und so legitimistisch, daß er im ‚Interregnum‘ der Weimarer Republik nicht davor zurückschreckte, die Staufer durch die Welfen und Preußen durch Bayern zu ersetzen. Wenn man ihm bis in die Tiefen seines politischen Denkens folgt, kann man ihn für keine Ideologie vereinnahmen. Aber, um die Argumentationsrichtung wieder umzukehren, es stimmt auch, daß er an der Oberfläche seiner Schriften mit Schlagworten arbeitet, die dann doch den Anschluß an bestimmte Ideologien erlauben, ja geradezu herausfordern. Da nicht nur das Sich-Entziehen in die Tiefe, sondern auch das Sich-Einklinken an der Oberfläche zum rhetorischen Kalkül Borchardts gehört, läßt sich noch nicht einmal von einem Mißverständnis oder einem Mißbrauch reden. Hier liegt m. E. das eigentliche Problem des Dichter-Politikers Borchardt, der deswegen mit ebenso guten Argumenten verteidigt wie angeklagt werden kann.

Die Beiträge dieses Bandes gehen auf eine von Andreas Beyer und mir organisierte Tagung der Rudolf Borchardt-Gesellschaft zurück, die vom 20. bis 21. November 1999 in Berlin stattfand. Ich möchte an dieser Stelle auch im Namen von Andreas Beyer der Friedrich Ebert-Stiftung danken, die sowohl die Tagung finanzierte als auch diesen Band mit einem Druckkostenzuschuß unterstützte. Außerdem gilt mein Dank dem Literarischen Colloquium Berlin, das wie immer ein angenehmer Ort des Gesprächs war, und Frau Yvonne Dietl, die den Satz dieses Bandes besorgte.

Die Photographie auf der ersten Umschlagseite, die Borchardt 1936 in der Villa Bernardini (bei Lucca) zeigt, wurde freundlicherweise vom Deutschen Literaturarchiv Marbach zur Veröffentlichung freigegeben – auch dafür sei gedankt.

Kai Kauffmann

 


(1) Werner Kraft, Rudolf Borchardt. Welt aus Poesie und Geschichte. Hamburg 1961. Theodor W. Adorno, Die beschworene Sprache. Zur Lyrik Rudolf Borchardts, in: Rudolf Borchardt, Ausgewählte Gedichte, hrsg. v. Theodor W. Adorno, Frankfurt a. M. 1968, S. 7–35.

(2) In: Heimo Schwilk, Ulrich Schacht (Hrsg.), Die selbstbewußte Nation. „Anschwellender Bocksgesang“ und weitere Beiträge zu einer deutschen Debatte, Berlin 1994, S. 19–40.

(3) In der Rede „Das Geheimnis der Poesie“ (1930), vgl. Reden, S. 138.

(4) Ernst Osterkamp (Hrsg.), Rudolf Borchardt und seine Zeitgenossen, Berlin, New York 1997.

 


 

Band 3 Vorwort


 

 Thomas Mann: „Doktor Faustus“. 1947 – 1997


WERNER RÖCKE - VORBEMERKUNG

Es gibt wohl nur wenige Bücher des 20. Jahrhunderts, in denen die Wunschbilder und Aporien deutscher Geistes- und Kulturgeschichte, ästhetischer Fundamentalismus und die Überzeugung von der „Endzeit der Kunst“, deutsche Innerlichkeit und faschistische Gewalt so präzise, aber auch so schonungslos reflektiert wurden wie in Thomas Manns Doktor Faustus-Roman von 1947.

Anläßlich des 50. Jahrestages seiner Erstpublikation und im Zusammenhang mit einem umfangreichen Konzertzyklus veranstalteten das Konzerthaus Berlin und die Humboldt-Universität zu Berlin in der Zeit vom 5. bis zum 7. Juni 1997 ein wissenschaftliches Kolloquium, das die vielfältigen Bezüge zwischen den literarischen, politisch-historischen, philosophischen und musiktheoretischen Perspektiven dieses nicht zuletzt auch für die aktuelle Orientierungsdebatte im größer gewordenen Deutschland nach 1989 überaus relevanten Romans in den Mittelpunkt stellen soll. Faszination und Provokation der Biographie des deutschen Tonsetzer Adrian Leverkühn, erzählt von einem Freunde, resultieren auch nach fünfzig Jahren aus einem ironisch-distanzierten und sympathetischen Blick auf den Antimodernismus und die „Konservative Revolution“ deutscher Intellektueller und Künstler, aber auch – im Gegensatz dazu – auf die Höchstleistungen moderner Musik und Musiktheorie im 20. Jahrhundert (Schönberg, Adorno u.a.), die im Rückgriff auf die spätmittelalterliche Faust-Sage zusammengeführt werden.

Die Historia von D. Johann Fausten von 1587 geht – anders als Goethes Faust-Dichtung – nicht von der Erlösung, sondern von der Katastrophe des Intellektuellen und Künstlers aus, der sich zum Zwecke der Steigerung seines Erkenntnisvermögens und seiner Kreativität dem Teufel verschreibt. Nicht der Traum von der Errettung der Menschheit, sondern Verlockung und Bedrohlichkeit des Bösen, die Ambivalenz von Genialität und Verzweiflung, von protestantischer Freiheit und Unfreiheit bilden das Modell für Thomas Manns Bilderzyklus von Krise und Untergang, künstlerischer Vollendung und deutscher Geschichte und Kultur. Insofern bietet gerade der Rückgriff auf die alte Textfassung des 16. Jahrhunderts die Möglichkeit, die Brüche und apokalyptischen Ängste schärfer auszuleuchten, die mit dem Zusammenbruch des deutschen Nationalstaates 1945 einhergingen.

In dem Kolloquium standen diese Schnittpunkte zwischen dem alten Stoff und seiner – auch fünfzig Jahre nach 1947 – noch höchst aktuellen Deutung im Mittelpunkt. Das betrifft die Imaginationen des Bösen und Probleme protestantischer Gewissensangst im 16. und 20. Jahrhundert (Hartmut Böhme, Jan-Dirk Müller, Werner Röcke) ebenso wie die Konzeptualisierungen politischen Handelns in der Frühen Neuzeit und vor allem in der „Konservativen Revolution“ des frühen 20. Jahrhunderts, die literarisch und künstlerisch gerade in Deutschland so außerordentlich erfolgreich war (Herfried Münkler, Stefan Breuer). Es betrifft aber auch die Möglichkeiten und Gefahren eines modernen Künstlertums, die in Thomas Manns Werk auf die unterschiedlichste Weise erörtert und literarisiert werden (Eberhard Lämmert, Ernst Osterkamp), die Widersprüche und Brüche im Werk Thomas Manns selbst (Irmela von der Lühe, Dieter Borchmeyer, Hans Rudolf Vaget) und nicht zuletzt die wechselseitigen Bezüge zwischen Poesie und Musik, die Thomas Mann keineswegs nur im Doktor Faustus, hier aber besonders differenziert und grundsätzlich reflektiert hat (Hermann Danuser, Klaus Kropfinger, Thomas Plebuch).

Das Kolloquium ging von einem interdisziplinären Ansatz aus, um auf diese Weise die historischen, politischen, literarischen und musikalischen Perspektiven in Thomas Manns Doktor Faustus sichtbar zu machen. Interdisziplinarität ist inzwischen zu einem Topos geworden, der in nahezu allen wissenschaftstheoretischen und -politischen Stellungnahmen beansprucht wird. Gleichwohl beschränkt sich interdisziplinäre Arbeit in der Regel auf die bloße Addition unterschiedlicher Fächer, Fragestellungen und Methoden, wohingegen die Frage danach, ob und inwieweit die Forschungsperspektiven und Untersuchungsmethode eines Musikwissenschaftlers für einen Politologen oder eines Mittelalterphilologen für einen Neugermanisten überhaupt von Interesse sein kann, weitgehend unbeantwortet bleibt.

Im Doktor Faustus-Kolloquium hingegen stand der Versuch, den „fremden Blick“ der jeweils anderen Disziplin auch für den eigenen Forschungsansatz zu erproben, im Mittelpunkt und erwies sich für eine neue Lektüre von Thomas Manns Roman gerade in seinen Schnittfeldern aus Politik, Ästhetik, Musiktheorie und Musikpraxis als außerordentlich produktiv. Insofern bot nicht zuletzt der gemeinsame Veranstaltungsort des Kolloquiums im Konzerthaus und an der Humboldt-Universität einen Hinweis darauf, daß gerade gegenüber Thomas Manns großem Künstler- und politischem Roman eine Trennung zwischen Kunst und Wissenschaft; Poesie und Musik; Musik-, Literatur- und Politikwissenschaft wenig sinnvoll, ihre Verschränkung hingegen sehr produktiv ist.

Die Zusammenarbeit zwischen Konzerthaus und Humboldt-Universität ist von Frank Schneider, dem Intendanten des Konzerthauses, von Anfang an unterstützt und gefördert worden. Ihm und Heike Hoffmann, der künstlerischen Direktorin des Konzerthauses, danke ich für eine Kooperationsbereitschaft, die ihresgleichen sucht und maßgeblich zum Erfolg des Kolloquiums beigetragen hat. Herzlich danke ich auch meinen Kollegen Hermann Danuser, Herfried Münkler und Ernst Osterkamp, mit denen zusammen ich das Kolloquium konzipieren und vorbereiten konnte und die sich auch als Sektionsleiter zur Verfügung stellten.

Danken möchte ich schließlich auch der Thyssen-Stiftung für eine großzügige Unterstützung der Tagung; Brigitte Peters von der Redaktion der Zeitschrift für Germanistik für viele Ratschläge und die Herstellung des Satz-Manuskriptes sowie Olaf Bruhn und Susann Barchmann für ihre Hilfe bei der Einrichtung der Manuskripte. Sie alle haben dazu beigetragen, die Arbeitsergebnisse einer Tagung zu publizieren, die im Hinblick auf die Kooperation von Konzerthaus und Humboldt-Universität einen Neuanfang setzt. Ich würde mich freuen, wenn diese Kooperation auch künftig in den Publikationen zur Zeitschrift für Germanistik ihren sicht- und nachlesbaren Ausdruck fände.

 

Werner Röcke
Humboldt-Universität zu Berlin 2000

 


 

Band 2 Vorwort



Reiseerfahrungen, Schreibformen und kulturelles Wissen


ALEXANDER HONOLD, KLAUS R. SCHERPE - EINLEITUNG

Der Diskurs über das Fremde hat Konjunktur. Für die Germanistik impliziert das die Aufforderung, das Thema historisch anzugehen und – einer vielerorts angemahnten Neuorientierung des Faches gemäß – unter kulturwissenschaftlich erweitertem Blickwinkel. Im Frühjahr 1998 hat am Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität das von der DFG geförderte Projekt einer „Literatur- und Kulturgeschichte des Fremden“ seine Arbeit aufgenommen, das die Erfahrung, Darstellung und Deutung außereuropäischer Kulturkontakte im deutschsprachigen Kontext für den Zeitraum von 1880 bis 1918 untersucht. Ziel dieses Forschungsvorhabens ist es, an einem Faszinationsbereich von großer kultureller Ausstrahlungskraft die engen Verschränkungen von kulturellem Wissen und ästhetischer Imagination sichtbar werden zu lassen. Literarische Quellen wie Reisebeschreibungen, Tagebücher, journalistische Berichte und fiktionale Werke werden in ihrem diskursiven Zusammenhang mit Ereignissen und Dispositionen der zeitgenössischen Politik und Wissenschaft rekonstruiert, namentlich mit den im Zuge des Kolonialismus im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts entstandenen Disziplinen und Institutionen.

Die hier vorgelegten Studien sind teils unmittelbar aus dem Projekt Literatur- und Kulturgeschichte des Fremden hervorgegangen, teils in enger Kooperation damit entstanden. Sie verfolgen, bei aller Heterogenität der Gegenstandsbereiche und des jeweils gewählten methodischen Zugangs, eine gemeinsame Aufgabenstellung, die sich durch drei leitende Aspekte umreißen läßt.

1.) Interdependenz von Identität und Alterität: Das Wissen über außereuropäische Kulturen und die Selbstwahrnehmung der westeuropäischen Zivilisation als Kultur entwickeln sich in einem wechselseitigen Bedingungsverhältnis. Die Herausforderung durch ‘das Andere’ läßt sich nicht in einer starren Entgegensetzung von rationalem vs. mythischem Gesellschaftstypus, von individuellem vs. holistischen Weltbild usw. bestimmen, sondern als relationale Differenzierung und Positionierung. Für den Kontext des englischen Kolonialreiches hat Edward Said gezeigt, daß sich die Konstituierung eines homogenen Kanons „der englischen Literatur“ als Effekt der kolonialen Inbesitznahme Indiens ergab; erst die pragmatische Erfordernis, für die Fremden ein bündiges Curriculum ‘des Englischen’ zusammenzustellen, schuf die nötige Distanz zum selbstverständlichen Agieren in dieser Kultur und machte sie – von außen – als zusammenhängendes Ganzes kenntlich. Im Deutschland der Gründerzeit läßt sich eine ähnliche Figur des kulturdefinitorischen Umwegs beobachten, etwa was den ‘wilhelminischen Orientalismus’ betrifft.

2.) Kulturelles Wissen: Die Wahrnehmungs- und Darstellungsformen des Fremden sind weder auf authentische Repräsentation fremder Sitten und Gebräuche zu verpflichten, noch sollten sie als bloße Imaginationen exotistischer Sehnsüchte oder kolonialer Bemächtigungsphantasien ‘entzaubert’ werden. Die Texte werden vielmehr als Zeugen und Instrumente einer Produktion kulturellen Wissens aufgefaßt, eines Wissens, das dem jeweils verfügbaren fachwissenschaftlichen Kenntnisstand allgemeinverständlichen Ausdruck und prägnante Gestalt gab.

3.) Mediale und disziplinäre Grenzüberschreitungen: Die Spurensuche nach außereuropäischen Fremderfahrungen ist ein notwendigerweise interdisziplinäres Projekt; involviert sind die unterschiedlichsten Wissenschaften und Kunstformen. Dem versucht die Auffächerung der hier versammelten Studien dadurch Rechnung zu tragen, daß der Horizont literaturspezifischer Gegenstände in zweifacher Weise überschritten wird: sowohl im Hinblick auf wissenschaftsgeschichtliche Fragestellungen als auch auf mediale und im engeren Sinne besonders auf kunstgeschichtliche Korrespondenzen.

Das Fremde gehört seit jeher zu den großen Themen der Literatur, zu den menschlichen Grunderfahrungen wie Liebe oder Gewalt und Tod; das Fremde ist aber stets auch, so die gemeinsame Prämisse der hier vorgestellten Arbeiten, als eine selbst schon ästhetisch verfaßte, eine performative Kategorie zu behandeln. Das in wissenschaftlichen und literar-ästhetischen Darstellungen der Moderne vermittelte Bild fremder Kulturen entwirft selbst jene Urszene des Kulturkontakts, die es bloß widerzuspiegeln vorgibt. Gefragt wird nach den Inszenierungen und Auftrittsbedingungen von Alterität in den Diskursen und symbolischen Praktiken, die seit Mitte des 18. Jahrhunderts das Wissen von fremden Kultu-ren generieren. Demnach müssen die Untersuchungen ihr Augenmerk auf zweierlei richten. Zum einen auf das zunehmend ausdifferenzierte Spektrum von Disziplinen, in welchen diskursives Wissen über außereuropäische Gebiete und Lebensformen produziert wird (v.a. Anthropologie, Ethnologie, Soziologie, Kultur- und Naturgeographie); zum anderen auf das im Zeichen technischer Medien sich rapide erweiternde Repertoire von Beschreibungs-, Darstellungs- und Spielformen, in welchen die interkulturelle ‘Begegnung’ dramatisch konfiguriert und ausagiert wird.

Um 1900 kannte das vermeintlich so starre wilhelminische Deutschland eine Fülle an populären Lustbarkeiten und bildungsbeflissenen Zeitschriften, die sich der Präsentation fremder Lebensräume und Kulturen widmeten. Wissenschaftliche Gesellschaften, Verlage, Museen und Sammlungen, aber auch Panoramen und Völkerschauen prägten die ‘Auftrittsbedingungen’ des Fremden. So manifestiert sich in den Verhandlungen der „Gesellschaft für Anthropologie, Ethnologie und Urgeschichte“ (vgl. den Beitrag von SIBYLLE BENNINGHOFF-LÜHL in diesem Heft), die vorderhand der Diskussion des evolutionären Übergangs von den Primaten zum Menschen galten, ein exotistisches Interesse an Haarmenschen und anderen Skurrilitäten, das durchaus jener Schaulust vergleichbar ist, die Carl Hagenbeck bei der Präsentation wilder Tiere in seinen Freisichtgehegen anzufachen und zu bedienen wußte (ERIC AMES). Für die Formierung der künstlerischen Moderne in Deutschland hatten die gestiegenen Möglichkeiten der Erfahrung des Fremden und besonders die Konjunktur ethnographischer Studien und Projekte eine impulsgebende Bedeutung, die in der Breite und Vielfalt ihrer kulturellen Wirkungen noch keineswegs hinreichend erfaßt wurde. Die Rezeption pazifischer Tauschrituale, afrikanischer Kunst (NANA BADENBERGs Studie zum Einfluß der art nègre auf Picasso und Carl Einstein), asiatischer Religionen oder altamerikanischer Sprachen wurde zum Anstoß der Ver-Fremdung gewohnter Wahrnehmungsweisen und eingeschliffener gesellschaftlicher Spielregeln.

Es stellt ein bemerkenswertes Beispiel der Ambivalenz kultureller Prozesse dar, daß und wie im Gefolge der deutschen Reichsgründung und ihrer politisch forcierten Konstruktion nationalkultureller Identität die Beschäftigung mit dem ganz Anderen zunahm, und in weitentfernten Weltteilen nach dem Primitiven, Natürlichen und Ursprünglichen gesucht wurde. Eigenes und Fremdes, Zentrum und Peripherie ‘benötigten’ nicht nur ihr jeweiliges Gegenüber, sie konstituierten und bestätigten es im Modus dieser Entgegensetzung. Von dieser Einsicht ausgehend, plädieren ANETTE und PETER HORN dafür, die Schlüsselszenen kolonialer Besitzergreifung und Gewalt nicht als einseitige Täter-Opfer-Beziehungen zu begreifen, sondern als kulturelle Interaktionsformen der mimetischen und performativen Verständigung, in denen die Fremden auf ihre Weise „mitspielen“. Die Mechanismen solcher Wechselwirkung in kolonialen Machtverhältnissen unterstreichen auch Beiträge, die sich mit frühen Formen der „Entkolonialisierung“ (so WEIJIAN LIU über Beispiele kulturvermittelnder Arbeit von Schriftstellern und Intellektuellen in der Tsingtau-Kolonie) oder – im Horizont aktueller postkolonialer Theoriebildung – mit Schreibstrategien zur Überwindung von Entfremdung (GERNOT KAMECKE zur Kreolität bei Patrick Chamoiseau) beschäftigen.

Eine „Poetik der Beschreibung“ kann, wie KLAUS R. SCHERPE zeigt, von der ethnographischen Situation ihren Ausgang nehmen; die Radikalität eines semiotisch und gattungstheoretisch nur umrißhaft zu bestimmenden Beschreibungsdiskurses liegt in dem Impuls, disparate Momente des Fremden dem eigenen Text in geradezu exzessiver Form zu inkorporieren. Zwar haben sich, anders als in der englischen oder französischen Literaturgeschichte, Reiseberichte und literarische Darstellungen fremder Kulturen in Deutschland nie als kanonische Gattung etablieren können. Dennoch ist seit den Weltreise-Berichten Georg Forsters und Alexander von Humboldts eine produktive Herausforderung der Philosophie und der literarischen Ästhetik durch außereuropäische Kulturkontakte zu verzeichnen (vgl. den Beitrag von BIRGIT TAUTZ zu Hegels China- und Afrika-Deutungen). Phänomene des Fremden – des Unbewußten, des scheinbar Primitiven, des performativen Rituals – wurden zum Anstoß der Kulturdebatten um 1900 (von MARKUS JOCH besonders anhand der deutschen Spielarten des Kulturkreis-Konzepts skizziert) und der literarischen Zivilisationskritik in der frühen Moderne (vgl. die von REKHA KAMATH porträtierten, „neoromantischen“ Indienreisenden). Zu einem die Literarizität sprengenden Impuls wird die Evokation tropischer bzw. orientalistischer Stereotypen schließlich in den auf eine neue Bildlichkeit abzielenden Wahrnehmungs- und Formexperimenten der ästhetischen Avantgarde. Die Textanalysen von MICHAELA HOLDENRIED zu Robert Müller und ROLF GOEBEL zu Kafka führen dies en détail vor, indem sie den reflektierten und ästhetisch kalkulierten Umgang beider Autoren mit den Exotismusmoden der Zeit auf die darin virulenten diskursstrategischen und poetologischen Prämissen befragen.

Das Wissen von fremden Kulturen etabliert sich in der Moderne im interdiskursiven Kräfte-feld von wissenschaftlichen, ästhetischen (elementar-literarischen) und allgemein kulturellen Praktiken. Zu den vorgängigen Dispositionen der Forschungsreisen gehörte auch deren (teils recht unhandliche) apparative Ausstattung, beispielsweise der Phonograph, den die durch Erich von Hornbostel begründete musikethnographische Schule für einige Zeit als verbindliche Standardausrüstung durchsetzen konnte (OLIVER SIMONS). ‘Vor Ort’ gewinnen die Akte des Belauschens, Beobachtens und Aufzeichnens eine durchaus theatralische Komponente, ebenso die Techniken geographischer Vermessung und Erkundung. Flußfahrten und Bergbesteigungen, die vor der Einrichtung der großen Eisenbahnlinien in der Exploration des kolonialen Raumes eine Schlüsselrolle spielten, sind, neben ihrem wissenschaftlichen Informationswert, auch als geographischen Bemächtigungs-Szenen eigener Art lesbar, in denen die prekäre Position des europäischen Subjekts zum Raum des Fremden auf symptomatische Weise zum Ausdruck kommt (ALEXANDER HONOLD). Eine Symbiose wissenschaftlich-empirischer und literarästhetischer Energien ist auch im Motiv des Tropenfiebers und in der Malaria-Prophylaxe am Werk; STEPHAN BESSER zeigt, wie die in Kolonialromanen evozierten tropischen Infektionskrankheiten sich zeitgenössischer medizinischer Diskurse bedienen und auf diese zurückstrahlen. Das Fremde als Erreger: In diesem Phantasma wird die Krankheit zur Metapher des Anderen schlechthin, zur gefährlichsten Reise an den Rand menschlicher Zustände, die aber auch die Empfindlichkeit und Empfänglichkeit des zivilisationsmüden Europäers in nie gekannter Weise zu steigern vermag.

Ein großer Teil der hier publizierten Beiträge ist in erster Fassung auf dem im Sommer 1999 veranstalteten Symposium „Kolonialismus als Kultur“ am Institut für deutsche Literatur der Humboldt-Universität zu Berlin vorgestellt worden, das vom DFG-Forschungsprojekt: „Literatur-und Kulturgeschichte des Fremden“ veranstaltet und von der Humboldt-Universität wie auch von der Stiftung Preußische Seehandlung gefördert wurde. Bei beiden Einrichtungen möchten wir uns für die großzügige und, in Zeiten schrumpfender Kulturbudgets, keineswegs selbstverständliche Unterstützung bedanken. Für die Aufnahme des Bandes in die Reihe der Beihefte zur Zeitschrift für Germanistik danken wir deren Herausgebern, der Redaktion und dem Verlag.

 


 

Band 1 Vorwort


 

Banalität mit Stil. Zur Widersprüchlichkeit der Literaturproduktion im Nationalsozialismus


Vorbemerkung

I.

Das vorliegende erste Beiheft der Zeitschrift für Germanistik ist aus einem Kolloquium hervorgegangen, das im November 1997 an der Humboldt-Universität in Berlin stattgefunden hat. Es stand unter dem Thema ,Widerstreit der Modernen 1918 bis 1945‘.

Die Konzeption zu diesem Kolloquium wiederum war Resultat des Wunsches, die Diskussion aus dem im Dezember 1995 an der Freien Universität veranstalteten Kolloquium ‚Dichtung im Dritten Reich?‘ (1) fortzusetzen. Explizite Absicht war es dabei, Nachwuchswissenschaftlern und -wissenschaftlerinnen zwischen Abschlußarbeit und Promotion den fachlichen Austausch zu ermöglichen.

Die Vorüberlegungen dazu sind aus einer Diskussionsrunde hervorgegangen, an der neben den Herausgebern dieses Beihefts noch Claudia Alberts, Gerhard Bauer, Christiane Caemmerer und Richard Herzinger teilgenommen haben.

Eingeladen wurde mit dem folgenden Text:

 

II.

Die Geschichte des ,Dritten Reiches‘, insbesondere die der Künste und Kultur, ist bisher fast durchweg aus der Doppelperspektive von einerseits teleologischer Gewißheit ex post – Kriegskatastrophe und Völkermord –, andererseits politischer Korrektheit des Status quo ante geschrieben wor­den. Nicht zuletzt das hat zu den diversen Revisionsversuchen auch in diesem Feld der historischen Forschung geführt, vor allem auszumachen in den verschiedenen, kontroversen Beiträgen zur Frage der Modernität des ,Dritten Reiches‘.

Die Arbeitstagung steht daher im Rahmen eines zukünftigen Forschungsschwerpunktes, der die Diskussion um Modernisierung und Modernität, Antimoderne, Reaktionäre Moderne, Paramoderne, autochthone Moderne etc. in den Kontext der Kulturgeschichte des ,Dritten Reiches‘ stellen statt ,historisieren‘ soll. Diese Kontextuierung betrifft im Kern den Zusammenhang von Modernismus (Avantgardebewegungen, emphatischem Modernebegriff etc.) und Bewegungen der Gegenmoderne als Widerstreit, in dem also nicht schon per se eine Position als die sieghaft gerechtfertigte (oder nun durchzusetzende) feststeht, sondern eben der Wi­derstreit, der Prozeß von Differenz und Identität verschiedener Positionen, als Movens ins Zentrum gerückt wird.

Prinzipiell soll von einer Erweiterung des historischen Feldes auf den Zeitraum etwa zwischen 1890 und 1960 ausgegangen und die (Re)Konstruktion eines historischen Raumes signifikanter ästhetisch-politischer Verhaltenskonzepte zur industriellen Beschleunigung versucht werden. Die Arbeitstagung soll sich jedoch zunächst erst einmal auf den engeren Zeitraum 1918 bis 1945 beschränken.

Selbstverständlich gäbe es gute Argumente, den Zeitraum etwa bis zur Romantik zu erweitern. Aus Gründen der schärferen Konturierung soll er jedoch auf die Jahre 1890 bis 1960 eingegrenzt werden: Das ist der Zeitraum zwischen dem Regierungsantritt Wilhelms II. und der Zementierung der deutschen Teilung, der ideengeschichtlich von lebensphilosophischen Auseinandersetzungen und kulturgeschichtlich durch mediale Innova­tionsschübe bestimmt worden ist.

Zugleich ist es der Zeitraum der modernen Massengesellschaft, ihrer spezifischen Institutionen und Organisationsformen – wie ihrer Selbstthematisierung. Damit sind zugleich unumgängliche weitere Kontextuierungen benannt: Zum einen die Kontextuierung der kanonisierten künstlerischen und theoretischen Produktionen durch den verstärkten Einbezug medialer Grenzüberschreitungen wie neuer Formen (z.B. Bild-Text-Verhältnisse, Funktionen des Feuilletons, Medienverbundproduktionen etc.), zum anderen die explizite Situierung Deutschlands im europäischen Kontext – als Diskussion von nationalen Differenz- und Antagonismuskonzepten, nationalen Fremd- und Eigenbildern, interkulturellem Austausch bis hin zu den verschiedenen politischen Europa-Entwürfen im Verlauf der Geschichte.

Im Fokus sollen zunächst die folgenden Aspekte stehen:

– Unter- und Gegenströmungen der Moderne (Konservativismen, Konservative Revolution, Nationalbolschewismus, Faschismus, Nationalsozialismus etc.) und ihre Kulturstile, bzw. Verhaltenskonzepte (Lebensreform, Neopaganismus, Neomystizismus, ,schöpferische Restauration‘ etc.) und die entsprechenden Querverbindungen und Parallelen im ,linken‘ Spektrum;

– Kulturmuster der Technikrezeption (Zivilisationskritik, Medien-euphorie, Massentheorien, Kontrollphantasien etc.);

– Zeitvorstellungen und Raumkonzepte (Beschleunigung/ Verlangsamung, Europa, 1000jähriges Reich, Mittellage, ,Verlassen der Erde‘ etc.).

 

III.

Wiewohl alle Beiträge sich auf diesen Rahmen bezogen, stellte sich in ihrer Ausführung und in den Diskussionen eine eigentümliche Umakzentuierung heraus, die von den Modernitätsimplikationen der Vorüberlegungen wegführte.

Selbst dort, wo man im oder gegen den Nationalsozialismus eher einen aristokratischen „Fascismus“ imaginierte und einem spekulativen Technoexistentialismus huldigte, ist von der polemisch-feindseligen Aggressivität – etwa des Futurismus – wenig zu spüren: Stets enden die Entwürfe in Synthesevorstellungen. Ist das bei den fortschrittsforcierenden Positionen (anfangs noch Ernst Jünger, dann auf ihm fußend Max Bense, Gert H. Theunissen oder Egon Vietta) so, gilt selbst für die entgegengesetzte Seite innerhalb des Nationalsozialismus wiederum die Abgrenzung von radikalisierten antirationalistischen Positionen, wie sie beispielsweise in der Distanzierung Rosenbergs gegenüber den Bestrebungen des Klages-Kreises deutlich wird.

Um so mehr fällt dann im Spektrum dazwischen auf, wie sehr – bei allen sonstigen Unterschieden – von der Literatur der immer noch so genannten Inneren Emigration bis hin zur seriellen Massenliteratur Positionen der Synthese, Versöhnung, Temperierung und Moderatheit dominieren. Diese Literatur steht so sehr unter dem selbstauferlegten Gebot der Mäßigung, daß man geradezu verführt wird, von einer Moderatheitsmoderne zu sprechen.

Im Kern der Texte scheint stets das Bestreben zu stehen, die Beschleunigungen, die die Gesellschaft wie die einzelnen erleben, stillzustellen. Selbst in den Genres, die dezidiert modernen Entwicklungen gewidmet sind, wie Technikroman, Science fiction und Kriminalroman, dominiert offenbar das Bewußtsein, zuvor entglittene Verhältnisse wieder in den Griff zu bekommen und zukünftig kontrollierbar zu halten.

Dabei sind die Ansprüche keineswegs bescheiden. Ob wahrhaftes Dichtertum, Bewahrung klassischer Traditionen, ob Volkserziehung qua Erbauung und Lenkung, ob Führung der Macht oder bloß Teilhabe an der Macht – selbst in der Abweichung, Abkehr und Abwehr signalisiert man stets zugleich Gemäßigtheit und wirbt um Billigung.

Das Ergebnis ist dann freilich nicht selten Mäßigkeit und Mediokrität, ja, nicht selten geradezu eine „Verzwergung“.

Innerhalb dessen wiederum gilt es allerdings auf Differenzen zu achten, Differenzen etwa zwischen den selbstgrüblerischen Figuren der Lähmung, Trostlosigkeit, Schuldverstrickung und dem Heroismus des Unscheinbaren wie den Befriedigungen bescheidener Zufriedenheit. Spielräume für Abweichungen gilt es ebenso auszuloten, wie auf die Strategien der präventiven Entschuldung und Entlastung – durch Blut und Mythos, Bios und Schicksal – zu achten und die eher impliziten als expliziten Ausgrenzungen aufzuspüren, auf denen die Harmonisierungsversuche beruhen.

Was so die vorliegenden Beiträge in vielfältigen Kombinationen, Gradierungen und Facettierungen herausgearbeitet haben, das wird fortgesetzt: Zunächst in der Frage nach den Spielräumen des Individuellen auf einer Tagung im November 1998.

 

Walter Delabar/ Horst Denkler/ Erhard Schütz

 

(1) Dokumentiert in: Dichtung im Dritten Reich? Zur Literatur in Deutschland 1933-1945. Hrsg. von Christiane Caemmerer und Walter Delabar. Opladen 1996.

 


 

Band 21 Titelblatt


 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite:

Die Große Heidelberger Liederhandschrift – der Codex Manesse.
Herr Alram von Gresten. UB Heidelberg, Cod. Pal. germ. 848, Bl. 311r
 


 

Band 20 Titelblatt


 

 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite:

Ausschnitt aus dem Plakat zur Tagung:
„risus sacer – sacrum risibile“.
Interaktionsfelder von Sakralität und Gelächter im kulturellen und historischen Wandel
(vom 3.–5.5.2007)
an der Humboldt-Universität zu Berlin:
Graphische Gestaltung: Anne-Kathrin Pauk | kommunikationskombinat
www.koko-berlin.de.

 


 

Band 12 Titelblatt


 

Das Titelbild stammt aus dem Band:

Prochainement ouverture...de 62 boutiques littéraires (1925) mit Illustrationen von Henri Guilac.

 


 

Band 12 Titelblatt


 

 

Das Titelbild stammt aus dem Band:
Prochainement ouverture...de 62 boutiques littéraires (1925) mit Illustrationen von Henri Guilac.

 


 

Band 19 Titelblatt


 


Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite:

Antonio del Pollaiuolo (Antonio di Jacopo d'Antonio Benci): 1431(Florenz) — 1498 (Rom)

Kampf zwischen zehn nackten Gestalten (Battle of the Ten Naked Men). Kupferstich.

Aus: Giovanni Colacicchi: Antonio del Pollaiuolo, eingel. u. übers. v. Eckart Peterich, Florenz 1943.

 


 

Band 30 Titelblatt


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Die Abbildung auf der ersten Umschlagseite hat Georg Gremske entworfen.
Vgl. auch das Konferenzplakat des SFB 644 "Transformationen der Antike", 
B12, an der Humboldt-Universität zu Berlin.

 


 

Band 28 Titelblatt


 

 

Abbildung auf der ersten Umschlagseite: Titelvignette aus der Zeitschrift „Der Naturforscher“ (1774–1804).

Zweites Stück. 1774 (Exemplar der Wissenschaftlichen Stadtbibliothek Mainz, Moyat 224).

 


 

Band 18 Titelblatt


 

 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite:

Franciscus Virgilius Grammatica: Casualcarmen in Form eines Kometen (1726).

In: Jeremy Adler, Ulrich Ernst: Text als Figur. Visuelle Poesie von der Antike bis zur Moderne,

Weinheim ³1990, Abb. 57, S. 108.

 


 

Band 27 Titelblatt


 

 

 Abbildung auf der ersten Umschlagseite:
Storm-Haus, Husum.
Fotografie: Günter Pump < www.ppfotodesign.de >

 


 

Band 17 Titelblatt


 

 

Zur Abbildung auf der ersten Umschlagseite:

Die Aufnahme zeigt zwei ,Arbeitsmaiden‘ des Reichsarbeitsdienstes (Erzgebirge) bei der Lektüre.
Bei dem Buch der Frau rechts handelt es sich um den Roman Die Sache mit Katja von
Marianne von Angern, 1942 im Berliner Universitas Verlag erschienen.
Das 6.–10. Tsd. kam 1948 auf den Markt.